viernes, 31 de marzo de 2017

Los Pitufos: La Aldea Escondida

Kelly Asbury (Spirit: El Corcel Indomable, Shrek 2, Gnomeo y Julieta) rinde tributo a Peyo, el creador de los Pitufos, con esta película enteramente animada que supera ampliamente a las dos películas precedentes en imagen real y cgi y brinda un divertido y sano entretenimiento a los jóvenes espectadores, aunque por convencional no sorprenderá tanto a los veteranos seguidores de los pequeños seres azules.


Desarrollando un guión de Stacey Harman (Los Goldberg) y Pamela Ribon (Samantha ¿qué?, Vaiana, Rompe-Ralph 2) la nueva película arranca con un misterioso encuentro que lleva a Pitufina y a sus mejores amigos Gafotas, Patoso y Forzudo a una excitante y emocionante carrera a través del Bosque Prohibido, lleno de criaturas mágicas, para encontrar una oculta aldea de pitufos antes de que lo haga el malvado hechicero Gargamel y advertirles del peligro que les acecha, al tiempo que se descubrirá el auténtico destino y la razón de ser de Pitufina, la sola mujer entre los pitufos de su aldea y la única que no tiene un nombre que la defina.
Es indudable que Kelly Asbury se ha esforzado por transmitir con este nuevo acercamiento a los Pitufos la máxima fidelidad al mundo ideado por Peyo, como refleja de forma patente el cuidado rediseño de los personajes y de los escenarios, hasta hacerlos tan cercanos al estilo de las historietas del dibujante belga. Es de hecho una lástima que el grueso de los pitufos y su colorida aldea de setas se dejen atrás tan pronto, por cuanto que los verdaderos protagonistas de la película, el escuadrón pitufo formado por Pitufina, Forzudo, Torpe y Filósofo dejan a sus vecinos para ir tras otra aldea oculta en el Bosque Prohibido. Y de nuevo en la recreación de este escenario, completamente inventado, destaca nuevamente el ingenio desplegado para trasladar a la pantalla el espíritu y el estilo de los coloridos dibujos de Peyo. Es en este nuevo mundo poblado por plantas muy animadas, insectos dragón y conejos luminiscentes, donde se desarrolla el grueso de las aventuras en las que se verá embarcado el cuarteto de protagonistas, conductores de una trama cuyo ritmo es irregular: tras superar un lento arranque, la película - que carece de una compleja historia de fondo - roza el desinterés en muchas de las secuencias del bosque, a pesar de su innegable atractivo visual, y nuevamente aboca al bostezo una vez llegados a la perseguida aldea escondida, poniendo de manifiesto que cuando la película se salva es a manos de un acertado Gargamel que resulta tan ocurrente y divertido en el discurso como torpe y malvado en sus actos. Es en efecto en las secuencias en que entran en escena Gargamel y sus esbirros donde la aventura recupera su vigor y su dinamismo y devuelve la película al terreno del verdadero entretenimiento, tanto en el Bosque Prohibido como en el fantástico castillo del hechicero.
Destaca por otra parte el desarrollo dado al que era el único personaje femenino entre tanto pitufo, que de ser tradicionalmente mujer florero o víctima a rescatar, pasa a demostrar que puede hacer lo mismo que sus vecinos tan bien o mejor, e incluso salvarles el día. A ello habrá contribuido sin duda el hecho de que hayan sido dos mujeres - una de ellas responsable también de la emancipada Vaiana - las encargadas del guión.



De nuevo en el plano animado se pone en evidencia que el 3D es ya capaz de lograr una buena parte de la elasticidad y propiedades orgánicas que tradicionalmente estaban reservadas a la animación 2D de los cartoons clásicos, y en este sentido nuevamente la película constituye un fiel reflejo de las viejas aventuras animadas de los pitufos. Acaso quede sólo por desterrar el abuso de secuencias frenéticas y sobresaltados cambios de plano que muchas veces obstaculizan la posibibilidad de desarrollar auténticamente la animación.

Lo mejor: la película recupera para el cine el estilo propio de los Pitufos que se había perdido en las anteriores versiones cinematográficas.
En contra: los frecuentes altibajos en el ritmo de la historia.

jueves, 30 de marzo de 2017

De moscas y de otros cortos de Ferenc Rofusz

Mecal, el Festival Internacional de Cortometrajes y Animación de Barcelona, ha tenido como país invitado a Hungría, e inauguró su semana dedicada a la animación con una sesión dedicada al animador húngaro Ferenc Rofusz, un realizador que revolucionó el panorama de la animación introduciendo el punto de vista de la cámara subjetiva. Lo hizo por primera vez con su cortometraje "A Légy" (La Mosca, 1981), que le valieron dos premios en el Festival de Ottawa y el Oscar al Mejor Cortometraje de Animación, que no fue autorizado a recoger hasta dos meses después de la ceremonia. Y es que el realizador desarrolló su trabajo bajo el régimen comunista que regía en su país en aquel momento, que siempre estuvo receloso del posible significado oculto de sus trabajos.


Ferenc Rofusz señaló que "La Mosca" es especialmente interesante desde el punto de vista técnico: cuando hicieron esta película aún trabajaban con película de 35mm, y los dibujos se realizaron sobre papel uno a uno y después sobre celuloide para convertirlos en los fotogramas de la película.
La idea inicial surgió de escuchar el disco "Ummagumma" de los Pink Floyd, donde por primera vez se utilizaron técnicas para acompañar la música con ruidos ambientales, lo cual fue una modernidad de la época. Concretamente se inspiró en un fragmento, sin música, en el que sólo se escuchaban zumbidos; según señaló el realizador, prácticamente al mismo tiempo que estaba escuchando la música vio ante él las imágenes de la película, así que se puso inmediatamente a preparar un storyboard y una serie de imágenes a color. En aquella época tenían que presentar los proyectos ante un consejo regulador encargado de aprobar si era posible o no realizar la película desde el punto de vista de su contenido, o por vulneración de derechos, ideología, etc. Cuando se les presentó el proyecto, la primera respuesta fue negativa básicamente porque Pink Floyd era propietaria de los derechos sobre la música y, dado que hubieran tenido que pagar por ellos 2 ó 3 mil dólares, de los que no disponían, fueron invitados a producir ellos mismos los ruidos como pudieran. Por otro lado, a principios de los 80, el tema de la censura y la ideología estaba presente de forma constante, por lo que cualquier contenido podía causar sospechas; en concreto: ¿a quién podría referirse la figura de la mosca? ¿o quién podría esconderse tras la identidad de quien persigue a la mosca? En todo caso finalmente se superó el primer bache de la aprobación del consejo y obtuvieron una subvención para realizar la película en seis meses. El problema fue que ese plazo se quedó extremadamente corto: según Ferenc Rofusz "Quisimos en todo momento transmitir la imagen subjetiva que la mosca vería desde su posición, simulando cual sería su movimiento. Para conseguir ese efecto no sabíamos cuántos dibujos deberíamos producir, puesto que tan sólo teníamos un plazo de seis meses otorgado por el Consejo; pero tuvimos que invertir dos años. Se trataba de un proyecto innovador que nadie había realizado hasta el momento. Y no nos dimos cuenta hasta al cabo de tres meses de la magnitud de trabajo que supondría: había que reproducir dibujo por dibujo los movimientos de cámara y todo el ambiente que se reproduce en el corto, sin referencias de vídeo, sino directamente".
Dibujaron un total de 4000 imágenes de fondo. Los dibujos originales eran en blanco y negro sobre papel y se tranferían al celuloide con lápices grasos que se adherían mucho mejor y conferían el estilo que querían darle a la película. Sin embargo, en blanco y negro la imagen hubiera sido muy agresiva y triste, y por ello decidieron darle a cada una de las imágenes un color sepia, amarronado, anticuado, que era muy difícil de conseguir porque en aquella época no disponían de las tintas adecuadas para conseguirlo, por lo que obtuvieron el tono utilizando tintes naturales, obtenidos de la extracción del nogal.
Una vez se terminaron las animaciones, el sonido también supuso un reto porque en aquel momento no disponían de las facilidades que hoy ofrece Google, y debieron producir los ruidos ellos mismos. El mismo Ferenc Rofusz o su equipo corrían y bajaban escaleras por la casa para producir los sonidos que se oirían en las escenas correspondientes, registrándolos con un equipo de grabación sujeto al cinturón. Y en el caso de la mosca, en un principio probaron con moscas reales atrapadas en botes, pero nunca hacían el ruido que necesitaban ni durante el tiempo en que lo necesitaban, así que sorprendentemente la solución fue que una persona reprodujera con los labios y la boca el ruido de la mosca.
Finalmente, con una cámara fija encima de la mesa realizaban exposiciones de los dibujos. Uno de los detalles del corto es un destello desde una ventana que refleja la luz. Para ello el realizador afirma haberse pasado una semana entera en un proceso que consistió en perforar un poco un cartón para dejar pasar la luz e iluminarlo desde abajo para que un compañero hiciera la exposición fotográfica desde arriba.

Tras el éxito de "La Mosca" Ferenc Rofusz aplicó la misma técnica a su tercer corto, "Deadlock" (1985), cuya idea sería justamente la inversa de "La Mosca": mientras en ella quien no puede escapar a la muerte es la mosca, en esta ocasión sería el ser humano. Como en otros casos, el corto fue fuertemente supervisado por el aparato comunista: las voces originales de los soldados estaban en ruso no en húngaro, pero para superar la censura fueron cambiadas por la versión del soldado desconocido de The Doors.


Para el anterior corto, Gravitáció (1984), donde una joven manzana lucha por dejar el manzano del que se encuentra colgando junto a otras manzanas más ajadas y estropeadas, el aparato comunista llegó incluso a determinar cuál podía ser el color de la manzana, que de ningún modo podría ser de color rojo.


En 1988 Ferenc Rofusz fue invitado a integrarse en Nelvana Studio en Toronto (Canadá), donde estuvo trabajando trece años, y de vuelta a Hungría montó un pequeño estudio donde realizó un último corto con cámara subjetiva a instancias de su hijo mayor: "Ticket" (2011). En cualquier caso se realizó con técnicas más modernas. En "Ticket" la cámara surge del vientre de la madre, es la visión de la criatura que nace del vientre de su madre, y recorre la vida del nacido desde ese instante hasta su muerte ya de mayor, representando de forma sintética la vida de una persona. Se llama "Ticket" porque todos cuando nacemos recibimos una especie de tiquet o número que nos identifica y nos acompaña, hasta que el viaje se extingue con nuestra muerte. No sabemos cuántas paradas tendrá, ni cuánto nos durará, ni si viajaremos en primera o en segunda clase, pero nos identifica porque viajamos con él. Según Rofusz, no es una película cómica, pero resume la vida misma.


Actualmente Ferenc Rofusz se encuentra trabajando sobre una nueva idea en torno a la Última Cena, que presentaría en un corto de una duración de diez minutos los momentos de aquella escena transcurriendo sobre un fresco que finalmente desaparecería de la pared, como extinción de la obra de arte. Llevan trabajando en él hace un año, y se prevé que hacia final de año esté finalizado.

miércoles, 29 de marzo de 2017

¡Rompe Ralph! 2 ya tiene título

Disney ha dado a conocer hoy el título oficial de la secuela de "¡Rompe Ralph!" que se anunció en junio del año pasado. Bajo el título "Ralph Breaks the Internet: Wreck-it-Ralph 2" (Ralph Rompe Internet: Rompe Ralph 2) Rich Moore y Phil Johnston dirigirán una película donde Ralph superará los límites del videojuego y causará estragos en el universo de internet.


Según Moore, llevar a sus queridos personajes al enorme mundo de internet les ha abierto muchas posibilidades para explorar, y se han esforzado mucho en diseñar un mundo que todos conocemos - el de internet - de un modo totalmente nuevo e imaginativo. Asimismo, según Johnston, en el centro de la película estará de nuevo la relación entre Ralph y Vanellope von Schweetz, los dos personajes que se encontraban repudiados en la película original y entre los que surgió una verdadera amistad; a ellos se unirán de nuevo Repara-Felix y la Sargento Calhoun, mientras que habrá también nuevos personajes que pronto se desvelarán.
Así, junto a John C. Reilly (Ralph) y Sarah Silverman (Vanellope von Schweetz) volverán para la versión original las voces de Jack McBrayer (Repara-Felix) y Jane Lynch (Sargento Calhoun); y también estará de vuelta Clark Spencer (Zootrópolis, Bolt) como productor.

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Trailer y casting de "Ferdinand"

Se ha lanzado el trailer de "Ferdinand", película de animación en 3D que 20th Century Fox y Blue Sky verán estrenada en nuestro país el 22 de diciembre y que adapta el libro infantil "The Story of Ferdinand" (1936) de Munro Leaf, que ya fue adaptado por Disney en el corto "Ferdinand the Bull" (1938). La sinopsis de la película es la siguiente:
Ferdinand es la historia de un toro con un corazón aún más grande que él. Después de que le confundan con una peligrosa bestia, es capturado y apartado de su hogar. Decidido a volver con su familia, se une a un equipo de inadaptados con los que vivirá una gran aventura. Ferdinand nos enseña que no puedes juzgar a un toro por sus cuernos.

La película está dirigida por Carlos Saldanha (La Edad de Hielo, Río, La Edad de Hielo 2: El Deshielo) junto a Cathy Malkasian y Jeff McGrath, desarrollando un guión de Erica Rivinoja (Trolls, The Last Man on Earth), Ian Southwood y el equipo de J. David Stem y David N. Weiss (Rugrats La Película: Aventuras en Pañales, Jimmy Neutron: El Niño Inventor, Shrek 2, Los Pitufos) a partir de la historia de Ellen Martin (Blaze and the Monster Machines).


En cuanto al casting, el toro Ferdinand tendrá la voz del luchador John Cena en la versión original, que también contará con Kate McKinnon, Gina Rodriguez, Daveed Diggs, Gabriel Iglesias, Bobby Cannavale, David Tennant, Anthony Anderson, Flula Borg, Sally Phillips, Boris Kodjoe, Jerrod Carmichael, Raúl Esparza, Karla Martínez y Miguel Ángel Silvestre. A continuación podéis ver al elenco de personajes emparejados con los actores que les darán voz:
















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lunes, 27 de marzo de 2017

Bridging The Gap abre inscripciones

El laboratorio de animación internacional Bridging the Gap (BTG) abre la convocatoria de proyectos para participar en su tercera edición, a celebrarse del 16 al 22 de julio en Tenerife, España. Organizado por Bridging the Gap, una iniciativa promovida por distintos profesionales de la animación, con el apoyo de la Cooperación Española, a través del Programa ACERCA de Capacitación para el Desarrollo en el Sector Cultural, la colaboración de la Fundación Internacional y para Iberoamérica de Administración y Políticas Públicas (FIIAPP) y patrocinado por el Cabildo de Tenerife a través de Turismo de Tenerife y el Parque Científico y Tecnológico INtech Tenerife; el laboratorio se propone fortalecer e impulsar a nivel internacional proyectos de animación provenientes de todo el mundo y facilitar la creación de colaboraciones y redes internacionales.
El programa está abierto a jóvenes profesionales y estudiantes que cuenten con un proyecto de animación de largometraje o serie en estado de preproducción, desarrollo o producción. También se aceptarán cortometrajes con potencial de convertirse en largometraje o serie. De entre los proyectos recibidos, doce serán seleccionados para participar en este laboratorio que incluirá entre sus actividades conferencias y asesorías personalizadas a cargo de diversos profesionales de reconocido prestigio internacional en el sector.
Una vez seleccionados, los participantes podrán obtener su plaza definitiva en BTG mediante una de las tres becas que ofrece la organización a candidatos de los siguientes países de América Latina y Caribe: Bolivia, Colombia, Cuba, Ecuador, El Salvador, Guatemala, Haití, Honduras, Nicaragua, Paraguay, Perú y República Dominicana; Norte de África y Oriente Próximo: Mauritania, Marruecos, Sáhara Occidental y Territorios Palestinos; África Subsahariana: Malí, Níger, Senegal, Etiopía, Guinea Ecuatorial y Mozambique; y Filipinas. Estas becas incluyen la matrícula del curso, alojamiento y manutención durante los días de realización del curso, además del vuelo hasta Tenerife.
Asimismo, BTG ofrecerá una beca completa para un participante de países no incluidos en la lista anterior, y el festival y mercado 3D Wire una para un participante español. Por otro lado, se otorgarán dos becas para participantes de Tenerife.
El resto de participantes podrán participar mediante el pago de una matrícula de 1.500 euros que incluye curso, alojamiento y manutención durante los días de realización del curso.
Como novedad, a partir de esta edición, los postulantes colombianos podrán aspirar a recibir ayuda financiera del Fondo de Desarrollo Cinematográfico de Colombia (FDC) a través de los estímulos automáticos ofrecidos por esta institución para la participación en talleres de formación y asesorías internacionales.
La fecha de cierre de la convocatoria es el 24 de abril y las bases están disponibles en la página web de BTG.



viernes, 24 de marzo de 2017

Nuevos detalles de la película animada de Godzilla

Polygon Pictures ha dado a conocer el título completo y la sinopsis de la primera película de animación sobre Godzilla de la trilogía que está produciendo. Se estrenará en Japón en noviembre, y posteriormente a nivel mundial en Netflix, bajo el título "Godzilla: Kaijū Wakusei" (Godzilla: Monster Planet) y su sinopsis es la siguiente:
El último verano del siglo XXI. Ese día, los seres humanos aprenderán que no son los únicos gobernadores del planeta Tierra.
La aparición de las gigantescas criaturas “Kaiju's” y el ser único capaz de destruirlos a todos: Godzilla. Durante la batalla contra los kaiju's que se ha mantenido durante medio siglo, los seres humanos han experimentado derrotas continuas, y finalmente planean abandonar la Tierra. Y en 2048, sólo aquéllos que fueron seleccionados por las A.I. dirigidas por el gobierno central pudieron embarcar en la nave de emigración intersideral “Aratrum” para dirigirse a “Tau Cetus e”, un planeta a más de 11,9 años luz de distancia. Sin embargo, existen condiciones ambientales distintas entre la Tierra y Tau e, y cuando llegaron al cabo de 20 años bastante más tarde de lo previsto, el planeta no se pudo considerar habitable para los seres humanos.
Un joven de la nave de emigración: Haruo, que vio a sus padres morir bajo Godzilla con sus propios ojos cuando tenía 4 años, sólo ha tenido una cosa en mente durante 20 años: volver a la Tierra y derrotar a Godzilla. Privados de la posibilidad de hacer efectiva la emigración, y dado que las condiciones ambientales de la nave se deterioran, el grupo partidario de volver a la Tierra liderado por Haruo se convierte en mayoritario, y determina la vuelta a la Tierra a través de un peligroso viaje hiperespacial de larga distancia. Sin embargo, en la Tierra a la que consiguen volver ya han pasado 20000 años, y se ha convertido en un mundo desconocido donde Godzilla rige el ecosistema.
¿Al final, podrán los humanos recuperar la Tierra? ¿Y cuál es el destino que aguarda a Haruo?

Kobun Shizuno (Detective Conan: The Darkest Nightmare, Fist of the North Star: The Legend of Kenshirô, Fist of the North Star: The Legend of Toki) e Hiroyuki Seshita (Ajin, Knights of Sidonia) van a dirigir el largometraje a partir de una idea original y guión de Gen Urobuchi (Puella Magi Madoka Magica, Fate/Zero, Psycho-Pass).

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jueves, 23 de marzo de 2017

Entrevista a Pablo Navarro

Uno de los invitados especiales de los actos conjuntos de Festival Nonstop y de Mecal fue Pablo Navarro, director de animación y animador senior que ha trabajado en un gran número de películas, sobre todo europeas, como "El Cid: La Leyenda", "Nocturna", "The Congress" de Ari Folman, "Khalil Gibran's The Prophet", o la reciente "Ethel & Ernest", entre otras, así como en varios spots comerciales.
Pablo nos ofreció una entrevista en exclusiva, en la que nos interesamos en primer lugar por sus inicios como animador, puesto que nos consta que el actual director de animación se formó de manera autodidacta.En efecto, según cuenta Pablo: "Yo soy argentino, y mi familia no tenía muchos recursos, así que el hecho de plantearles que quería ser artista llevaba consigo la pregunta '¿de qué vas a comer?'. Era difícil, pero tuve la suerte de encontrar una oportunidad. Yo dibujaba desde que me acuerdo: mi madre pronto se dio cuenta de que si yo tenía un boli y un papel no me movía ni destrozaba la casa, y crecí con aquellos comentarios de 'qué bien dibuja el nene' que me hacía mi abuela, que me hicieron creer que yo era la ostia, y en aquel momento yo creía que un artista lo podía hacer todo: desde un cómic, hasta la capilla Sixtina pasando por el dibujo animado. Yo tenía formación de electromecánico, que me habilitaba para hacerme cargo de una cadena de montaje de automóviles por ejemplo, pero preferí irme del campo donde vivía a la ciudad, a Buenos Aires, para probar suerte. Y tuve la fortuna de encontrar un estudio donde necesitaban gente - porque no había gente por aquel entonces - y ahí fue donde me di el palo con la realidad de que de hecho no sabía nada. Entonces mi primer curro fue de entintador: cogía los dibujos de los animadores y los entintaba a Rotring, y así empecé... pero yo quería animar, quería estar en el tablero donde estaban ellos.
Es en este punto donde Pablo Navarro recuerda las dificultades que encontró en su aprendizaje: "La mayor dificultad que tiene el autodidacta es la lentitud con la que llega el conocimiento, y el hecho de que todo tienes que descubrirlo tú con mucha constancia y superando frustración tras frustración y teniendo el sentido común necesario para discernir, aunque en aquella época era más fácil porque el conocimiento venía mediante el boca a boca, preguntando a algún animador que te contaba alguna cosa, o con el poco inglés que sabía, comprando algún libro de animación, donde lo que estaba impreso sabías que era verdad. En cambio ser autodidacta hoy, como me pasa con muchos alumnos o gente que se quiere dedicar a esto, tiene el peligro de que empiezan a buscar en internet y hay tanta y tanta información y tanta opinión de gente que no tiene ni idea, que es difícil filtrar lo que es verdad de lo que no. Todo el mundo te da el secreto del universo, todo el mundo te da las llaves del reino.. incluso me ha pasado que alguna vez me han mostrado una caminata, donde los brazos estaban mal, se movían igual que las piernas y no había overlap, pero decían que lo habían sacado de un tutorial de un tío de Pixar. Resulta que este tío de Pixar lo hizo mal o se equivocó y no se dio cuenta y lo colgó, y hay un montón de gente copiando mal una caminata porque es de Pixar". Y es aquí donde el experimentado animador añade un sabio consejo para los animadores que empiezan:"Más que copiar, hay que saber el porqué de las cosas; si me preguntas cuáles son mis palabras preferidas te diré que son 'porqué' y 'cómo': con ellas siempre obtienes por lo general una respuesta interesante".


Como animadores o estudios de referencia, Pablo Navarro admite que de la época moderna admira mucho a Brad Bird; en cambio: "Cuando era pequeño mi referencia siempre fue Disney, al punto de que nunca me hice un tatuaje sabiendo que no podías entrar en la Disney si tenías tatuajes. Estamos hablando de que era el año 95 cuando empecé con esto con el primer trabajo que entinté, cuando la Disney estaba en una de sus épocas doradas y había sacado películas como 'La Bella y la Bestia', 'Aladdin', 'El Rey León'.. que eran el fruto de los consejos que aquellos viejitos llamados los Nine Old Men habían pasado a esa generación de animadores. Por tanto mis referentes son de la época clásica de Disney, en particular Frank Thomas y Ollie Johnston, y tengo mucho respeto a lo que hizo el Sr. Disney, porque sin él no existiría la animación como la conocemos: los principios los crearon ellos, más allá de los que critican a tanta princesita cantando. Una de las cosas que explico a mis alumnos muchas veces, cuando explicamos los métodos de animación y alguno dice que él no quiere aprender animación clásica sino animé, es que lo que no saben es que los japoneses sacaron el estilo del manga y del animé de 'Bambi', que fue la última película de Disney que pudieron ver antes del embargo a causa de la guerra, de modo que el tamaño de los ojos, la forma.. todo viene de 'Bambi'".

El caso es que no fue exactamente a Disney donde este cuidadoso animador fue a trabajar cuando dejó atrás sus inicios en Argentina como animador y supervisor de equipos para cine y TV, sino a Valencia para ejercer de director de animación de la película "El Cid: La Leyenda", de José Pozo, desde Toon Factory. Tras su experiencia allí estuvo realizando trabajos en Galicia, Barcelona y Madrid para echar raíces finalmente en la ciudad condal, desde donde ha continuado desarrollando su carrera trabajando tanto en publicidad como en diversos largometrajes europeos de animación, a algunos de los cuales hemos hecho referencia más arriba.
Por ello le preguntamos a Pablo si se hubiera imaginado trabajando en películas tan diversas y con tantos estilos diferentes de haber estado integrado en un gran estudio como Disney; ¿habrían sido muy diferentes las cosas? Según él: "Me pasó en cierta manera cuando estuve en el departamento de animación de Filmax, que cerró, y no sólo por el hecho de que haces colegas y les ves todos los días, sino por la retroalimentación de estar con más artistas y estar desarrollando no un estilo, pero sí una constancia del trabajo. Que es extremadamente opuesto a lo que pasa en publicidad, donde cada semana tienes que hacer algo distinto, y eso está bien pero te lleva a desear también algo de equilibrio".
"Cierto que al principio yo quería entrar en la Disney - añade nuestro interlocutor -, pero nunca me sentí suficientemente preparado para enviarles mi portfolio, y llegó un punto en que me tocó supervisar a gente que había trabajado en Disney o gente que venía de estudios potentes, y me decían que enviara. Y cuando finalmente envié cerraron el departamento de animación 2D y me quedó la espina clavada".
En cualquier caso, la experiencia le ha dado a Pablo Navarro la perspectiva suficiente para valorar que realmente no se ha perdido gran cosa: "Lo que pasa es que uno cuando empieza en la carrera muchas veces está encantado por lo que oye de que en Pixar les dan donuts cada día o tienen un gimnasio dentro.. y un colega me contaba '¿Sabes por qué tenemos un gimnasio en Pixar? Porque no sales en todo el día de Pixar. Vives allí dentro'. Mucho trabajo lo hay como en cualquier otra producción, aunque sea en un pequeño estudio. Lo que pasa es que uno idealiza, lo ve todo de color de rosa como se muestra en los making of, donde todo es fantástico y no aparece nadie dándote con un látigo en la espalda. Pero a lo largo de los años he currado con mucha gente, como Bill Perkins, jefe del departamento de animación de Disney, a quien un buen día le dijeron que se tenía que ir, algo feo; o Glenn King, que me reconocía: 'yo animaba, pero tenía a un equipo donde los animadores eran amigos de no sé quien pero no sabían nada, y yo tenía que llevarme su curro a mi casa cuando terminaba y hacerlo yo'. Así que me decía, os está pasando lo mismo que me ocurre a mí afuera, y yo creía que estábais en la meca, pero es la meca con los mismos problemas. Y encima sin poder de decisión. Entonces, he encontrado mucha más libertad, entre comillas, porque la animación no puede ser una democracia sino que tiene que ser una dictadura donde alguien tiene que decir lo que hay que hacer y cómo hay que hacerlo.
Así que Pablo concluye: "Quizás tener a Pixar o a Dreamworks en el currículum mola, pero hace dos o tres meses curré en una película, 'Middle School: The Worst Years of my Life', donde el estudio que me lo encargó era de Ken Duncan, que era animador de la Disney, y cuando estaba animando los planos me dijo que le molaban, y para mí aquello fue como si me hablara Superman, porque le admiro mucho; me comentó que le hubiera encantado que hubiera estado en su equipo en Disney. No estuve pero fue como si hubiera estado. Entonces, si hoy tuviera una oferta de Disney para trabajar allí y otra oferta de un estudio pequeño para trabajar en un proyecto que me interesara más, me iría al estudio pequeño".
Según Pablo: "Lo que importa es que si te contratan por lo que eres y por lo que sabes hacer, que te dejen hacer". En este sentido el animador recuerda un caso que le afectó en Barcelona, en el estudio Mariscal, donde fue contratado como director de animación durante la preproducción de "Chico y Rita", pero cuando quería organizar las cosas de cierto modo le decían que no, entrando según él lo recuerda "en un juego perverso en el que fui contratado por lo que sabía, pero no me lo dejaban hacer". "En muchos estudios pasa eso - añade Pablo - te contratan por lo que sabes hacer, pero luego no te lo dejan hacer. Y eso me pone loco. Si la película es de autor intento escapar, porque el autor te intenta utilizar como si fueras una extensión de su brazo y te pueden volver loco".


En su trabajo Pablo Navarro se ha podido desarrollar tanto en 2D como en 3D, y en este sentido también recuerda algunas dificultades con las que se ha podido encontrar intentando supervisar a equipos de animadores 3D: "Lamentablemente he caído en estudios que me han contratado porque era animador 2D y me han hecho la vida imposible precisamente porque era animador 2D. O te hablan de forma muy técnica: uno está hablando de movimiento y ellos están hablando de 4 grados en el eje Y, y al fin y al cabo ven la animación en ceros y unos, cuando no se debería. Te podría estar hablando cuatro horas contando historias de terror que han pasado en torno a eso". Según lo ve Pablo: "En general ocurre mucho que se toma la animación 3D como la evolución de la animación 2D, y es un medio absolutamente distinto: lo que percibe el espectador, cómo lo lee el espectador y lo que espera inconscientemente de un tipo de animación o del otro es distinto. A la hora de la performance que puedas hacer o del tipo de animación que puedas hacer es distinto. Ahora bien, los principios son los principios y lo rigen todo, y eso no cambia; lo que pasa es que el aspecto técnico mata lo que pueda hacer el animador o el director de animación: no se puede ver como ceros y unos". A este respecto añade el animador argentino: "Yo estoy especializado en mecánica animal y he estado con gente que está en ILM o que han hecho las criaturas de 'Avatar' y qué se yo, y les he explicado cómo enfoco el movimiento de una criatura, para lo que utilizaría comparativas y estudiaría la biomecánica para ver qué es lo que pasa, y ellos me dicen que no, que ellos han encontrado una forma de animar más directa en base al software o en base a las curvas de animación, y pasa lo que pasa: que ves que queda molón, queda resultón, pero, en el momento en que empiezas a rascar, los centros de gravedad no funcionan, ...lo que en una caminata es pérdida constante del equilibrio no se da, nada funciona en realidad. Es uno de los retrasos del 3D, que todo flota".
Pablo añade: "Yo he animado en 3DStudioMax, en Softimage y en algún otro software cuyo nombre no recuerdo, pero es tan cambiante todo que lo que aprendes hoy, al año siguiente es otro módulo y te lo tienes que volver a aprender; o vas a un estudio grande y está tan tuneado el software que te tienen que dar unas clases de cómo animar con eso. En definitiva, lo que vale es lo que tú sabes de animación, no lo que sabes del software, y para aprender animación y poder decir 'soy animador' son mínimo diez años.
Eso sí, Pablo quiere que quede clara una cosa en relación al 3D: "Que conste en acta que no estoy peleado con la animación en 3D, me gusta; lo que pasa es que he tenido malas experiencias con gente o equipos enteros que, intimidados por la experiencia que tenía o el medio del que venía, te refutaban todo lo que decías porque lo habías dibujado con líneas sobre un papel".

Es en este punto donde nos interesa conocer la técnica de animación de Pablo Navarro, que preconiza un método donde le gusta distinguir y aplicar al mismo tiempo técnica y psicología. Según Pablo: "Intento escaparme de fórmulas que dictan por ejemplo que si quieres hacer a un personaje que está triste le bajas la cabeza y le subes los hombros y ya está. La animación debe basarse en las palabras 'cómo' y 'porqué': el movimiento es una cosa, toda la técnica y los doce principios, que uno acaba usando de la misma manera que hace para respirar, se dirigen a que el movimiento sea fluido, que tenga el timing necesario, que sea creíble en cuanto a movimiento. Pero el movimiento es consecuencia de una emoción, nada más: o sea, si tras el personaje que estamos animando no podemos mostrar una emoción que le lleva al proceso mental que le lleva a moverse, hay algo que falla. Si nos fijamos en el movimiento nada más, hay una carencia; hay que buscar siempre en el plano o la secuencia de animación porqué el personaje está actuando de un modo determinado, qué le está pasando por la cabeza, qué emoción está sintiendo para actuar de ese modo. (...)Toda acción es a causa de una emoción o de un proceso mental, y si no tenemos eso en cuenta simplemente tenemos monigotes que se mueven, quizás de forma molona o cool, pero sin transmitirnos nada. Es increíble el cambio que da cuando se afronta un plano desde ese punto de vista, porque realmente estás comunicando algo a la audiencia, y estás logrando lo que hay que lograr con esto, que es la empatía de la gente, y la empatía lleva al entretenimiento".

Finalmente le preguntamos a Pablo Navarro por un proyecto propio que sabemos que tiene entre manos:
"Sí, estoy acabando el guión y armando un trailer. Lo que pasa es que es un proyecto en el que estamos implicados un guionista y yo, y lo hacemos en los ratos que tenemos libres, haciendo un poquito cada vez, un poquito cada vez.. y va lento. Hemos hecho algún pitch ante alguna productora que sabiendo de ello se ha mostrado interesada; pero es un proyecto para adultos, en el sentido de que es una historia adulta, no porque haya desnudos frontales, y enseguida se lo quieren llevar al target infantil proponiendo que el protagonista lleve un mono al hombro o que adopte un perro, y no es una historia de ese tipo. Algún día encontraremos a alguien que entienda y quiera el proyecto tal como es".

Así es pues Pablo Navarro, un artista con las ideas propias bien afianzadas que logra animar fantásticamente, como se puede ver en todas las películas y producciones publicitarias en las que ha participado. Esperamos de esta entrevista que os haya acercado un poco más a su trayectoria y a su modo de ver la animación.

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miércoles, 22 de marzo de 2017

Fox Animation desarrolla "The Memory Thief"

Fox Animation está desarrollando la adaptación a una película híbrida de imagen real y animación de la novela "The Memory Thief" (El Ladrón de Memoria) de Bryce Moore. La novela se centra en los gemelos de 12 años Benji y Kelly, que tras ver cómo discuten sus padres se adentran en la feria del condado, donde Benji se topa con un extraño anciano que le muestra los vívidos recuerdos de un piloto de combate; a partir de ese momento Benji se da cuenta de que la posibilidad de borrar recuerdos de sus padres podría ahorrarles discusiones, y pronto empieza a dominar cómo manipular la memoria de la gente, pero esa habilidad tendrá un coste para su familia y para su propia mente.
Adaptive Studios y 21Laps (Una Noche en el Museo, La Llegada, Stranger Things) se encargan de la realización de esta película, que contará como productores con Perrin Chiles y Marshall Lewy por parte de Adaptive Studios y Levy y Dan Levine de 21 Laps, bajo la supervisión de Nate Hopper y Rachel Yeung por parte de Fox Animation.


La próxima película de Fox Animation - a estrenar en diciembre de este año - es "Ferdinand", que adapta el libro infantil "The Story of Ferdinand" (1936) de Munro Leaf, en torno a la historia de un toro pacifista cuyo único deseo en la vida es oler la fragancia de las flores, y negarse a pelear cuando es llevado a una plaza de toros (y que ya fue adaptada por Disney en el corto "Ferdinand the Bull" de 1938). En este caso se trata de una película de animación en 3D desarrollada en los estudios Blue Sky y dirigida por Carlos Saldanha (La Edad de Hielo, Río) junto a Cathy Malkasian y Jeff McGrath, a partir del guión de Erica Rivinoja y Ian Southwood y la historia de Ellen Martin.


Por otra parte, entre los proyectos de Fox se encuentran también la película "Puff the Magic Dragon", la novela "Momotaro: Xander and the Island of Lost Monsters" de Margaret Dilloway,  la adaptación en un híbrido de animación e imagen real del libro "The Girl Who Drank the Moon" de Kelly Barnhill, la película de animación "The Dam Keeper" basada en el corto de Robert Kondo y Dice Tsutsumi, la adaptación del libro "Frogkisser!" de Garth Nix, una película basada en el libro infantil "The Littlest Bigfoot" de Jennifer Weiner y la adaptación de "Zita the Spacegirl" de Ben Hatke ,la adaptación de las novelas gráficas "Mouse Guard" de David Petersen, el libro infantil "The Royal Rabbits of London" de Santa Montefiore y Simon Sebag Montefiore, o "Fortunately, the Milk" de Neil Gaiman, la adaptación de la novela gráfica "Nimona" de Noelle Stevenson, dirigida por Patrick Osborne, la adaptación del libro "Confessions of an Imaginary Friend: A Memoir by Jacques Papier" de Michelle Cuevas o la de los libros de "Don y Doña" creados por Roger Hargreaves .

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martes, 21 de marzo de 2017

Tres proyectos españoles llamados a Stuttgart

Entre el 4 y el 5 de mayo se celebrará, dentro del 24º Festival de Cine de Animación de Stuttgart, el Animation Production Day. Se trata de un mercado para la producción y financiación de proyectos de animación que se ofrece como una plataforma para productores, inversores y distribuidores, y que incluye, además de un foro de reuniones individuales, una conferencia en la que ponentes de alto nivel son llamados a discutir sobre las nuevas tendencias y desarrollos en la industria de la animación. Al evento asistirán ejecutivos de ZDF, KiKA, SWR, MDR, HR, Super RTL, Turner, Disney Alemania, Disney EMEA, France Télévisions, BBC, Ketnet, WDR mediagroup, Beta Película, Koch Media, Technicolor, Cake, DHX, 9 Story Media Group, Sola Media, APC Kids, EastWest Filmdistribution, MFA + FilmsDistribution, Jetpack Distribution, Studio 100 e Imira, entre otros.
Un total de 45 proyectos de animación - el 40% de los cuales son crossmedia - procedentes de 17 países (Alemania, Francia, España, Reino Unido, Dinamarca, Finlandia, Noruega, Bélgica, Holanda, Polonia, Lituania, Bulgaria, Rumanía, Macedonia, Ucrania, Israel y Australia) han sido seleccionados para participar en el Animation Production Day de este año, distribuidos entre 29 proyectos de serie de TV, 14 proyectos de largometraje, un cortometraje y un proyecto transmedia. Se trata del primer año en que el evento recibe el apoyo de MEDIA, lo cual ha permitido aumentar el número de proyectos.

Los proyectos españoles seleccionados son tres series de TV procedentes de estudios de Barcelona:
  • "Puu&l, Way Up High" (52x11'), de Peekaboo Animation
  • Se trata de un cuento de magia y amistad que se desarrolla entre un niño, un cerdo genio, una nube melancólica y una criatura mágica caída del arco iris, que viajarán a través de los siete Reinos de Color Mágico del Arco Iris para vivir las aventuras más extrañas, combatir a los enemigos más temibles y derrotar a la oscuridad misma para encontrar el camino de regreso a la tierra oculta de donde proceden toda la luz y la magia.

  • "Sherlock Junior" (52x13'), de B-Water Animation Studio
  • Una serie de diversión y misterio que se desarrolla en la antigua atmósfera londinense, donde Sherlock es un inteligente, intrépido y valiente niño detective que resolverá casos emocionantes con la inestimable ayuda de sus amigos Penny, una chica inteligente y poderosa, y Sam, un chico fuerte pero de cálido corazón.

  • "Under the Sofa" (52x7'), de Teidees Audiovisual
  • Serie en 2D digital donde tres objetos perdidos y olvidados - una galleta mordida, una antigua foto y una figura de juguete - y una mota de polvo viven juntos bajo un sofá abandonado en un ático de Barcelona. Moji, María, Borra y Laroid son unos outsiders con unas vidas nada aburridas que superan el olvido con su pasatiempo favorito: contar en las redes como auténticos Youtubers lo que les gusta hacer y cómo lo hacen.

La Conferencia que se celebrará en la tarde del 4 de mayo empezará con una visión sobre el futuro de la VR y la animación a cargo de Stephan Schindler, presidente de Virtual Reality e.V. Berlín-Brandenburgo, que seguirá con las aportaciones de Sol Rogers, fundadora y CEO de REWIND, y una presentación por parte de Sara Diamond, de Google Spotlight Stories. A continuación se hará una mirada a dos proyectos de largometraje: "Loving Vincent", de Breakthru Films, y la coproducción china "The Dumpling Queen", de MovieBrats Pictures. A ello seguirá una sesión de briefings donde Jackie Edwards de BBC Children’s, Astrid Plenk de MDR, Nadine Bernard de Ketnet y Alix Wiseman de 9 Story Media Group explicarán sus estrategias de programación, y se finalizará con la presentación de la iniciativa "Animation Germany", dirigida a fortalecer la competitividad y la presencia internacional de la industria de la animación alemana.

lunes, 20 de marzo de 2017

Llega un bebé bien trajeado

El 12 de abril se estrena "El Bebé Jefazo" de Dreamworks Animation, una desternillante comedia familiar sobre la repercusión que tiene en el hogar la llegada de un nuevo hijo, contada desde el punto de vista de un un niño de 7 años llamado Tim, dueño de una imaginación desenfrenada. El singularísimo Bebé Jefazo llega al hogar de Tim en un taxi, luciendo un traje, maletín en mano y hablando con la voz de Alec Baldwin. La rivalidad que surge entre los dos hermanos queda, a regañadientes, a un lado cuando Tim descubre que el Bebé Jefazo es en realidad un espía en misión clandestina y secreta y que sólo él puede ayudarle. A continuación, tiene lugar una estrafalaria aventura cuando los diminutos socios se disponen a frustrar una ruin trama que incluye una épica batalla entre mascotas y niños.
Inspirada en el bestseller ilustrado de Marla Frazee, esta alocada comedia para todos los públicos cuenta en su versión original con las voces de Alec Baldwin como el Bebé Jefazo; de Steve Buscemi como el infame Francis E. Francis; de Jimmy Kimmel y Lisa Kudrow, que dan vida a los inocentes padres de Tim y del Bebé Jefazo; de Miles Bakshi como Tim, y de Tobey Maguire, que es el narrador de la película.


El director Tom McGrath (Madagascar, Megamind) recuerda cómo el libro le tocó la fibra sensible en cuanto cayó en sus manos. “Me recordó mi infancia y la dinámica de mi propia familia, algo que al instante puso a mi imaginación en una quinta marcha alocada, pensando en lo fantástico que sería ampliar el libro hasta convertirlo en un largometraje”. “Al guionista, Michael McCullers, y a mí nos entusiasmó inmediatamente la metáfora central del libro: qué ocurre cuando llega un bebé y se apodera de tu casa”. Como el libro de Frazee solamente se centra en el Bebé Jefazo y sus padres, la sensación de McGrath era que la película tenía que introducir a un hermano mayor. La idea consistía en que la película se narrase desde el punto de vista de un niño que tiene un hermano pequeño, añadiendo a la mezcla el interesante y universal elemento de la rivalidad fraterna. Tim es un niño feliz de siete años que tiene unos padres que le adoran y que al principio es hijo único, pero cuando le dan la noticia de que va a tener un hermano menor, no le entusiasma demasiado tener que compartir el amor y el tiempo de sus padres, mientras que al Bebé Jefazo tampoco podría importarle menos su hermano mayor. Pero, más adelante, acaban necesitándose y ayudándose mutuamente.


El bebé jefazo trabaja para una compañía llamada Baby Corps, y es enviado a espiar a la gente para averiguar lo que quieren niños y padres. La competencia de Baby Corps es Puppy Co., una agencia presidida por el perverso Francis E. Francis, donde nuevos y adorables cachorros son creados para que el mundo los ame. Francis E. Francis quiere crear un arma secreta llamada el Cachorro Eterno, una criatura que vivirá eternamente para ser siempre amada, pero para ello necesita la fórmula secreta que mantiene jóvenes a los niños de Baby Corp.
Uno de los elementos clave que diferencia a esta película es su singular estilo visual: a McGrath y a su equipo les entusiasmaba crear un mundo de fantasía que invitase a los espectadores a introducirse en un entorno artístico que sólo pudiera ser creado en la animación, y que supusiera una vuelta al mundo elástico y propio de la historietas, tan característico de los grandes clásicos. El director creció con los clásicos de Chuck Jones y Bob Clampett y vio la oportunidad de recuperar la magia que la animación de la vieja escuela podía plasmar en dos dimensiones, aunque llevándola mucho más lejos gracias a la moderna tecnología de la creación por ordenador. El resultado es que los personajes pueden comunicar gran parte del argumento a través de expresiones y actuaciones de un modo que la animación no había podido hacer en el pasado, pero de un modo distinto del duro gráfico bidimensional que vemos en la televisión. La fascinación de McGrath por la era de los clásicos de la animación y artistas como Mary Blair ejerció una enorme influencia en cómo el equipo incorpora la animación 2D en sus diseños y efectos visuales.


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viernes, 17 de marzo de 2017

Ilion se asocia a la división de animación de Skydance

Deadline ha publicado que la compañía estadounidense Skydance ha formado una división de animación y ha alcanzado un acuerdo de asociación para varios años con el estudio madrileño Ilion Animation con vistas a producir varios largometrajes y también series de TV.
El primero de los proyectos que se contempla es una película aún sin título y con guión de Linda Woolverton (Alicia en el País de las Maravillas, Maléfica, La Bella y la Bestia, El Rey León) que se estrenaría en 2019. Su historia gira en torno a Elian, una adolescente que se convertirá en adulta al tener que utilizar sus poderes mágicos para defender a su familia cuando la oposición de las fuerzas de la luz y de la oscuridad amenace con crear una división en su reino. Woolverton será también productora junto a David Ellison y Dana Goldberg por parte de Skydance e Ignacio Pérez Dolset y José F. San Román por parte de Ilion.
Una segunda película se titulará "Luck" y arroja una mirada sobre las organizaciones que secretamente manejan la buena y la mala suerte de las personas. El guión en este caso está escrito por Jonathan Aibel y Glenn Berger (responsables de la trilogía "Kung Fu Panda" y de "Trolls") y la película estará igualmente producida por David Ellison y Dana Goldberg por parte de Skydance e Ignacio Pérez Dolset y José F. San Román por parte de Ilion.


La productora Skydance ha estado durante mucho tiempo ligada a Paramount - la compañía para la que Ilion está ultimando la película "Amusement Park" - cofinanciando y coproduciendo sus proyectos, y hace poco ha lanzado también divisiones para TV y realidad virtual. Ayer anunciaba su nueva división de animación, lo que según el CEO de Skydance David Ellison hace realidad una de sus mayores pasiones, que asegura que junto a Ilion van a poner a los creativos más visionarios, las mejores dotes para la producción e innovaciones tecnológicas al nivel más alto al servicio de grandes historias.
La creativa jefe de Skydance, Dana Goldberg, que supervisará la producción de animación, ha añadido que las posibilidades de crear nuevos mundos imaginarios son ilimitadas y que están ilusionados por expandir la familia de Skydance al incluir a Ilion y a algunos de los artistas con más talento que hoy trabajan en animación.

jueves, 16 de marzo de 2017

Primer trailer de "Early Man"

El estudio Aardman y StudioCanal (La oveja Shaun) han lanzado hoy el primer teaser tráiler de la película "Early Man", que Vértice Cine estrenará en España el año que viene bajo el título "Cavernícola". Se trata del próximo film del creador de Wallace y Gromit, Nick Park, que recrea rodando en stop motion una aventura prehistórica.


La sinopsis de la película es la siguiente:
Dug, humano, y Hognob, jabalí, son los protagonistas de esta nueva aventura de Aardman en la que dos civilizaciones, la de la Edad de Piedra y la de Bronce, compiten por hacerse hueco en la historia (mientras que por casualidad inventan el fútbol). Dug y Hognob tendrán que ayudar a su tribu, sorteando con gracia y astucia múltiples peligros y derrotando al malvado Lord Nooth para no perder su hogar.


Los estudios han dado a conocer también el casting completo de la película, donde Timothy Spall, Richard Ayoade, Selina Griffiths, Johnny Vegas, Mark Williams, Gina Yashere, Simon Greenall y Richard Webber se unen al reparto encabezado por los actores Eddie Redmayne (La teoría del todo), Tom Hiddleston (Thor) y Maisie Williams (Juego de Tronos).
Según Nick Park: "vamos a conocer a la tribu de Dug, un adorable grupo de inadaptados a quienes ponen voz excepcionales talentos británicos. Son esencialmente un grupo de hombres de las cavernas ineptos y de mujeres. Entre ellos Treebor, interpretado por Richard Ayoade, un gigante apacible que se asusta de su propia sombra; Magma, la madre de Treebor, no se anda con chiquitas, pone su voz Selena Griffiths, y Mark Williams interpreta a Barry, cuyo mejor amigo es una roca. El jefe Bobnar, interpretado por el brillante Timothy Spall, encabeza el pelotón, como líder es la figura paternal de una tribu de brutos idiotas"


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Masaaki Yuasa dirige nueva serie de Devilman

Masaaki Yuasa (Mind Game) dirige desde su estudio Science Saru una nueva serie para Netflix basada en el manga "Devilman" de Go Nagai, de quien pronto se va a cumplir el 50º aniversario como creador. Bajo el título "Devilman Crybaby" se estrenará en primavera del año que viene en 190 territorios, doblada a 9 idiomas y subtitulada en otros 25.


Aniplex y Dynamic Planning producen el proyecto, que cuenta con guión de Ichiro Okouchi (Code Geass: Lelouch of the Rebellion, Valvrave the Liberator) y la participación de Eunyoung Choi como productor de animación.
La historia se desarrolla en torno a Akira Fudo, quien tras escuchar a su mejor amigo Ryō Asuka contar que los demonios reclamarán el mundo de los humanos decide combinar su cuerpo con el de un demonio ante la evidencia de que los humanos no tienen ninguna oportunidad ante el poder de aquéllos. Así se convierte en Devilman, un ser con el poder de un demonio y el corazón de un humano.
Go Nagai vio publicado el manga en 1972 y en el mismo año se estrenó una serie de anime basada en el mismo, a partir de los cuales se han desarrollado más de una docena de spinoffs, crossovers, y remakes en forma de mangas, OVAs, series y hasta una película de imagen real.
A continuación podéis ver el primer teaser de la nueva serie:


Masaaki Yuasa se encuentra especialmente activo, puesto que recordemos que hace poco se dio a conocer que se encuentra trabajando también en un par de largometrajes de animación - tras haber pasado 13 años desde su celebrada "Mind Game" - que se estrenarán el 7 de abril y el 19 de mayo de este mismo año, tituladas respectivamente "Yoru wa Mijikashi Arukeyo Otome" (traducible en algo así como La Noche es Corta, Sigue Caminando Chica) y "Yoake Tsugeru Lu no Uta" ("Lu on the Wall").

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Las escuelas catalanas se enfrentan en Plançó

El próximo viernes 17 de Marzo a las 20h, dentro de Mecal y en colaboración con 3DWire, se proyectarán los trabajos de animación finalistas de la segunda edición del Plançó, un concurso abierto a los estudiantes de escuelas y universidades catalanas, que han podido presentar cortometrajes, anuncios publicitarios, videoclips o commission films que estén animados al menos en un 80% y realizados con posterioridad al 1 de enero de 2016. En ese mismo acto se decidirá qué trabajo resulta ganador tras la votación del público asistente a la proyección, y la pieza ganadora recibirá como premio el viaje, alojamiento, manutención y acreditación para una persona para la próxima edición de 3D Wire, en octubre de 2017.

Las piezas finalistas son las siguientes:
  • A BAD SLEEPING, de Lisard Cabarroques Guillem (L’Idem Barcelona)
  • Corto en 2D sobre las disputas de un murciélago y un pájaro carpintero que comparten el mismo árbol.

  • AL COMPÁS, de Alex García, Julián Lobo-Guerrero, Mayra Pomaquero, Gustavo Vejarano y Adriana Quizhpi (Universitat Pompeu Fabra de Barcelona)
  • Corto en 3D donde Fausto y Elisa son dos jóvenes amantes que ansían estar juntos para siempre y para conseguirlo tendrán que romper las reglas del fascinante y misterioso mundo en el que viven.

  • ANIMAL RESOURCES, de Xavier Brunet Bravo (ECIB, Escola de Cinema de Barcelona).
  • Corto en 2D que se desarrolla en una gris oficina donde tres empleados que se odian se disputan un puesto en las altas esferas de la empresa, esperando la llegada del ascensor que conducirá a uno de ellos a la jungla de los ejecutivos. Son como animales reprimidos y la tensión se masca en el ambiente: en cuanto se abran las puertas solo podrá quedar uno.

  • CHAIR, de Ludwig Camarillo y Cristal Buemi (BAU Centro Universitario de Diseño de Barcelona)
  • Corto en stop motion sobre la idea de cómo percibimos e interpretamos lo que vemos, a través del uso de una silla.

  • DESCOBREIX LES JOGUINES ÒPTIQUES, de Rosario Megia Moreno (EASD Serra i Abella)
  • Vídeo explicativo en el que Oswald the Lucky Rabbit y Georges Mèliés nos muestran los juguetes ópticos, importantes precursores del cine.

  • EPIKA, de Andrea Daia Benyei Peco, Aina Araújo Barcelo, Laia Baldevey Quilez, Eduardo Hernández Escobar y Damian Segura Alcaraz (Universitat Pompeu Fabra Barcelona)
  • Una épica batalla en 3D entre humanos y dioses donde Alexandre, domador de los mares, va a tener que enfrentarse a un terrible monstruo marino que aterroriza a su pueblo, pero este no va a ser el único peligro que se va a encontrar en esta aventura entre la realidad y la imaginación.

  • LA FOLIE, de Ricard López Iglesias (EASD Pau Gargallo)
  • Mediante stop motion se narra cómo la locura y lo absurdo de la guerra harán que el gran pintor Pablo Picasso cree el Guernika, pese a que el proceso por el que llegará a la idea final no será nada fácil.

  • LA GRIETA, de Lula Gómez y Jordi Piulachs (La Academia de Animación)
  • Corto en stop motion donde un niño que vive en una terrible rutina encontrará un día la manera de escapar, y el mundo ya no será lo que era.

  • LIVIN ON A FLY, de Lula Gómez y Jordi Piulachs (La Academia de Animación)
  • En stop motion cuenta la vida de una mujer que después de ingerir accidentalmente una mosca genéticamente alterada, sufrió una alteración en su ADN que la convirtió en la mujer-mosca. Desde entonces, intenta ocultarlo y seguir con su vida norma, a pesar de que no siempre es fácil.

  • ROGER, de Sonia Cendón, Sara Esteban, Arnau Gòdia, Ingrid Masarnau y Martí Montañola (ECIB escola de cinema de Barcelona)
  • Roger Bowtie es el protagonista de una serie de acción animada en stop motion que tras un accidente en un rodaje queda fuera de la serie y es sustituido. Olvidado en un rincón donde se acumulan los personajes y material descartados se encuentra con alguien que le ayudará a ver las cosas de otra forma para averiguar juntos la manera de poder volver a actuar.

  • THE FLIGHT OF THE RAVEN, de Sílvia Vicente Barris (L’idem Barcelona)
  • Corto en 2D donde un prisionero en su celda juega a yo-yo con su culpa para liberarse de la carga que esta representa, hasta que sucede algo que hace que vuelva a aflorar de nuevo la violencia que lleva en su interior.

  • UNSEWN, de Romina León Martií, Santi Mejías y Rodrigo Samayoa (BAU Centro Universitario de Diseño de Barcelona)
  • Corto en stop motion donde Ione, una niña alegre y curiosa, aprende a coser al lado de su madre, hasta que con la inesperada visita de una mariposa y la extraña reacción de su madre, descubrirá algo que jamás hubiera imaginado.


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miércoles, 15 de marzo de 2017

"Darkmouth", nuevo proyecto de Alcon Entertainment

David Pimentel, director de historia de "Vaiana" y story artist de "Big Hero 6" y de "Cómo Entrenar a Tu Dragón", y Douglas Sweetland, director de la película de Warner Bros. Animation "Cigüeñas" y experimentado director de animación o animador en películas de Pixar como "Monstruos S.A.", "Cars", "Los Increíbles" o "Toy Story", han sido fichados por Alcon Entertainment para dirigir una aventura fantástica de animación titulada "Darkmouth", a partir de un guión de Lloyd Taylor que adaptará la colección de libros del escritor irlandés Shane Hegarty.


"Darkmouth" se desarrollará en torno a un chico excesivamente entusiasta que abarca más de lo que puede apretar cuando decide implicarse prematuramente en el negocio familiar, que es, nada más ni menos, que la caza de monstruos.
La película estará producida por Simon Brooks de Canyon Creek Films y Kira Davis y Craig Peck de 8:38, junto a Andrew Kosove y Broderick Johnson de Alcon, que recibió el proyecto de los primeros.
La colección de libros de Shane Hegarty incluye los títulos "Darkmouth: The Legends Begin", "Worlds Explode" y "Chaos Descends".
Alcon Entertainment es una compañía de producción de películas principalmente de imagen real la mayoría de las cuales han sido distribuidas por Warner Bros. Sin embargo parece ser que últimamente está desarrollando proyectos de animación: de hecho, comentamos el año pasado que esta misma compañía se ha hecho con los derechos para producir varias películas de animación basadas en las tiras cómicas de "Garfield", con la participación de Jim Davis como productor ejecutivo; y también está desarrollando, a partir de su división de TV,  una serie de animación original para Amazon titulada "Pete the Cat", basada en la serie de libros del escritor e ilustrador James Dean.

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martes, 14 de marzo de 2017

La animación vuelve con fuerza al Mecal

Hoy da inicio la 19ª edición del del Mecal - Festival Internacional de Cortometrajes y Animación de Barcelona, que se desarrollará principalmente en el Centre d'Arts Santa Mònica, pero también en la Fábrica Moritz y en los Cinemes Girona.


De entre las secciones oficiales a competición nos interesa la de Animación, dentro de la cual se proyectarán unos 49 cortometrajes de autores procedentes de varios países y en los más variados formatos. La competición, que se presenta dividida en seis sesiones, ofrecerá celebrados trabajos como "Before Love" de Ygor Kovalyov, "Made in Spain" de Coke Rioboó, "Une Tête Disparait" de Franck Dion, "Caminho dos Gigantes" de Alois di Geo, "Love" de Réka Bucsi, "Blind Vaysha" de Theodore Ushev, "Celui qui a deux âmes" de Fabrice Luang-Vija, o "Cavalls Morts" de Anna Solanas y Marc Riba. Este año además se separa por bloques - animación o ficción - la sección competitiva Obliqua, destinada a propuestas especialmente arriesgadas, personales o creativas, y se distinguen dos sesiones dedicadas a la animación, donde se podrán ver hasta 17 cortometrajes entre los que se encuentra "Decorado" de Alberto Vázquez.
El festival ofrece también distintas secciones paralelas en las que la animación también tiene su lugar, como la sesión Trash Anim, donde se proyectarán hasta 13 cortometrajes caracterizados por su espíritu irreverente, gamberro, transgresor o gore, y que demuestran que la animación es capaz de abordar múltiples temáticas sin limitarse a las de target infantil; allí encontraremos por ejemplo el trabajo "Amor de Mono" de Trimono, o "Inverted Peak", de los hermanos McLeod. Por otra parte, también en las secciones paralelas del apartado Ficción hay un rinconcito para algunas piezas animadas, tanto en las sesiones SCI-FI, como en Terror, Públic Jove, Ultraviolència - donde se proyectará el corto "Happy End" de Jan Saska, que estuvo preseleccionado para los Oscar -, el especial de sexo Pluja Daurada, y también en Immigrants Digitals y obviamente en las sesiones infantiles, donde los más jóvenes podrán disfrutar de hasta 19 cortos de animación.
Igualmente no hay que perderse aquellas secciones dedicadas al país invitado en Focus Hungría donde la animación también es protagonista: concretamente las secciones Actualitat, donde podrán verse entre otros trabajos, algunas piezas de Réka Bucsi y de Péter Vácz; así como la sesión dedicada al Kecksemét Animation Film Festival; y desde luego la Retrospectiva de Ferenc Rofusz, un animador con un estilo muy personal que revolucionó la animación introduciéndole la cámara subjetiva y que ganó el Oscar al Mejor Cortometraje de Animación en 1981 por A Légy (‘Una Mosca’), pero a pesar de ello a menudo se vio arrinconado debido al fuerte control por parte del régimen comunista húngaro.


Dentro de las actividades paralelas particularmente dedicadas a la animación hay que mencionar la Jornada MEDIA de Animación y Videojuegos en colaboración con CED MEDIA Catalunya y 3DWire, que se celebrará el próximo jueves 16 de marzo y a la que ya hemos hecho referencia en este blog. La jornada albergará las presentaciones de diferentes proyectos de animación y videojuegos en desarrollo: la serie de animación ‘Monsters Valley’ de Ciervo Alto; el proyecto transmedia  ‘Mironins’ de Cornelius Films, Grupa Smaznego, Peekaboo Animation y Wuji House; en cuanto a los proyectos de videojuego se presentarán ‘Narita Boy’ de Koba Studio y ‘Yokai Sword’ de Chloroplast Games. Además se ofrecerá un espacio de networking para los profesionales del sector y la masterclass ‘Distribución de contenidos y PR en la era digital’ por Marcin J. Sobczak de This Way Publicity (Polonia).
El día siguiente, viernes, se organiza por segundo año y de nuevo en colaboración con 3DWire el Concurso de Piezas de Animación de Escuelas Catalanas - Plançó, donde se proyectarán los trabajos finalistas para que el público asistente decida cuál es la obra ganadora. La premiada recibirá el viaje, alojamiento, manutención y acreditación para una persona para la próxima edición de 3D Wire, en octubre de 2017, una gran oportunidad ya que este es el mercado profesional más importante de España, con lo que cuenta con una gran repercusión tanto a nivel nacional como europeo. Posteriormente a la proyección, se celebrará un encuentro de netwoking entre estudiantes y profesionales de la animación.
Por otra parte, Mecal inicia una nueva etapa junto al Festival NonStop Barcelona Animación para articularse como Movimiento Internacional del Cine de Animación, lo que significa que, por primera vez, ambos festivales colaboran estrechamente en la confección de un variado y amplio cartel de actividades para la semana que Mecal dedica a la animación. Con una veintena de invitados, entre nacionales e internacionales, dos mesas redondas, cuatro talleres, dos master class, una conferencia, una retrospectiva, la presentación de un libro, cuatro sesiones de proyecciones, así como dos encuentros entre quienes se inician en el mundo de la animación para que puedan mostrar sus proyectos a consolidados profesionales, NonStop y Mecal buscan acercar la animación a un público cada vez más plural.
NonStop Barcelona Animación da su pistoletazo de salida hoy martes 14 de marzo a las 18h, con la mencionada retrospectiva dedicada a Ferenc Rofusz. En los días siguientes se podrá disfrutar de eventos como ‘Acting in traditional Animation, master class a cargo de Pablo Navarro’, que tendrá lugar el viernes 17 a las 17h y en la qué el reconocido director de animación y senior character animator, que ha trabajado para estudios como Filmax, Patagonic o Mariscal Studios, desgranará el proceso del acting en el mundo de la animación. Por su parte, el sábado 17 a las 19h, Aya Suzuki desarrollará la master class ‘Miyazaki, Satoshi Kon Chomet, entre bastidores’, en la que esta artista, que trabaja para Paramount y que ha colaborado en películas como la nominada al Oscar "El viento se levanta", del propio Miyazaki, desgranará para el público los entresijos del trabajo de estos dos reconocidos directores japoneses.
Respecto a las mesas redondas, en ‘Migrar para trabajar’, que se celebrará el sábado 18 de marzo a las 12h, Pablo Navarro, Nacho Doctor y Lourdes Villagómez debatirán acerca de cuáles son los países que ofrecen buenas oportunidades laborales dentro del mundo de la animación. Mientras que el domingo 19 a las 17h, en ‘Mujeres en la animación’, Chelo Loureiro, Lourdes Villagómez y Lula Gómez, expondrán ante el auditorio cuál es el peso real y qué papel juega el rol femenino dentro de este sector.
El sábado 18 a las 17h, Adrián Encinas presentará su libro "¡Bien hecho, Gromit!", con motivo del 40 aniversario de Aardman Animation, en el que hace un recorrido por las cuatro décadas de vida del estudio de animación en plastilina más importante del mundo, responsable, entre otras, de las oscarizadas "¡Piratas!" y "Wallace & Gromit: la maldición de las verduras". Además, NonStop programará una sesión dedicada exclusivamente a la proyección de cortometrajes de este estudio.
Las jóvenes promesas de la animación tendrán la oportunidad de mostrar sus trabajos ante un grupo de reconocidos productores y expertos internacionales en el Elevator Pitch, donde seis proyectos podrán ser expuestos por sus autores en cinco minutos y los dos mejores serán los elegidos para asistir al MIFA, el Mercado del Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, que se celebra en Francia.

Se pueden consultar todos los detalles de proyecciones, actividades y horarios en la web del Festival Mecal.

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