martes, 12 de diciembre de 2017

"The King of Pigs" llega a España

Mediatres Estudio ha adquirido los derechos de distribución para España de la película de animación surcoreana "The King of Pigs" dirigida por Yeon Sang-ho ("The Fake", "Seoul Station", "Train to Busan"), que saldrá a la venta en DVD y Blu-ray a mediados de 2018.


Nominada a la Cámara de Oro en el Festival de Cannes, y ganadora de 3 premios en el Festival de Busan, "The King of Pigs" supuso el descubrimiento de Yeon Sang-ho, uno de los realizadores surcoreanos más influyentes de la actualidad gracias al éxito internacional de "Train to Busan". Como ya hiciera en "The Fake", con la que ganó el premio a Mejor Película de Animación en el Festival de Sitges, "The King of Pigs" es un inmisericorde análisis de los grandes pecados de la sociedad moderna: la violencia en las aulas y el "bullying", las inquebrantables jerarquías sociales, y el futuro incierto de todos aquellos que no encajan en el modelo a seguir preestablecido por la sociedad.



La sinopsis es la siguiente: Kyung-min y Jong-suk son dos antiguos amigos de la infancia quienes, tras años separados, deciden quedar un día para recordar los viejos tiempos en el colegio y como entonces eran considerados "cerdos" por aquellos hijos de familias ricas, quienes se hacían llamar "perros". La jerarquía estaba clara y era imposible romperla, hasta el día que apareció Chul, un joven sin miedo que se autoproclamó el "Rey de los Cerdos" y decidió demostrar que para no vivir como un perdedor la única opción es convertirse en un monstruo.

lunes, 11 de diciembre de 2017

Nominaciones a los Globos de Oro 2018

Se han hecho públicas hoy las nominaciones a los Globos de Oro, los galardones que la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood anunciará en la 75ª ceremonia de entrega de los premios el próximo 7 de enero de 2018. Los Globos de Oro se otorgan en reconocimiento a la excelencia en cine y televisión a profesionales de todo el mundo. Los cinco nominados a Mejor Largometraje de Animación han sido finalmente:

  • El Bebé Jefazo, de Dreamworks Animation
  • The Breadwinner, de Cartoon Saloon, Aircraft Pictures y Melusine Productions
  • Ferdinand, de 20th Century Fox Animation y Blue Sky Studios, que también logra nominación a Mejor Canción Original por "Home"
  • Coco, de Pixar Animation Studios y Walt Disney Animation, que también recibe una nominación a Mejor Canción Original por "Recuérdame"
  • Loving Vincent, de BreakThru Films, Production Company Trademark Films y Co-Production Company

Por otra parte, la película "The Star" de Sony recibe también una nominación a Mejor Canción Original por "The Star".
Entre las nominadas no sorprende ver tres largometrajes que deben estar ahí por derecho propio, como es el caso de "The Breadwinner" y "Coco", que encabezan en nominaciones los premios Annie, y "Loving Vincent", otra laureada producción europea que acaba de recibir el Premio a Mejor Largometraje de Animación de la European Film Academy. Por otra parte, sin discutir la calidad de "El Bebé Jefazo" o de "Ferdinand", que aún se ha de estrenar en España, y que sin duda están ahí también por la tendencia a nominar a los Globos de Oro a un buen número de películas estadounidenses, puede sorprender no ver en la lista a "Capitán Calzoncillos: Su Primer Peliculón" o "Batman: La LEGO Película", por seguir con producciones americanas que cuanto menos sorprendieron gratamente, como también se quedan fuera producciones como "En Este Rincón del Mundo", "Ancien y el Mundo Mágico", "Mary y la Flor de la Bruja" o "El Malvado Zorro Feroz". Y por supuesto también hubiéramos deseado ver ahí a la española "Psiconautas", que de momento puede aspirar a los Oscar.

Podéis consultar el listado completo de nominaciones aquí.

Primer teaser de "Spider-man: Un nuevo universo"

Phil Lord y Christopher Miller, los genios tras THE LEGO MOVIE, dieron a conocer por fin el título de la nueva película animada que Sony produce en torno a la franquicia Spider-man, que finalmente será "Spider-man: Into the Spider-verse" ("Spider-man: Un Nuevo Universo" en la versión en español). El largometraje estará protagonizado por el joven de Brooklyn Miles Morales, correspondiente a la versión Ultimate del héroe arácnido, y caracterizado entre otras cosas por ser un personaje de color. Además, según se desprende del título, la película quiere presentar las posibilidades infinitas del universo arácnido, donde varios pueden ser portadores de la máscara de Spider-man.
En el casting de la versión original participan Liev Schreiber y Mahershala Ali, y el protagonista, Miles Morales, tendrá la voz de Shameik Moore (The Get Down).
La película parte de una idea original del dúo Lord-Miller y sigue un guión de Phil Lord, pero estará dirigida por Bob Persichetti (guionista jefe de "El Gato con Botas" y "El Principito"), Peter Ramsey (El Origen de los Guardianes) y Rodney Rothman. Avi Arad (Iron-Man, Spider-man), Amy Pascal (Spider-man: Homecoming), Phil Lord y Christopher Miller están en la producción ejecutiva; y Christina Steinberg (Trollhunters) en la producción.
El estreno se espera para el 21 de diciembre de 2018.
A continuación podéis ver el primer teaser trailer:


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Los proyectos de futuro de Sony Pictures Animation (19 de enero 2017)

viernes, 8 de diciembre de 2017

Se entregaron los primeros European Animation Émile Awards

Hoy se ha celebrado en Lille la primera ceremonia de entrega de los European Animation Émile Awards, creados con el objetivo de recompensar a la industria de la animación y convertirse en el evento de honor de la animación europea en 40 países, de forma similar a los famosos Annie Awards. Las producciones con más nominaciones fueron las procedentes de Francia y el Reino Unido, mientras España sólo vio nominada una producción para dos categorías de premios: "Psiconautas - Los Niños Olvidados", de Alberto Vázquez y Pedro Rivero; aunque finalmente la producción española no ha recibido ningún galardón.
"Mi Vida de Calabacín" de Claude Barras, "La Tortuga Roja" de Michael Dudok de Wit y "Cuentos Revueltos" de Jakob Schuh y Jan Lachauer han sido las producciones más afortunadas en un palmarés de premios que, en cuanto a largometrajes, ha quedado como sigue:
Mejor Largometraje: "Mi Vida de Calabacín" de Claude Barras (Suiza/Francia)
Mejor Guión:  "Mi Vida de Calabacín"
Mejor Storyboard: "La Tortuga Roja" de Michael Dudok de Wit (Francia/Bélgica/Japón).
Mejor Animación de Personajes: "La Tortuga Roja" de Michael Dudok de Wit.
Mejores fondos y diseño de personajes: "El Largo Viaje de Sasha al Polo Norte" de Rémy Chayé (Francia/Dinamarca).
Mejor Banda Sonora: "Mi Vida de Calabacín"


En cuanto a producciones de televisión, los premiados han sido los siguientes:
Mejor producción de TV: "Revolting Rhymes" de Jakob Schuh y Jan Lachauer (Reino Unido)
Mejor guión: "El Increíble Mundo de Gumball" (Reino Unido)
Mejor Storyboard: "La Oveja Shaun" de Will Becher (Reino Unido)
Mejor Animación de Personajes: "Revolting Rhymes"
Mejores Fondos y Diseño de Personajes: "Ernest et Célestine" de Jean-Christophe Roger y Julien Cheng (Francia/Bélgica/Luxemburgo)
Mejor Banda Sonora: "Lastman" de Jérémie Perrin (Francia)


Los premiados en las restantes categorías han sido los siguientes:
Mejor Cortometraje:  "Min Börda" de Niki Lindroth von Bahr (Suecia)
Mejores Fondos y Diseño de Personajes de Cortometraje: "Peripheria" de David Coquard-Dassault (Francia)
Mejor Película de encargo: "The Last Job on Earth" de Moth Studio (Reino Unido)
Mejor Película de Estudiante: "Merlot" de Marta Gennari y Giulia Martinelli (Italia)

Finalmente, el Premio Lotte Reiniger a la trayectoria profesional ha distinguido la carrera de Richard Williams, reconociendo su contribución al arte de la animación. El animador canadiense es conocido por haber trabajado como director de animación en las películas "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" (1988) y "The Thief and the Cobbler" (1993) y por ser el autor de un libro de referencia para muchos animadores: "The Animator's Survival Kit" (2002).

jueves, 7 de diciembre de 2017

Nada cambia para la animación en los premios españoles de cine

Hoy se han conocido las películas finalistas para la 23ª edición de los Premios Cinematográficos José María Forqué, que organiza la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales EGEDA y cuya gala se celebrará el próximo 13 de enero en Zaragoza, y hace unos días se anunciaban los nominados a los Premios Feroz 2018, que entregará la Asociación de Informadores Cinematográficos de España el lunes 22 de enero del próximo año en Madrid. Y un año más las producciones españolas de animación no han podido acceder a la lista de los trabajos que pueden optar al premio a mejor película, al tener que competir en igualdad de condiciones con los largometrajes de imagen real. Es la constatación, un año más, de que un gran número de críticos e informadores cinematográficos del Estado siguen considerando a la animación como "un género" menor, y de que aún hoy son incapaces de reservar a las producciones de animación españolas una categoría de premios que sepa reconocer las especifidades propias de las mismas, mientras que sí hacen lo propio con el documental.
El caso más evidente es el de los premios Feroz, que nunca han tenido una consideración específica hacia el cine de animación y las hace competir en la categoría de películas de comedia, con lo que ya no sólo se desconocen las peculiaridades de la producción de animación sino que incluso se ignora el hecho de que la animación es capaz de plasmar tanto la comedia como el drama o cualquier otro género del cine. Es más, ni tan solo contempla en la categoría todas las películas de animación producidas en España, puesto que para la próxima edición únicamente "Tadeo Jones 2: El Secreto del Rey Midas" resultó incluida dentro de la lista de las elegibles. Resulta por otra parte revelador que se prevea una categoría específica de premio al Mejor Documental que incluye largometrajes, cortometrajes y series, mientras que esta posibilidad se le niega al cine de animación, que en producción de cortometrajes y series innegablemente es capaz de aportar multitud de títulos que podrían competir en una categoría propia.
En el caso de los Premios Forqué, que desde la edición de 2003 hasta la del 2015 contemplaron una categoría especial compartida de los largometrajes documentales y las películas de animación, sucede que desde hace dos años éstas se toman en consideración junto a todos los largometrajes de ficción, mientras que sí se continúa respetando la especifidad de los documentales, que tienen reconocida una categoría en solitario. Igualmente existe una categoría de premios al cortometraje en la que se da cabida a los cortometrajes de animación junto a los de imagen real, pero la concurrencia de los primeros es claramente poco significativa en relación a los segundos y no refleja el número real de producciones de animación en formato corto que anualmente se crean en el país, del mismo modo que no se juzgan ni se tienen en cuenta las especifidades que distinguen la animación de la imagen real. Por otra parte, hace dos años se introdujo en los premios Forqué la categoría "Premio al Cine y Educación en Valores", que otorgan conjuntamente los productores audiovisuales y la Fundación de Ayuda a la Drogadicción con el objetivo de reconocer las cualidades de un filme como recurso educativo para trabajar valores en niños y adolescentes, y que para la próxima edición permitirá tomar en consideración una única película de animación - el largometraje "Deep" - junto a otras dos de imagen real; de nuevo, la categoría no sirve para reconocer los particulares esfuerzos que conlleva sacar adelante una pieza de animación, ni tiene en cuenta los otros largometrajes de animación que se han producido en el país.


Otras organizaciones, más allá de la Academia del Cine con los Goya, ya han demostrado hace tiempo su recocimiento a las especiales características de las producciones animadas, como los Premis Gaudí de la Acadèmia del Cinema Català o el Círculo de Escritores Cinematográficos con sus Medallas CEC.
Sólo cabe desear un año más que sean todos los certámenes de premios cinematográficos los que de una vez sepan reconocer que el cine de animación es una forma de expresión cinematográfica que tiene sustanciales diferencias respecto del cine de imagen real que justificarían como mínimo una categoría de premios propia: no se trata sólo de que las necesidades y los tiempos de producción sean completamente diferentes, por lo general, frente a los requeridos por el cine estrictamente actoral, sino que tras las películas de animación existe un trabajo, de diseñadores de personajes, fondistas, animadores, etc.. que no tiene parangón en el cine de imagen real, y que se ve totalmente ignorado haciendo competir el cine de animación directamente con aquél.

Navidad con los cuentos de Julia Donaldson

Rita & Luca Films estrena el 7 de diciembre una doble propuesta navideña de cine familiar alternativo y de calidad que incluye dos historias basadas en best-sellers de la autora Julia Donaldson, referente de la literatura infantil moderna y creadora de "El Grúfalo". "La Navidad del Hombre Rama" y "La Escoba Voladora" son dos aventuras mágicas en 3D, pensadas especialmente para niños y niñas entre 3 y 6 años, llenas de ternura y valores, y que han entusiasmado al público europeo por su calidad técnica y artística. No en vano ambas son producciones de la compañía germano-británica Magic Light Pictures, responsable de llevar al cine "El Grúfalo", otro título de Julia Donaldson, o los "Cuentos Revueltos" de Roald Dahl, una producción por la que están obteniendo multitud de reconocimientos y que se pudo disfrutar recientemente en el certamen El Meu Primer Festival.


Dirigida por Jeroen Jaspaert y Daniel Snaddon en 2015, "La Navidad del Hombre Rama" (Stickman) es una producción de media hora de duración que desarrolla una aventura épica de un bastoncillo viviente que habita el tronco de un gran roble de un parque infantil con su señora Ramita y sus tres hijos, hasta que un día que sale fuera de su árbol una serie de percances le conducen muy lejos de su hogar, lo que da inicio a una odisea para tratar de volver con su familia a tiempo para Navidad.
La versión original contó con las voces de Martin Freeman como Hombre Rama, Hugh Bonneville como Santa, Rob Brydon, Sally Hawkins, Jennifer Saunders y Russell Tovey. Estrenada en la BBC se convirtió en el cuarto programa más visto del día de Navidad, con más de 9 millones de espectadores y un share del 41%.
Los espectadores encontrarán en esta película de aventuras una historia vibrante que pone en valor la calidez de los lazos familiares y la importancia de ayudar siempre al prójimo. El Señor Rama mostrará con su inagotable tesón y determinación lo importante que es para él volver con los suyos, al tiempo que las situaciones por las que pasa demuestran que es un ser querido por todos aquéllos que han recibido alguna vez su ayuda o su amabilidad, gestos que siempre acaban teniendo un retorno.
La propuesta se enmarca de nuevo en la línea de las deliciosas producciones que la distribuidora Rita & Luca Films selecciona para los más pequeños, caracterizadas por ofrecer miradas a un cine alejado de las propuestas eminentemente comerciales, y en el que destaca el cuidado trabajo de autor y una narrativa especialmente pensada para el joven espectador.


"La Escoba Voladora" (Room on the Broom) es una producción de 2012 dirigida por Max Lang y Jan Lachauer donde una bruja muy simpática permite, muy a pesar de su gato, que un perro, un pájaro y una rana que la ayudaron a recuperar algunos objetos, monten en su escoba, haciéndola demasiado pesada para volar. Pronto se encontrarán perseguidos por el malvado dragón que intentará por todos los medios comerse a la buena bruja.
Nominada a los Oscar, se trata de una aventura de 25 minutos cuya versión original contó con las voces de Gillian Anderson (Bruja), Rob Brydon (Gato), Martin Clunes (Perro), Sally Hawkins (Pájaro), Simon Pegg (Narrador), Timothy Spall (Dragón) y David Walliams (Rana).
La alegre música y el tono divertido de la película la convierten en una alternativa muy indicada para los niños y niñas durante estas fiestas, que encontrarán en ella una aventura excitante que les hará pensar sobre los beneficios de la generosidad y del trabajo en equipo.


La película se podrá ver en castellano y en catalán en las siguientes salas:

  • Verdi Madrid
  • Verdi Park Barcelona
  • Zumzeig Cinema Barcelona 
  • Cinemes Girona Barcelona 
  • Rambla de l’Art Cambrils
  •  Jca Cinemes Alpicat 
  • Jca Cinemes Valls




El regreso de Gnomeo y Julieta

Los adorables gnomos de jardín de "Gnomeo y Julieta" regresan en primavera del año que viene para vivir una nueva aventura en Londres. Gnomeo y Julieta acaban de llegar a la ciudad con sus amigos y familiares, y su principal preocupación consiste en preparar su nuevo jardín para la primavera. No obstante, no tardan en descubrir que alguien está secuestrando gnomos de jardín por todo Londres. Cuando Gnomeo y Julieta vuelven a su jardín y descubren que todo el mundo ha desaparecido, solo hay un gnomo al que pueden recurrir... Sherlock Gnomes, el famoso detective y protector de los gnomos de jardín de Londres, se presenta junto a su acompañante Watson para investigar el caso. El misterio arrastrará a nuestros gnomos a una divertidísima aventura en la que conocerán nuevas figuras ornamentales y explorarán el lado desconocido de la ciudad.


Ya está disponible el póster definitivo de “SHERLOCK GNOMES”, película de animación producida por Sir Elton John, Steve Hamilton Shaw, David Furnish y Carolyn Soper. La secuela de "Gnomeo y Julieta" está dirigida por John Stevenson (Director de “Kung Fu Panda”), a partir de un guión de Ben Zazove que desarrolla una historia de Andy Riley, Kevin Cecil y Emily Dee Cook y Kathy Greenberg basada en los personajes de Rob Sprackling, John Smith, Andy Riley y Kevin Cecil, Kelly Asbury y Steve Hamilton Shaw.
La animación va a estar desarrollada principalmente por la compañía Mikros Image (Astérix: La Residencia de los Dioses), que trabaja desde sus instalaciones en París y su pequeña división en Londres para dar vida a los bajitos personajes de la película, la cual cuenta con Eric Leighton en la dirección de animación, y también con Karen de Jong como diseñadora de producción y Freddy Chaleur como supervisor de VFX.
Las voces en la versión original corren a cargo de James McAvoy (Gnomeo), Emily Blunt (Julieta), Chiwetel Ejiofor (Watson), Maggie Smith, Michael Caine, Ashley Jensen, Matt Lucas, Stephen Merchant, Mary J. Blige y Johnny Depp (Sherlock Gnomes).



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Cinco películas animadas de Paramount hasta el 2020 (9 de mayo 2017)
Gnomeo y Julieta tendrá secuela (9 de noviembre 2015)

martes, 5 de diciembre de 2017

Los Premios Quirino lanzan el Foro de Coproducción y amplían la convocatoria de obras terminadas

La organización de los Premios Quirino de la Animación Iberoamericana anunció el pasado jueves la ampliación del plazo de inscripciones a obras finalizadas; y la apertura de la convocatoria al Foro de Coproducción. Ambos eventos se realizarán los días 6 y 7 de abril en el Auditorio de Santa Cruz de Tenerife (España).


El anuncio se realizó en el marco de la presentación de los Premios Quirino en Ventana Sur 2017, que se celebró en Buenos Aires entre el 27 de noviembre y el 1 de diciembre. La presentación estuvo a cargo de José Luis Farias, promotor de la iniciativa; Gerardo Michelin, responsable de prensa; Marta Machado, embajadora de los Premios en Brasil; José Iñesta, embajador en México; Paul Vaca, responsable de relaciones internacionales y Silvina Cornillon, embajadora para Latinoamérica.
Hasta el 14 de diciembre, el evento recibe trabajos animados de los 23 países de la región que hayan sido estrenados entre el 1 de enero de 2016 y el 31 de diciembre de 2017. La convocatoria contempla nueve categorías: largometraje, serie, cortometraje, cortometraje de escuela, obra innovadora, obra de encargo, desarrollo visual, diseño de animación y diseño de sonido. Las bases para participar están disponibles en la web de los Premios Quirino.
En paralelo a los premios, la organización anunció la próxima apertura de la convocatoria del Foro de Coproducción Iberoamérica/Mundo. A partir del 15 de diciembre, empresas de animación iberoamericanas podrán postularse a la actividad, que se realizará los días 6 y 7 de abril en el Auditorio de la ciudad isleña. El programa contará con reuniones one to one, mesas de trabajo y diversas conferencias con el objetivo de generar un punto de encuentro para productoras de animación iberoamericanas. “No solo queremos hablar de proyectos, sino también de las propias productoras, porque muchas veces para poder trabajar juntos es importante no solo conocer los proyectos, sino también conocer cómo trabaja cada productora”, apuntó José Luis Farias.
El brasileño “A arca de Noé” es uno de los primeros proyectos que ha confirmado su participación en el Foro tras haber recibido el Premio Quirino otorgado por la organización del evento en Ventana Sur Animation! Con producción de Gullane (“Uma historia de amor e furia”), Videofilmes y Globo Filmes, esta comedia familiar en 3D contará con la dirección de Sérgio Machado y ha sido escogida por el jurado de Animation! por “la originalidad de la propuesta, el encanto de los personajes y el excelente pitch realizado”.
Con el reto de generar un espacio para el debate y la reflexión sobre la animación, los Premios Quirino organizarán además el Congreso Internacional de la Animación Iberoamericana, que se desarrollará en simultáneo al Foro y en la misma sede. La convocatoria a propuestas está abierta hasta el 24 de enero y las bases están disponibles en la web del Congreso. “Tenemos que reflexionar sobre lo que estamos produciendo, sobre las formas y el negocio que estamos desarrollando; y el universo académico es el lugar perfecto para hacerlo”, reflexionó Marta Machado.

Colaborar para desarrollar una identidad propia
Los Premios Quirino llegan en un momento de efervescencia de la animación iberoamericana. En la actualidad, según refirió Gerardo Michelin, solo en Latinoamérica se desarrollan en torno a un centenar de largometrajes, de los cuales 25 son brasileños.
En este contexto, el evento tiene el desafío de impulsar la colaboración para construir una identidad propia, según explicaron los promotores. “La animación es un lenguaje en el que nos vemos reflejados universalmente, es importante que la comunidad se reúna en torno a estos premios para empezar a hacer contenidos hechos por nosotros y para nosotros que puedan exportarse al mundo”, señaló José Iñesta.
“El Foro nos da posibilidad de empezar a conocernos y hacer alianzas para desarrollar cosas juntos. Estamos haciendo muchos esfuerzos separados, tenemos que juntarnos y, tal vez, hacer menos proyectos con mayor potencial y calidad”, sostuvo Machado. En este sentido, Silvina Cornillon destacó el viento a favor para la colaboración. “Este gran potencial creativo también viene acompañando de un cambio de paradigma: nos estamos encontrando con profesionales que no tienen miedo para asociarse entre sí y que están entendiendo que en la unión se hace la fuerza”.
Por su parte, Paul Vaca resaltó el potencial de los Quirino para ampliar la circulación de la animación iberoamericana, “va a permitir que muchas obras que tal vez no son conocidas puedan visibilizarse, no solo las grandes sino también los cortometrajes y los cortos de escuela”, afirmó.

Premios Quirino de la Animación Iberoamericana
Los premios toman el nombre en homenaje al creador del primer largometraje de animación de la historia, el italo-argentino Quirino Cristiani, que en 1917 dirigió “El Apóstol”; una producción argentina en la que se utilizaron 58.000 dibujos hechos a manos y rodados en 35 mm, además de varias maquetas que representaban edificios públicos y las calles de la ciudad de Buenos Aires.
Los Premios Quirino cuentan con el patrocinio principal de Turismo de Tenerife reflejando la apuesta decidida que se está haciendo por la animación desde hace años en la isla, no sólo con estos premios sino con la presencia en los principales eventos y mercados, atrayendo nuevas empresas, así como con el apoyo al floreciente sector local.
A su vez cuenta la colaboración del Auditorio de Tenerife Adán Martín así como de algunos de los principales eventos iberoamericanos de animación, como el mexicano Pixelatl Festival de Animación, Videojuegos y Cómics de Cuernavaca y el español 3D Wire, Mercado Internacional de Animación, Videojuegos y New Media; entre otros.

Más información y enlaces de interés
Web: https://premiosquirino.org
Bases Premios: https://premiosquirino.org/#participa
Bases Congreso: https://premiosquirino.org/congreso

Entradas relacionadas:
Abierta la convocatoria para los Premios Quirino de la Animación Iberoamericana (8 de noviembre 2017)
Tenerife acogerá la 1ª edición de los Premios Quirino (4 de julio 2017)

Entrevista a los animadores de "El Bosque de Haquivaqui"

"El Bosque de Haquivaqui" de Rasmus A. Sivertsen fue uno de los preestrenos destacados del certamen El Meu Primer Festival - Mi Primer Festival que se celebró recientemente en Barcelona y en Madrid, y que se extenderá a otras ciudades. Precisamente se alzó con el reconocimiento al Mejor Largometraje del certamen, donde pudimos entrevistar al director de animación de la película, Todor Iliev, que acudió para compartir con el público los secretos de la factura de la película.
Asimismo la distribuidora de la película en España, Pack Màgic, nos ofreció la posibilidad de entrevistar al animador César Díaz Meléndez, uno de los artistas españoles que estuvieron trabajando en la producción del largometraje, por lo que contamos con el lujo de poder compartir la visión sobre el mismo que hacen dos de los responsables de su animación. En todo caso, a efectos de no perder ningún aspecto de las entrevistas, se ha preferido conservar íntegro el contenido de ambas conversaciones y ofrecérloslas separadamente, puesto que mezclarlas podría haber obligado a eliminar algún detalle a efectos de asegurar un cuerpo unitario del discurso. Así pues, podéis encontrar a continuación la entrevista al director de animación Todor Iliev, y seguidamente las impresiones del gran animador español César Díaz Meléndez.



El artista búlgaro Todor Iliev ha liderado la animación de numerosas películas de animación en stop motion antes de participar como director de animación en "El Bosque de Haquivaqui", como "La máquina voladora" de Breakthru Films; "¡Piratas!", de los estudios Aardman; "Los Boxtrolls" de los estudios Laika; y "La Navidad de Solan y Ludwig" y "Solan & Ludwig – La gran carrera del queso", con los estudios Qvisten.

¿Cuál ha sido a grandes líneas tu cometido como director de animación?
Principalmente estar muy presente en varios estadios de la película desde el momento mismo de la preproducción, viendo cómo el diseño de los personajes y la construcción de los puppets y de los esqueletos podría afectar a la película o adecuarse mejor a nuestras necesidades (aunque muchos aspectos venían ya muy bien resueltos por la compañía que nos fabricó los muñecos). También por supuesto estar permanentemente en contacto con el director para ver cuáles son las ideas que él tiene sobre la película: específicamente, dado que se trata de una película familiar muy dirigida al público infantil, quisimos dar a los personajes un aspecto y una animación un poco 'cartoonianos', al estilo de Mickey o de Goofy de Disney, pero con el reto de que los puppets de la animación stop motion son más rígidos, debido a su propia estructura, que los personajes de los dibujos animados en 2D, a los que se les puede exigir toda la elasticidad que requiere el efecto squash-stretch u otros efectos típicos de la animación tradicional, por lo que tuvimos que concentrarnos en conseguir el aspecto cartoon mediante la actuación de los personajes.
Y finalmente seguir las animaciones que realizaban los animadores, asignarles los planos, transmitirles cuál era la visión del director, supervisar sus animaciones y motivarles.


¿Qué planos os plantearon mayores dificultades?
Planteaba un reto conseguir un equilibrio entre lo realista y lo 'cartooniano', porque tampoco queríamos una animación extremadamente 'cartoon', del tipo de la de Aardman. Y de hecho, algunos animadores, a la hora de plantearse los planos, venían con la experiencia de algunas de las poses típicas de Aardman, y nos sabía mal tenerles que decir que no, que no era realmente eso lo que queríamos.

A diferencia de otras producciones de animación donde se trabaja con personajes antropomórficos donde todos guardan la misma escala, en la película encontramos personajes de distinto tamaño, que van desde el alce o los osos hasta los pequeños ratoncillos. ¿Qué supuso este aspecto de la película?
Sí, efectivamente. Queríamos mantener las proporciones que los personajes tienen en los cuentos en los que se inspira la película y en cierto modo su realismo. Los diferentes tamaños son importantes al fin y al cabo para la historia, tanto para subrayar la amenaza que los depredadores pueden suponer para las presas como para poner de manifiesto las ventajas del pequeño tamaño de los ratones.
El caso es que no es fácil en animación stop motion trabajar con puppets de gran tamaño. De un lado sus articulaciones tienen que ir más reforzadas, y ello supone una dificultad más para superar su rigidez y obtener todas las posiciones que quieres para tu animación. Igualmente también afecta al nivel de la expresividad que se puede conseguir en los rostros de los personajes. Y también supone dificultades para la planificación del plano.

¿Cómo os afectó trabajar con un presupuesto limitado desde el punto de vista de la animación y la dirección de animación?
La mayor diferencia respecto de producciones con un presupuesto más abultado reside en el tiempo que efectivamente se puede dedicar a animar y afinar cada plano. Al tener que producir más rápido y en plazos más breves, se puede dedicar menos tiempo a preparar la animación mediante blockings por ejemplo, o a corregir o mejorar los planos una vez animados. Piensa que en Laika la producción de animación ronda un segundo por día, o incluso menos, mientras que en nuestro caso el objetivo era producir tres segundos de animación por día, y con un equipo más pequeño.

¿Cómo enfocásteis la interacción con el bosque en el que se mueven los personajes? En este sentido, el bosque aparece en muchas ocasiones más como un fondo que como un entorno que realmente reaccione al paso de sus habitantes.
De un lado las limitaciones presupuestarias no nos permitían hacer grandes filigranas con los fondos del bosque. De otro lado, el animador de stop motion prefiere que haya cuantas menos cosas por medio mejor a la hora de animar, porque cualquier añadido que pueda interferir con el personaje o personajes a animar es una complejidad más que hace más difícil y más cara la animación.
Además los planos se desarrollaron por capas que posteriormente se ensamblaban en postproducción, de manera que muchos de los elementos de los fondos, aún siendo físicamente reales porque se construyeron efectivamente para la película, no estaban realmente allí en el momento de animar al personaje en el plano, y en su lugar se utilizaba croma, para que hubiera el menor número de interferencias posible.

En la producción trabajaron varios artistas españoles, entre los cuales los animadores Marcos Valín y César Díaz Meléndez. ¿Cómo fue trabajar con ellos?
Sí, ha sido fantástico contar con todos ellos, y un lujo en el caso de Marcos y César, porque son animadores de primera línea. César es un animador al que prácticamente no le tienes que decir nada porque tiene clarísimo lo que tiene que hacer y cómo debe hacerlo y lo hace con una fluidez muy tranquilizadora.
Aunque el clima de Noruega es duro para un animador mediterráneo, ellos se encontraron bien y se integraron perfectamente. Les atrae la animación que se está haciendo en Noruega, aunque obviamente a todos les gustaría estar donde hay grandes nombres como en el caso de Wes Anderson. Y también se encuentran con una jornada laboral muy atractiva, de siete horas y media al día que no pueden excederse legalmente, con lo cual todos tenemos nuestro tiempo para hacer nuestras vidas, pensar, pasear o estar con la familia...

¿Cómo valoras la recepción de la película?
Realmente podemos estar muy contentos. La película obtuvo muy buena acogida en Noruega: conseguir alrededor de 500.000 espectadores en un país con una población de algo más de 5 millones de personas es un éxito. Y también hemos tenido un buen recorrido en Dinamarca, Finlandia y Suecia, donde la película gozó de una buena campaña de marketing y la distribución estuvo apoyada por el Nordisk Film & TV Fond. Afortunadamente las producciones del país pueden contar con ayudas que pueden cubrir hasta el 50% de los costes de producción y que se mantienen siempre que se demuestre que la película tiene un sentido y que ha ido bien o que puede tener una buena recepción.

"El Bosque de Haquivaqui" supone tu tercera participación en una película encabezada por Rasmus A. Sivertsen. ¿Prevés continuar ligado a los estudios Qvisten?
Realmente no existe una vinculación con el estudio, en la medida en que no existe un contrato fijo con la compañía, sino que se funciona en base a contratos de obra que duran lo que dura la producción. En todo caso, sí que es cierto que me encuentro a gusto trabajando con Rasmus Sivertsen. Ya trabajé en sus dos películas anteriores, y me gustaría que volviera a contar conmigo.



El animador español César Díaz Meléndez acumula una larga experiencia animando planos en stop motion en producciones de todo tipo, incluyendo películas muy conocidas de destacados estudios y directores.

Tu dilatada trayectoria profesional te ha permitido trabajar en multitud de proyectos distintos con directores y estudios muy diferentes entre sí. ¿Qué experiencias resaltarías de tus películas más emblemáticas, como "O Apostolo", "Frankenweenie", "Paranorman", "Anomalisa", "Ma Vie de Courgette", y la reciente "Isle of Dogs"?
"O Apostolo" fue mi despegue y el de muchos otros en el mundo de la animación stopmotion. Allí empecé casi desde cero a animar con muñecos. Gracias a todos los profesionales que fueron a Galicia a participar en la película y de los que tanto aprendimos.
En "Frankenweenie" fue un salto enorme el trabajar con Tim Burton, sin tener aún demasiada experiencia en este mundo. Y además del reto de conseguir un enorme nivel de calidad en la animación estaba el del idioma y el trabajar fuera de tu país. Allí descubrí que normalmente trabajas día a día con un director de animación, pero al director real se le ve poco por el estudio. Lo mismo pasó con Charlie Kaufman en "Anomalisa" o Wes Anderson en "Isle of Dogs". Aunque por supuesto son los que mandan, en la sombra. En este tipo de producción había un equipo de unas 200 personas. Con unos 18 animadores trabajando a la vez.
"Paranorman" fue para mi la experiencia más dura, en cuanto al nivel de animación que se exige en los estudios de Laika. Todo tiene que ser perfecto y como sabréis, a veces no se distingue si es stop motion o 3D. Es su sello. Pero el resultado es increíble y todo un reto. Merece la pena el esfuerzo.
En "Anomalisa" fue una sorpresa encontrarme con unos muñecos y un estilo de animación tan hiperrealista. Lo complicado fue animarlos como si fueran personas reales pero con un esqueleto casi todo de alambre donde movimientos mínimos eran realmente difíciles . Aunque lo parezca no hay nada de rotoscopia. Me gustó ver como la película, independiente y de bajo presupuesto, al menos al comienzo, junto al equipo y el estudio, se fue haciendo más y más grande durante el rodaje que duró unos 18 meses, hasta llegar a los Oscar y convertirse en una de las peliculas del año.
En "Ma vie de Courgette" ocurrió algo parecido al año siguiente. Lo mejor fue la conexión y complicidad entre todo el equipo. Las ganas, el empeño y la apuesta por una historia sencilla y de bajo presupuesto que nos cautivó a todos y donde se trabajó muy duro. Fue increíble ver el resultado final y la buena acogida que tuvo tras su estreno. Recuerdo que al conocer los muñecos, coloridos y cabezones, pensé que sería un estilo de animación cartoon, pero no. Otra vez realista!
En "Isle of Dogs" de Wes Anderson ha sido una experiencia alucinante también. Cada rodaje es totalmente diferente aunque muchos ya nos conozcamos, porque el mundo del stop motion no es muy amplio. Aunque no puedo hablar mucho sobre esto hasta su estreno en marzo, destacaría la forma de trabajar con el director, con el que tenemos un contacto diario aunque no esté físicamente en el estudio y cómo controla absolutamente cada pequeño detalle sobre muñecos, decorados, iluminación o animación, durante todo el rodaje.

Ya trabajaste con Rasmus A. Sivertsen en "Solan and Ludvig" y has repetido con "El Bosque de Haquivaqui" ¿qué es lo que te atrae de sus películas y qué te atrajo en concreto de esta?
La verdad es que la primera vez que trabajé con ellos me atrajo la idea de un proyecto de stop motion en Noruega, con unos personajes, allí míticos desde que protagonizaran la película de animación Grand Prix de los años 70, en un estudio y con un equipo pequeños, en un entorno alucinante. Luego descubrí la calidad de sus proyectos y lo que se puede hacer con un presupuesto ajustado, comparado con grandes producciones y de las que no tienen mucho que envidiar.
Lo que más me atrae es la sencillez de sus películas, la libertad creativa, y el poder conocer parte de su cultura reflejada en sus largometrajes. Que aunque están más orientados al público escandinavo, funcionan perfectamente en cualquier parte.
De Haquivaqui me atrajo que fuera algo diferente a lo que venía haciendo. Un musical, infantil, un estilo mas cartoon… Y sabía que el resultado final iba a ser bonito y divertido, conociendo sus trabajos anteriores y a un equipo de personas encantadoras.
Antes de empezar el rodaje, nos llevaron al teatro a ver la obra en la que está basada la película. Un cuento muy popular que conocen muchas generaciones desde hace 50 años.

¿Cómo determina tu trabajo una película de presupuesto ajustado como "El Bosque de Haquivaqui"?
Creo que después de participar en producciones como Haquivaqui valoro más el trabajar en proyectos más pequeños y personales. Es todo más humano y familiar, donde me siento mas involucrado. También se cuida mucho el detalle y la calidad pero se nota un amor y un cuidado especial en la pelicula, que en otras mas grandes parece algo mas mecánico o sin alma.

Todor Iliev define tu participación en la película como un lujo; según él no había que decirte prácticamente nada porque sabías perfectamente lo que había que hacer. ¿Cómo fue trabajar con Todor?
¡Qué halagador Todor! Lo conocí hace unos años en Polonia, trabajando como animador en el largometraje "The flying machine" y más tarde coincidimos animando en "Solan and Ludvig". Así que ya teníamos algo de confianza. Me gustó mucho que me diera bastante libertad a la hora de interpretar con los muñecos. Sin desviarme mucho de la personalidad de cada personaje, por supuesto. Pero también él sabía transmitir lo que quería en cada plano y lo que había que mejorar o corregir. Fue muy fácil trabajar con él.

Según Todor, uno de los aspectos destacados de la animación fue que se quiso dar a la actuación de los personajes un aire 'cartooniano'. Teniendo en cuenta que tus inicios te sitúan en la animación 2D, ¿te ayudó ello a conseguir ese aspecto de la animación?
La verdad es que el 2D lo tengo un poco olvidado, sólo lo utilizo cuando animo con arena. Y realmente me costó cambiar el chip y animar un estilo más cartoon, sobretodo porque en los últimos años, en todos los proyectos en que he trabajado se exigía un estilo de animación muy realista y con movimientos muy contenidos. Además en stop motion no siempre funciona todo lo que se aplica en 2D, como deformaciones, filajes, etc...a no ser que se prepare previamente, modificando los muñecos, que no son de plastilina, sino de látex con esqueletos de aluminio. Pero creo que se consiguió plasmar un estilo más exagerado y cartoon a pesar de las limitaciones.

Otro de los aspectos de la película fue trabajar con personajes con tamaños distintos entre sí, ¿qué supuso para ti?
Pues también fue un reto animar algunos personajes que eran bastante grandes y pesados. Alguno casi como un bebé humano; como los osos o los granjeros. Solo hacerlos caminar era una odisea cuando se sostenían con un solo pie. Y en contraste, los personajes muy pequeños como las ardillas, eran frágiles y con partes de su esqueleto de alambre, pero más manejables. Fue muy divertido. Algunos decorados eran enormes, a escala con los muñecos, una obra de arte.

Me imagino que trabajaste animando a varios de los personajes ¿con cuál de ellos disfrutaste más animando?
Sí, todos los animadores (éramos unos 7), trabajabamos con todos los personajes. Con el que más disfruté fue con el zorro. Por el carácter del personaje: era más expresivo y daba más juego que otros; y estaba muy bien construido, con el tamaño perfecto y muy manejable. Todas las caras de los muñecos llevan un sistema interno de alambres para poder animar los labios,cejas, mejillas, y en el zorro y ratones era perfecto. En otros como en los osos era más limitado y complicado conseguir algunas expresiones..


¿Qué plano te planteó mayores retos?
Sobre todo animar a los humanos, por su tamaño, y al perro, porque siempre es más complicado animar animales a cuatro patas o planos con muchos personajes a la vez. También algunas de las secuencias musicales donde bailan pues hay que sincronizar bien los movimientos con el ritmo de la música y las bocas con los diálogos.

En la película participaron varios artistas españoles además de ti ¿qué destacarías de ellos?
Destacaría que todos tienen muchísimo talento,cada uno en su campo. Marcos Valín y Carla Pereira como animadores, Sonia Iglesias y Oscar Rodriguez en la construcción de muñecos o Hugo Vieites y Angel Alansbury en la producción. Siempre mantuvimos mucha comunicación para mejorar aspectos de la animación o solucionar cualquier problema en los muñecos o con los decorados.
Ya hemos coincidido en varios proyectos junto con otros de la gran familia viajera del stop motion y sé que nos aprecian y que siempre damos un toque especial en cada película en la que nos involucran. Dentro y fuera del rodaje.

¿Hay alguien con quien no hayas trabajado todavía y con quien te gustaría hacerlo?
Pues me gustaría probar en Aardman porque, además de que sus cortos y películas fueron en parte lo que me animó a pasarme del 2D al stop motion, también he oído que hay muy buen ambiente de trabajo. Y me encantaría probar con su estilo de animación, mas cartoon y frenético. Aunque en realidad ahora mismo me atraen más los proyectos independientes y pequeños.

¿En qué proyecto andas metido ahora?
Estoy en un proyecto propio. Es un cortometraje de animación stop motion al aire libre. Rodado en el pueblo de mi abuela, en entornos naturales de Soria, animando un muñeco de arcilla y plastilina, interactuando con piedras, ramas, y todos los elementos que se encuentran en el campo. Un experimento de unos 9 minutos que me ha llevado casi 6 meses de rodaje, en solitario. Toda una aventura que he disfrutado mucho ¡pero donde también he sufrido de todo! Mucho calor, frío, lesiones y dolores, bichos..y la pena es el material de rodaje y transporte: Bicicleta, cámara, ordenador, tripode... ha quedado prácticamente para tirar. ¡Ha sido animación extrema!
Ahora estoy en proceso de edición y pensando en la música. Para el año que viene estará listo.


Por supuesto desde LOS DEL SOTANO estaremos esperando ver los resultados de ese proyecto en cuanto sea posible. Muchas gracias a ambos artistas por su disponibilidad.

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El Bosque de Haquivaqui (22 de noviembre 2017)

"Coco" de Pixar encabeza las nominaciones a los Annie

Ayer por la tarde se dieron a conocer las nominaciones a los premios Annie de la International Animated Film Society (ASIFA-Hollywood), que sitúan a "Coco" de Pixar como el largometraje con más nominaciones, en número de 13, seguida por la producción independiente "The Breadwinner", de Cartoon Saloon, con 10, y a más distancia por "El Bebé Jefazo" de Dreamworks Animation, con 6 nominaciones.


En materia de largometrajes, incluyendo la categoría de películas independientes(*), la clasificación en cuanto a número de nominaciones obtenidas queda configurada del siguiente modo:
  • Coco, de Pixar Animation Studios - 13 nominaciones, entre las cuales Mejor Largometraje de Animación, Mejor Dirección, Mejor Guión, 2 a Mejor Animación de Personajes y Mejor Diseño de Personajes.
  • *The Breadwinner, de Cartoon Saloon, Aircraft Pictures y Melusine Productions - 10 nominaciones, incluyendo las de Mejor Largometraje de Animación Independiente, Mejor Dirección, Mejor Guión y Mejor Diseño de Personajes.
  • El Bebé Jefazo, de Dreamworks Animation - 6 nominaciones, contando las de Mejor Largometraje de Animación, Mejor Dirección, 2 a Mejor Animación de Personajes y Mejor Diseño de Personajes.
  • *El Gran Zorro Feroz, de Folivari, Panique! y Studiocanal - 3 nominaciones, incluyendo Mejor Largometraje de Animación Independiente, Mejor Dirección y Mejor Animación de Personajes.
  • *Loving Vincent, de BreakThru Films, Production Company Trademark Films y Co-Production Company - 3 nominaciones, entre las cuales Mejor Largometraje de Animación Independiente, y Mejor Guión.
  • Gru 3, Mi Villano Favorito, de Illumination - 3 nominaciones, incluyendo las de Mejor Largometraje de Animación y Mejor Diseño de Personajes.
  • Capitán Calzoncillos: Su Primer Peliculón, de Dreamworks Animation - 3 nominaciones, entre las cuales la de Mejor Largometraje de Animación.
  • Batman: La LEGO Película, de Warner Bros. Animation - 3 nominaciones, incluyendo la Mejor Dirección.
  • Cars 3, de Pixar Animation Studios - 2 nominaciones, incluyendo la de Mejor Largometraje de Animación.
  • *Mary y la Flor de la Bruja, de Studio Ponoc - 2 nominaciones, incluyendo la de Mejor Guión.
  • The Star, de Sony Pictures Animation - 2 nominaciones por Storyboard y Edición.
  • Ferdinand, de 20th Century Fox Animation y Blue Sky Studios - 2 nominaciones por Diseño de Producción y Edición.
  • Olaf's Frozen Adventure, de Disney Animation Studios - 2 nominaciones por Efectos de Animación y Música.
  • *En Este Rincón del Mundo, de Taro Maki, GENCO, Inc. y Masao Maruyama, MAPPA Co. - 1 nominación a Mejor Largometraje de Animación Independiente.
  • *Ancien y el Mundo Mágico, de Nippon TV - 1 nominación a Mejor Largometraje de Animación Independiente.
  • Los Pitufos: La Aldea Escondida, de Sony Pictures Animation - 1 nominación a Mejor Diseño de Personajes.
  • *Ballerina, de Quad Productions, Main Journey y Caramel Film - 1 nominación a Mejor Diseño de Producción.
  • Avatar Flight of Passage - 1 nominación por Efectos de Animación. 
Por lo que respecta a los cortometrajes están nominados los siguientes:
  • Dear Basketball de Glen Keane Productions, Kobe Studios y Believe Entertainment Group
  • Hedgehog’s Home de National Film Board of Canada y Bonobostudio
  • Negative Space de IKKI Films y Manuel Cam Studio
  • Scavengers de Titmouse, Inc. y Adult Swim
  • Son of Jaguar de Google Spotlight Stories y Reel FX
Y los cortos de animación de estudiantes nominados son:
  • Cradle de Devon Manney
  • Elsewhere de Junyi Xiao
  • Good Night, Everybuds! de Benedikt Hummel
  • Once a hero de Xia Li
  • Poles Apart de Paloma Baeza
En la categoría de Mejor Especial Animado figuran:
  • Feeling Sad de Hornet para Imaginary Friend Society
  • Olaf’s Frozen Adventure de Walt Disney Animation Studios
  • Pig: The Dam Keeper Poems de Tonko House, Inc.
  • Cuentos Revueltos de Magic Light Pictures
  • Enredados Otra Vez de Walt Disney Television Animation
Como mejores series de TV preescolares están nominadas las siguientes:
  • Mickey and the Roadster Racers de Walt Disney Television Animation
  • Octonauts de Vampire Squid Productions Limited y Silvergate Media company, en asociación con Brown Bag Films
  • Peg + Cat de The Fred Rogers Company y 100 Chickens Productions
  • The Stinky & Dirty Show de Amazon Studios
  • Through the Woods de Houghton Mifflin Harcourt, The Fred Rogers Company y PIP Animation Services
Las series infantiles de TV nominadas son:
  • Buddy Thunderstruck de Stoopid Buddy y American Greetings para Netflix
  • Lost in Oz de Amazon Studios
  • Niko and the Sword of Light de Amazon Studios
  • Enredados: La Serie de Walt Disney Television Animation
  • Somos Osos de Cartoon Network Animation Studios
Y finalmente, como mejores series animadas de TV generalistas están nominadas:
  • Big Mouth de Netflix
  • BoJack Horseman de Tornante Productions y LLC para Netflix
  • Rick and Morty de Williams Street Productions
  • Robot Chicken de Stoopid Buddy Stoodios
  • Samurai Jack de Adult Swim
Igualmente, se va a entregar el Premio Winsor McCay por su contribución al arte de la animación al animador británico James Baxter, al creador de "Bob Esponja"  Stephen Hillenburg y al dúo de animadoras canadienses formado por Wendy Tilby y Amanda Forbis. También se entregará el premio June Foray, por su significativo o caritativo impacto en el arte y la industria de la animación, al historiador de animación Didier Ghez. Por otra parte, se otorgará el Special Achievement Award al videojuego "Cuphead" de StudioMDHR, y el Premio Ub Iwerks reconocerá al software TVPaint por su versatilidad para la animación 2D. También se entregará el Certificado del Mérito a David Nimitz, amigo y cuidador de la actriz June Foray, que murió en julio a la edad de 99 años.
La ceremonia de los premios tendrá lugar el 3 de febrero de 2018 en el Royce Hall de la UCLA. Podéis ver el listado completo de nominaciones en este enlace.

Por otra parte, ayer mismo también, la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas hizo pública la pre-selección de 10 de los cortometrajes de animación - entre los 65 calificados para la categoría - que optarán a la nominación al Oscar a Mejor Cortometraje de Animación. Los seleccionados son:
  • Cradle, de Devon Manney (University of Southern California)
  • Dear Basketball, de Glen Keane y Kobe Bryant, writer (Glen Keane Productions)
  • Fox and the Whale, de Robin Joseph
  • Garden Party, de Victor Caire y Gabriel Grapperon (MOPA)
  • In a Heartbeat, de Esteban Bravo y Beth David (Ringling College of Art and Design)
  • Life Smartphone, de Chenglin Xie (China Central Academy of Fine Arts)
  • Lost Property Office, de Daniel Agdag y Liz Kearney (8th in Line)
  • Lou, de Dave Mullins y Dana Murray (Pixar Animation Studios)
  • Negative Space, de Max Porter y Ru Kuwahata (Ikki Films)
  • Revolting Rhymes, de Jakob Schuh y Jan Lachauer (Magic Light Pictures)

viernes, 1 de diciembre de 2017

Lu Over the Wall

La película ganadora del Premio Cristal de Annecy 2017, que se proyectó en el pasado Festival de Cine Fantástico de Sitges, demuestra una vez más la poderosa habilidad del realizador de "Mind Game" para sorprender al  espectador con el estilo totalmente libre que aplica tanto a la animación como en lo insólito de sus historias. En esta ocasión el director japonés nos presenta una nueva obra maestra que propone apartar los prejuicios para ser feliz.


"Lu Over the Wall" se desarrolla en un pequeño pueblo marítimo llamado Rocasombra donde prácticamente no se concibe otro trabajo que no tenga que ver con la pesca. En este ambiente vive Kai, un joven apasionado de la música que se encuentra deprimido y totalmente fuera de lugar a pesar de que cuenta con algunos compañeros que le admiran por los temas que es capaz de componer ... hasta que un día gracias a su música conoce a una pequeña sirena llamada Lu que revolucionará su vida y progresivamente la de todos sus vecinos, a pesar de que las sirenas levantan temores entre muchos de los habitantes del pueblo, convencidos de que aquéllas presagian desastres y de que son responsables de algunas desapariciones.
Poderosamente emocional y asentada en una formalidad narrativa más evidente que en "Mind Game" o en la más reciente "Night is Short, Walk on Girl", la nueva propuesta de Masaaki Yuasa desarrolla una genial película de aventuras y amistad adolescente para convencernos, siempre con humor y a través de un personaje tan entrañable como la sirena Lu, de que es imprescindible apartar las sombras que proyectan todo tipo de prejuicios (prejuicios contra lo diferente, prejuicios porque otro es mejor que uno mismo...) si se aspira realmente a ser feliz. En este sentido, el realizador nipón utiliza el mundo submarino como una metáfora que nos llama a estar dispuestos a descubrir siempre con una actitud abierta lo que yace debajo.
Igualmente, la música y el baile son contemplados por Masaaki Yuasa como la máxima expresión de esa actitud abierta en cuanto conllevan un acto de soltarse, de dejarse ir.. y de olvidar así los prejuicios y las preocupaciones que nos atenazan. De este modo, es así que esta forma de expresión convierte la película en un canto al poder sanador, socializador y reivindicativo de la música.


Si existe una musa de la animación está claro que ésta tiene preferencia por poseer el alma y la mano de Masaaki Yuasa de forma absoluta. El modo en que el realizador exprime todas las posibilidades de la animación de un modo que a veces parece caprichoso y caótico, pero que en el fondo está empleado con todo el sentido, no hace más que confirmar la genialidad de un hombre que es capaz de crear en 2D increíbles planos secuencia en que toda la escena gira y se revuelve con una maestría pasmosa y acto seguido combinarlos con animaciones en bucle cargados de comicidad y dulce alegría. La belleza de las imágenes creadas para la película y la libertad aplicada a la animación conforman pura poesía que nos recuerdan porqué es capaz de llegarnos a gustar tanto la animación que proviene de Japón, y en especial de un creador tan original y rompedor como Masaaki  Yuasa.

Lo mejor: la bellísima secuencia en que Kai es arrastrado por Lu al fondo del mar.
En contra: el infantilismo de ciertas escenas podría echar para atrás a algún purista del cine más serio

jueves, 30 de noviembre de 2017

We're Going on a Bear Hunt

Uno de los nominados a los premios Emile, en las categorías de mejor producción de TV y mejor animación de personajes, fue el mediometraje "We're Going on a Bear Hunt", que pudimos ver en el reciente certamen El Meu Primer Festival.


Dirigida por Joanna Harrison y Robin Shaw, la producción adapta un libro homónimo muy premiado y muy popular en el Reino Unido, escrito por Michael Rosen e ilustrado por Helen Oxenbury, donde cinco niños y su perro salen al campo en busca de un oso al son de una alegre canción y superando todo tipo de obstáculos - en forma de río, barro, espeso bosque y tormenta de nieve -, hasta que finalmente encuentran al oso y salen despavoridos. La historia celebra así la alegría y el inocente envalentonamiento de la infancia, capaz de hacerse tan grande como de diluirse con igual rapidez cuando choca con la realidad. En todo caso, los realizadores de la película quisieron añadir a la trama un nuevo componente que diera mayor profundidad a la historia original, lo que hicieron introduciendo la referencia a la pérdida de un ser querido, el abuelo de la familia. Aunque la adición de este nuevo elemento trágico chirría en alguna ocasión con el espíritu alegre e inocente de la historia original, le aporta al conjunto una nueva dimensión que lo convierte en una invitación a enfrentarse a los miedos y continuar celebrando que la vida continua a pesar de las adversidades - tanto físicas como emocionales - lo que no implica renunciar al sentimiento de pérdida y debe servir igualmente para salir a la caza de buenas experiencias y de los buenos recuerdos, afrontando los problemas: mejor que pasar debajo o por arriba, mejor que soslayarlos, hay que enfrentarse a ellos. Por otro lado la película es también una exhaltación de los valores familiares y del espíritu naturalista - que es al fin y al cabo una celebración de la vida - a través de su retrato detallado de los bucólicos paisajes británicos.
Es significativamente en el apartado visual donde la producción televisiva alcanza su mayor valor: ejecutada en animación digital en 2D sobre fondos detalladamente pintados a mano, la película reproduce perfectamente el tono de las ilustraciones originales a acuarela de Helen Oxenbury, llenando de vida los campos en que se asientan las casas victorianas, con sus ríos, sus lodazales, y más allá sus bosques y playas. No se descuida ningún extremo en la animación de las plantas, insectos y elementos que bullen vitalmente en los caminos que recorren los protagonistas de la historia, animados con un ánimo realista comparable al que admiramos en "La Tortuga Roja" de Michael Dudok de Wit o la lograda "Ethel and Ernest" de Roger Mainwood. Los personajes, por otra parte, están coloreados con el mismo propósito de resultar fieles a las ilustraciones de Oxenbury y de integrarse  perfectamente en los fondos de la película, y en este sentido aparecen también como si estuvieran pintados a la acuarela dando un valor artístico al conjunto realmente atractivo.


Lo mejor: todo bulle de vida a través de una animación que no pasa por alto el más mínimo detalle
En contra: la introducción del elemento trágico puede chirriar con el espíritu alegre de la obra original

miércoles, 29 de noviembre de 2017

Coco

Tras tanta secuela, Pixar nos sirve nuevamente un título original encabezando una película impecablemente ejecutada que constituye una indubable carta de amor a México, y que aun sin ser la mejor película del estudio de los últimos años, entra de lleno en la categoría  de las películas que hay que ver este año inexcusablemente. La última película original de Pixar aborda la cultura mexicana, y concretamente el Día de Muertos, con una historia en pro del respeto y la reconciliación intergeneracional narrativamente compleja, bien estructurada y visualmente rica, que ya está conquistando a medio mundo: la película es ya el largometraje animado más visto en la historia de México y ha hecho historia en China, donde cuadriplicó sus ganancias en dos días.


"Coco" es el nombre de la bisabuela de Miguel Rivera, un chico de 12 años aspirante a músico que lucha contra el sino de convertirse en un zapatero más de la familia y contra la prohibición de música que se ha mantenido en su seno durante generaciones, debido al abandono que sufrió su tatarabuela Imelda de parte de su tatarabuelo, empeñado en seguir el camino de la canción. A escondidas de sus familiares rinde culto al recuerdo de Ernesto de la Cruz, el músico más famoso en la historia de México. Cuando Miguel descubre que el célebre cantante podría ser su tatarabuelo, un percance mágico le lleva a la Tierra de los Muertos, donde entre los esqueletos de los fallecidos y con la ayuda de un pillo llamado Héctor buscará la bendición de su ídolo para que le ayude a volver a la Tierra de los Vivos antes de que sea demasiado tarde.
Seducido por una de las manifestaciones más típicamente representativas de la cultura mexicana, Pixar se propone encontrarle el sentido desde un punto de vista propio al Día de Muertos y acierta al trazar alrededor de esta fiesta una historia donde se ponen en juego las relaciones familiares a lo largo de las sucesivas generaciones y donde la celebración mexicana se revela como una liturgia necesaria para recordar y rehabilitar a nuestros ancestros, asegurándoles la eternidad; y al mismo tiempo se permite enfrentar a su público - al adulto y también al más joven - a una visión de la muerte, amable y macabra a la vez, y le lanza sin aviso a una incuestionable verdad: nuestra familia, nuestros amigos, nuestros descendientes nos recordarán, o dejarán de hacerlo, por lo que hagamos en vida.
En su homenaje a la cultura mexicana, no le faltan a la película, por otra parte, infinidad de referencias y guiños como el papel picado que adorna las calles y que sirve para introducir la historia de la familia Rivera, los coloridos alebrijes, la aparición de Frida Kahlo - encargada de preparar la gala final del Día de Muertos con una performance muy personal - o los cameos de otros personajes populares como Cantinflas, El Santo o Jorge Negrete. Y por supuesto no es casual la elección de la raza a la que pertenece Dante, el cómico perro que acompaña a Miguel al otro mundo: se trata de un xoloitzcuintle, un perro endémico de México cuyo nombre le relaciona con el dios Xólotl, una deidad relacionada con la muerte, y que era considerado como un guía hacia el mundo de los muertos.



Lee Unkrick y Adrián Molina son quienes esta vez conducen la película por las vías de una sólida ejecución que ponen de relieve una vez más los atributos que nadie le niega al saber hacer de Pixar: exhaustividad en la documentación, dominio del lenguaje visual (cada plano habla por sí solo, casi sin necesidad de que se articule palabra alguna), personajes creíbles, la capacidad de discurrir por una narrativa compleja donde no faltan giros y capacidad de sorpresa (aunque en esta película ciertos desenlaces se ven venir), excelente animación y desde luego la habilidad para dejarnos boquiabiertos con un potente despliegue visual, que alcanza su máximo esplendor en la recreación del mundo de los muertos como una metrópolis colorida y abigarrada de casas y barrios que crecen como árboles y hunden sus raíces en la historia del pueblo mexicano y están unidos por tranvías colgantes.
Ahora bien, no se podrá negar que esa concepción del mundo de los muertos se asemeja en el fondo, tanto arquitectónicamente como en colorido, a la de esa otra película reciente inspirada en el Día de Muertos que fue "El Libro de la Vida" de Jorge R. Gutierrez, que sin duda ha resultado ser mucho más original y audaz en cuanto a diseño - no en vano ganó multitud de reconocimientos hacia el arte de Sandra Equihua - que la presente película de Pixar, cuyos personajes cuesta distinguir de los de "Vaiana" de Disney. Y es que en este aspecto, como en algunos otros, "Coco" evidencia cierta tendencia a descansar - también narrativa y emocionalmente - en la comodidad de lugares ya explorados, como ciertos elementos de "Up", "Del Revés" o incluso el corto "Sanjay's Super Team", y más allá los esqueletos de "La Novia Cadáver" de Tim Burton, antes que lanzarse a arriesgar.
En este sentido, todo aparece como obsesivamente correcto y calculadamente medido en esta última película de Pixar que, sin desmerecer su innegable calidad, deja tras su visionado un cierto regusto a desengaño, teniendo en cuenta la inicial trayectoria del estudio y los presupuestos que Pixar maneja en sus películas. Y es que hasta hace un tiempo, probablemente antes de que se notaran los efectos de ser engullidos por la industria de Disney, cada película de los estudios Pixar - incluidos sus cortometrajes - se esperaban con la seguridad de que nos iban a presentar historias con una visión y un sentido de la innovación a los que pocos otros estudios habían logrado aproximarse. En la formulación de tales historias el único tótem a venerar era la creatividad, al servicio de la cual el estudio iba a poner todos los avances tecnológicos con los que era capaz de sorprendernos y, al mismo tiempo, de hacer avanzar el cine de animación. Sin embargo, en el momento en que fueron adquiridos por Disney, sobre Pixar cayó una pesada losa con una inscripción que rezaba "Poderoso caballero es Don Dinero", y a partir de ahí empezamos a ver secuelas de sus títulos más significativos que, a diferencia de aquellas brillantes realizaciones que expandieron el universo y la continuidad de "Toy Story", no estaban únicamente guiadas por la originalidad, sino que ahora perseguían significativamente la explotación comercial y eludían el riesgo. A salvo de esperanzadores destellos aislados como la excelente "Del Revés" - una de las mejores películas del estudio de la presente década - o la arriesgada e injustamente tratada "El Viaje de Arlo", el talento de Pixar se ha visto desde entonces hipotecado por la persecución del aprovechamiento extenuante de sus franquicias y la confortable seguridad de lo que ya funciona frente al vértigo que da el salto al vacío. Algo de ello habría en el burdo y fallido intento de la corporación Disney-Pixar de apropiarse de la fiesta del Día de Muertos mexicana como marca comercial que marcó los primeros días de la producción de "Coco", y que llevó posteriormente al estudio a intentar reconciliarse con la comunidad mexicana incorporando a la realización de la película diversas sensibilidades procedentes del país, pero sin que se haya podido evitar que los estudios del flexo hayan perdido algo en su camino, algo que ha quedado oculto bajo la sombra del elaborado cálculo y que posiblemente - ocupados como están en tanta secuela que va a seguir tras "Coco" - van a tardar tiempo (siempre demasiado tratándose de Pixar) en recuperar: el riesgo que va aparejado con la creatividad. Preocupados por gustar a quienes pagan las entradas y por estar en paz con la comunidad mexicana, muy atenta por derecho propio al respeto de sus tradiciones, en Pixar han preferido la seguridad a arriesgar. Quizás por ello vale la pena repetir una de las moralejas que la presente película deja clara: nuestros descendientes nos recordarán por lo que hagamos en vida.
Por cierto, contrariamente a lo que venía siendo habitual en las proyecciones de largometrajes de Pixar, no ha habido esta vez un cortometraje de la casa antecediendo al largo. Precisamente ha sido siempre en los cortometrajes donde se ha atrevido más a experimentar, innovar y sorprender Pixar... pero en su lugar, los asistentes a las salas de cine deberán aguantar un corto de Disney basado en la franquicia de "Frozen". Parece también sintomático.


Lo mejor: una vez más los animadores de Pixar demuestran lo bien que saben hacerlo y nos brindan secuencias fantásticas, entre las cuales los dedos de Miguel tocan realmente la guitarra en lugar de rasparla, o se permiten dar un aire cómico a todos y cada uno de los movimientos de un perro, mientras demuestran todo lo que es posible hacer con los huesos de un esqueleto.
En contra: a Pixar se le está empezando a agotar el modelo, y quizás debería atreverse - arriesgarse en suma - con otros registros, como la comedia

Cuentos Revueltos

Es evidente que en los tiempos que nos ha tocado vivir, en que la autonomía de la mujer es indiscutible y se reniega de los príncipes azules, los cuentos más clásicos necesitan pasar por el filtro de la modernidad si no quieren verse olvidados. El caso es que ya Roald Dahl, uno de los grandes escritores de historias infantiles del siglo XX, reparó en la necesidad de revisar los célebres cuentos de hadas y creó los "Revolting Rhymes" (1982), una colección de poemas que, bajo el conocido humor negro del escritor, reinterpretaba seis cuentos tradicionales - La Cenicienta, Jack y las Judías Mágicas, Blancanieves y los Siete Enanitos, Ricitos de Oro, La Caperucita Roja y Los Tres Cerditos - actualizándolos y dándoles unos finales bastante distintos de los conocidos. El libro de Roald Dahl inspiraría este especial en 3D creado para la BBC que, dividido en dos partes, aúna cinco de las historias en una trama tan brillantemente urdida como fabulosamente animada, y que aún habiendo sido desarrollado para televisión, empequeñece a muchas de las producciones que han sido creadas para el cine.


Uno de los logros destacados de la adaptación dirigida por Jakob Schuh (El Grúfalo) y Jan Lachauer junto a Bin-Han To es el de haber conseguido de una forma muy ocurrente unir las cinco historias en dos tramas con un universo compartido en que los personajes coinciden e interactúan, respetando en todo momento los versos y los diálogos del escritor galés, y que a su vez están conectadas por un hilo conductor que une las dos partes del especial bajo el protagonismo de un lobo que es el tío de los feroces malvados de la Caperucita y de los tres cerditos. En efecto, en la primera parte del especial, la Caperucita y Blancanieves son dos amigas cuyas vidas corren en paralelo y cuyos destinos están llamados a reencontrarse después de coincidir con uno de los tres cerditos; y en la segunda parte, Jack es un niño enamorado de Cenicienta, aunque con pocas posibilidades de ganarse su corazón mientras su futuro no se encuentre mejor gracias a las judías mágicas y Cenicienta no haya conocido realmente la naturaleza del príncipe. En su papel de narrador de todas las historias se erige como incontestable protagonista el referido lobo, que movido por las ansias de venganza juega un papel determinante con una historia que funciona exquisitamente como nexo de unión y eje vertebrador de los cuentos y sume al espectador en un pegadizo interés que va escalando inexorablemente hasta el desenlace final, cuya moraleja - en el sentido de que siempre otro final, más humano, es posible - no puede estar más en sintonía con el espíritu de los poemas de Roal Dahl.
La relectura humanizada de los cuentos de hadas que hace el afamado escritor cobra, por otra parte, en el especial de animación una nueva dimensión al desarrollarse en buena parte en una ciudad y un tiempo que podrían perfectamente ser los nuestros, y al quedar además enriquecida con detalles de concienciación social que apuntan a temas como el empoderamiento de la mujer, la integración racial (dos de los enanitos del cuento de Blancanieves son de color), la crítica de la especulación y de ciertas prácticas bancarias, o lo que podría interpretarse como una aproximación a las relaciones amorosas no tradicionales.



Visualmente "Cuentos Revueltos" sorprende por lo cuidado de su tratamiento gráfico, mostrando un nivel de diseños, texturas, iluminación y cromatismo que podrían perfectamente tumbar a muchas de las producciones que han tenido el privilegio de acceder directamente a las pantallas de cine. En este apartado destaca en especial la creación de dos niveles de tratamiento visual: uno más realista para las escenas que se articulan en torno al narrador de las historias y el tiempo presente en la ciudad donde aquél se encuentra; y otro más plástico, más de puppet o marioneta, para las secuencias correspondientes a las historias "clásicas", cuyos paisajes se muestran también con un acabado más propio de las ilustraciones de los cuentos.
De hecho, el diseño de los personajes y la planificación de muchas de las escenas transmiten un profundo respeto hacia los dibujos de Quentin Blake, el ilustrador de los poemas de Roald Dahl. El espectador podrá ver planos que se han construido con el ánimo expreso de reproducir sus ilustraciones, como igualmente se han diseñado de forma muy parecida a sus dibujos los protagonistas de las historias, esos personajes tan cambiados respecto de su concepción original: una Blancanieves que no es morena sino rubia, una Caperucita que no es tan inocente, una Cenicienta que no es tan dulce o un cerdito que también es cerdo por sus actos.
Por último, pero no menos importante, resulta exquisita la animación de los personajes, caracterizada por unas actuaciones muy teatrales - muy shakesperianas - que a la vez que traducen magníficamente los sentimientos de cada uno a lo largo de las historias (impagables en este sentido la animación de la madrastra de Blancanieves, una señorona de rasgos y modos muy latinos, o la taimada y amenazante actitud del lobo feroz que hace de narrador de los cuentos), encajan como un guante todas las posibilidades que ofrece la animación en cuanto a exageración, expresionismo y carácter cómico.

Lo mejor: el acierto con que se integran cinco de las historias de Roald Dahl en torno a un eje que mantiene al espectador pendiente de la película hasta el final y con los ojos abiertos como platos.
En contra: uno se queda con ganas de ver cómo hubiera quedado también el cuento de Ricitos de Oro.

martes, 28 de noviembre de 2017

El B-Anime Film Festival listo para la 3ª edición

Los días 2 y 3 de diciembre tendrá lugar en Barcelona la 3ª edición del B-Anime Film Festival, que este año se desarrollará en el Disseny Hub de Barcelona, además de colaborar con la Filmoteca de Catalunya. El certamen tiene como objetivo dar visibilidad a títulos de animé generalmente inéditos en el país o dar una nueva oportunidad a películas que han pasado fugazmente por las pantallas, además de crear un punto de encuentro para todos los seguidores del género.


Entre las películas que se proyectarán en el festival destaca en primer lugar como novedad "Lu Over the Wall" de Masaaki Yuasa, junto a la emotiva "En Este Rincón del Mundo" de Sunao Katabuchi o las películas infantiles "Komaneko: The Curious Cat" y "Komaneko's Christmas" de Tsuneo Gōda; y también podrán verse series actuales - como "Onara Goro" y "Kowabon" - y otras de más recorrido.
El detalle de las películas que se proyectarán es el siguiente:
  • Lupin III - El Castillo de Cagliostro (Rupan sansei Kariosutoro no shiro, 1979), de Hayao Miyazaki.
    Lupin, un elegante y atlético ladrón, y su compañero Jigen viajan al pequeño ducado europeo de Cagliostro. Allí ayudarán a la bella Clarice, que intenta librarse del temible Conde Cagliostro, e intentarán resolver el misterio de un tesoro oculto que data del siglo XV.

  • Roujin Z (Z Rōjin Zetto, 1991) de Hiroyuki Kitakubo.
    En Japón, el Ministerio de Salud debe hacerse cargo de un gran número de ancianos, por lo que desarrolla un asistente cyborg, una especie de camilla automática, para cuidarlos, y el señor Takasawa es el primero en probarla. En realidad, el diseñador del proyecto trabaja para los departamentos y agencias de seguridad de Estados Unidos, y desarrolla este artefacto como prototipo militar.

  • Your Name (Kimi no Na wa, 2016), de Makoto Shinkai
    El drama de la distancia a partir de dos personajes procedentes de dos mundos diferentes y conectados por un acontecimiento mágico: un día, Mitsuha tiene un sueño en el que tiene el cuerpo de un hombre joven de Tokio, y Taki también tiene un sueño parecido y en el que él es una estudiante de secundaria en un pueblo en las montañas donde nunca ha estado. ¿Cuál es el secreto de sus sueños?

  • Komaneko: The Curiou's Cat + Komaneko's Christmas (Komadori Eiga: Komaneko + Komaneko no Christmas, 2009), de Tsuneo Gōda.
    La gatita Koma se pasa los días en su apartamento tratando de hacer películas en stop motion con sus muñecas, pero una mosca le importuna. En la segunda película, Koma ve aproximarse la Navidad, y piensa en cuál podría ser el mejor regalo para hacerle a sus padres. Dos fantásticas piezas de animación en stop motion para los más pequeños.

  • En Este Rincón del Mundo (Kono Sekai no Katasumi ni, 2016) de Sunao Katabuchi
    La historia narra la vida de una familia durante la II Guerra Mundial protagonizada Suzu Urano, una joven esposa que se muda a la ciudad de Kure desde un pequeño pueblo pesquero tras casarse con Shusaku Hojo, un oficial de la marina que le propone matrimonio y al que conoce desde que eran niños. Suzu perservará con gran determinación y valor a través de esa dura época del país.

  • Lu Over the Wall (Yoake Tsugeru Lu no Uta, 2017) de Masaaki Yuasa
    Kai, un chico que vive en un pueblo pesquero, se hace amigo de una sirena a quien le encanta cantar y bailar, pero que levanta temores entre los habitantes del pueblo, convencidos de que las sirenas presagian el desastre.


En cuanto a series habrá lugar para "Drifters", "Haikyuu!", "One Punch Man", "Jojo's Bizarre Adventure: Phantom Blood" y la segunda temporada de "Assassination Classroom", con cuatro horas de proyecciones por sesión, así como "Your Lie in April" y las nuevas "Onara Goro" y "Kowabon".
En la Filmoteca de Cataluña realizarán una sesión de celebración del centenario de la animación japonesa donde proyectarán 14 cortometrajes clásicos. Estos cortos son piezas muy especiales pues son algunas de las primeras animaciones que se produjeron en Japón; la más antigua es de 1917.
El certamen incluye también un amplio programa de actividades paralelas en torno a la cultura japonesa que comprende una conferencia de Antonio Horno en torno a los orígenes de la animación japonesa, demostraciones de Taiko (tambores japoneses), demostraciones y taller de sumi-e (pintura japonesa),  taller de animación tradicional, taller de caligrafía, taller de origami, taller de Darumas (amuleto de la suerte), taller de Shogi (juego de mesa japonés), taller y exhibición de cosplay, concurso de karaoke, concurso de Trivial otaku y sesiones DJ.

Podéis consultar los horarios y detalles en la web del festival.