martes, 31 de octubre de 2017

"El Caso de Hana y Alice" en DVD y Blu-ray

Las películas "Hana y Alice" y "El caso de Hana y Alice" de Shunji Iwai estarán disponibles en DVD y Blu-ray a partir del 8 de Noviembre, fecha en que también podrán verse en alquiler y VOD.
Ambas ediciones (DVD y Blu-ray) son formato Digipack e incluirán:
- La película de acción real "Hana y Alice" de Shunji Iwai.
- La película de animación "El caso de Hana y Alice" de Shunji Iwai.
- Una entrevista al director Makoto Shinkai ("Your Name") de 27 minutos.
- Libreto exclusivo de 20 páginas con información sobre las películas.


Casi diez años después del gran éxito conseguido con "Carta de Amor", en 2004, Shunji Iwai sorprendió a la crítica internacional con "Hana y Alice", una pequeña comedia adolescente cuyo origen estaba en unos anuncios televisivos rodados para celebrar el 30 aniversario de las chocolatinas Kit Kat. Protagonizados por dos chicas, estos pequeños cortometrajes causaron sensación en Japón, y tal fue el revuelo que Iwai decidió trasladar los personajes al largometraje y darles una historia propia. Así nació "Hana y Alice", una de las comedias románticas japonesas más celebradas de la última década, además de ser la película que lanzó a la fama a la actriz Yu Aoi, quien ganó el premio a Mejor Actriz en los Japanese Professional Awards por su papel, y que dos años más tarde se confirmaría como uno de los rostros más importantes del cine japonés con "Hula Girls".
Hana (Anne Suzuki) y Alice (Yu Aoi) son dos amigas a punto de empezar el instituto. Cuando Alice se enamora perdidamente de un chico llamado Masashi, Hana intenta ayudarla para que puedan estar juntos, pero a la vez ella también se ve atraida por el chico. Un día Masashi se da un golpe en la cabeza y empieza a sufrir amnesia, momento que Hana aprovecha para convencerle de que es su novia y Alice es su ex. A partir de ese momento, un divertido y enrevesado triángulo amoroso pondrá a prueba la amistad de Hana y Alice.


En 2015, once años después del estreno de "Hana y Alice", Shunji Iwai decidió recuperar a los personajes para contar una nueva historia sobre ellas, aunque esta nueva historia no sería una secuela de la primera película, si no que sería una precuela, y además, se rodaría en animación rotoscópica, aprovechando el éxito que en ese momento estaba teniendo la versión manga de los personajes, creada por el artista Dowman Sayman. Por supuesto, para las voces de las dos protagonistas volvió a contar con las actrices originales Yu Aoi y Anne Suzuki. "El caso de Hana y Alice" fue nominada al premio a Mejor Película en el prestigioso Festival de Animación de Annecy, y ganadora del Premio del Público en el Fantasia IFF de Montreal.
La sinopsis de la precuela es la siguiente: Tras la separación de sus padres, Alice se muda con su madre a un nuevo pueblo donde tendrá que empezar de cero en el colegio. Al serle asignado el asiento de un antiguo alumno llamado "Judas", del que se dice fue asesinado el año anterior, los demás alumnos empiezan a meterse con ella y ningunearla. Para descubrir el misterio detrás de la desaparición de "Judas" tendrá que preguntar a la única persona que sabe qué le ocurrió: una chica que vive encerrada en su casa, cuyo nombre es Hana.


El DVD o Blu-Ray pueden solicitarse en preventa en la tienda online de Mediatres Estudio, con la posibilidad de conseguir un 20% de descuento si se introduce el código promocional PVHYA.

Características técnicas DVD
Packaging: Digipack 3 palas + Funda
PVP Recomendado: 23.95€
DVD DISCO 1:
- “El caso de Hana y Alice” (2015, Japón, 110 min)
- Idiomas: Castellano 5.1, Català 5.1, Japonés 5.1
- Subtítulos: Castellano, Catalán
- Extras (VOSE): Entrevista a Makoto Shinkai (27’)
DVD DISCO 2:
- “Hana y Alice” (2004, Japón, 135 min)
- Idiomas: Japonés 2.0
- Subtítulos: Castellano

Características técnicas Blu-ray
Packaging: Digipack 3 palas + Funda
PVP Recomendado: 28.50€
BLU-RAY DISCO 1:
- “El caso de Hana y Alice” (2015, Japón, 110 min)
- Idiomas: Castellano 5.1 DTS HD, Catalán 5.1 DTS HD, Japonés 5.1 DTS HD
- Subtítulos: Castellano, Catalán
- Extras (VOSE): Entrevista a Makoto Shinkai (27’)
BLU-RAY DISCO 2:
- “Hana y Alice” (2004, Japón, 135 min)
- Idiomas: Japonés 2.0
- Subtítulos: Castellano

Dos grandes del anime desvelan futuros proyectos

Esta semana ha abierto con dos informaciones relativas a los próximos proyectos de dos nombres consolidados en el mundo de la animación procedente de Japón, como son Hayao Miyazaki, que recuperó las ganas de realizar películas de animación el año pasado, y Keiichi Hara, cuyo último trabajo fue "Miss Hokusai" (2015).
El director de Studio Ghibli Hayao Miyazaki anunció el sábado el título de su nuevo y último largometraje, que se titulará "Kimi-tachi wa Dō Ikiru ka" (How Do You Live?). El título se basa en el de la obra homónima (1937) del escritor Genzaburō Yoshino, que se desarrolla en torno a un joven llamado Koperu y su tío, y a través del crecimiento espiritual de Koperu, le sirve al autor para discutir cómo vivir como seres humanos, configurando una historia de gran significado al parecer de Hayao Miyazaki.
El realizador tiene previsto completar la película en tres o cuatro años. Recordemos que tras un tiempo en que se había hecho valer el anuncio de que Miyazaki no realizaría más trabajos de animación, el director volvió al ruedo para trabajar en el cortometraje "Kemushi no Boro", pensado para ser proyectado en el Museo Ghibli, y que constituirá su primera obra en 3D. Además trascendió en agosto del año pasado que Miyazaki no estaba satisfecho con limitarse a un corto y que había decidido realizar también un largometraje; para ello, incluso había decidido empezar a trabajar y a elaborar un storyboard en julio,  a pesar de no haber recibido aún la luz verde del productor Toshio Suzuki. En cualquier caso, en mayo de este año se había iniciado un proceso de reclutamiento de animadores con la idea de empezar a trabajar en el largometraje en octubre, y hasta ahora no se conocía aún el título de la película.
En el programa de televisión ‘Nichiyobi Bijitsukan’, el productor Toshio Suzuki reveló hace un tiempo el motivo del celebrado regreso de Miyazaki: "Él me dijo que lo estaba haciendo por su nieto. Que quería que dijera algo como ‘mi abuelo ha pasado al otro mundo, pero me ha dejado este trabajo".


Por otra parte, el director Keiichi Hara (Colorful, Summer Days with Coo, Miss Hokusai) reveló el viernes pasado en el 30º Festival Internacional de Cine de Toquio que su próxima película va a ser una aventura fantástica protagonizada por una chica. Según el realizador, la protagonista de su nuevo trabajo correrá aventuras en otro mundo, de modo que se va a tratar de la primera película completamente fantástica de Hara, que ya está trabajando en el storyboard y prevé tener la película terminada el año que viene.



viernes, 27 de octubre de 2017

Animación mexicana para asustar

Paycom Cinema estrenará el 17 de noviembre bajo el título “La Isla de los Monstruos” el largometraje mexicano "Isla Calaca" (2017), una divertida película que trata temas como la búsqueda de la identidad y la aceptación de uno mismo.


La película gira en torno al joven Lucas, que queda horrorizado cuando descubre que no es realmente un humano. Especialmente desde que su primera transformación en monstruo sucedió delante de los niños más populares del colegio. Después de culpar injustificadamente a su padre de mantener su identidad en secreto, Lucas huye de su casa enfadado y avergonzado. Su búsqueda de la Isla de los Monstruos y de sus verdaderas raíces, lo llevará a un viaje fabulosamente aterrador en el que aprenderá que ser un monstruo no es monstruoso, significa ser miembro de un nuevo grupo, al que puede llamar con orgullo su familia.
Dirigido por Leopoldo Aguilar, a partir de un guión de Billy Frolick y Alicia Núñez Puerto, se trata del largometraje más reciente de Ánima Estudios, la compañía de animación más importante de México, donde la película se estrenó el pasado 15 de septiembre. Hecha en animación 3D, "La Isla de los Monstruos" es una historia con comedia y acción cuyos monstruos no tienen características alusivas a los entes del imaginario mexicano, al ser una película pensada para algo global. Eso ha permitido que pueda ser vendida a varios países, Inglaterra, Corea y China, donde por vez primera unaa producción de Ánima será proyectada en cines. Narrativamente es una historia que camina mucho sin ubicarla en un lugar de México, puede ser cualquier sitio del mundo y eso ya le da otra cara a la producción.
Productora del regreso de Don Gato y su pandilla al cine, Ánima Estudios ha producido también la saga de Leyendas incluyendo "La llorona", "Las momias de Guanajuato" y "El Chupacabras", que han atraído globalmente a cerca de 20 millones de espectadores en México.





jueves, 26 de octubre de 2017

Cars 3 en DVD, Blu-ray y plataformas digitales

Disney•Pixar lanzará "CARS 3", la tercera película protagonizada por el campeón Rayo McQueen, en formatos DVD y alta definición (Blu-ray™, Blu-ray™ 3D y Steelbook®) el próximo 15 de noviembre. En plataformas digitales (Itunes, Google Play, Wuaki.tv, Nubeox, X-Box Live y Playstation Store) estará disponible a partir del 3 de noviembre para compra y desde el 15 de noviembre para alquiler.
En la nueva entrega, que recaudó en menos de dos meses desde su estreno más de 6 millones de euros en nuestro país y que han disfrutado más de 1.2 millones de espectadores, el legendario campeón Rayo McQueen y su entrenadora, Cruz Ramírez, se unen para lograr vencer a una nueva y competitiva generación de corredores. Podéis leer nuestra crítica de la película aquí.


Los seguidores de la saga podrán disfrutar, junto al equipo de "CARS 3", de divertidos y numerosos extras como el mini-film “Escuela de Pilotos de la Señorita Fritter”, protagonizado por la reina del Crazy 8, o de cómo el entrenamiento de los pilotos reales de carreras influyó en los directores de la película.
Los contenidos extras serán distintos según el formato:

BD3D:

  • Lou: Cuando un matón roba los juguetes a sus compañeros en el recreo, solo una cosa se interpone en su camino: la caja de juguetes perdidos “Lost And Found”.

BD:

  • Lou: Cuando un matón roba los juguetes a sus compañeros en el recreo, solo una cosa se interpone en su camino: la caja de juguetes perdidos “Lost And Found”.
  • Escuela de Pilotos de la Srta. Fritter: Los testimonies que se pasaron por alto de los corredores de la Crazy 8 y el impacto que la Escuela de Pilotos de la Srta. Fritter tuvo en sus vidas.
  • Comentando Cars 3
  • Listo para la carrera: Olivia Rodrigo, de Disney Channel, y William Byron, piloto de la NASCAR, visitan el campus Hendrick Motorsports para enseñarnos cómo son los entrenamientos de los pilotos y cómo influyeron en los directores de la película.
  • Cruz Ramírez: El coche amarillo que pudo. El desarrollo del personaje de Cruz Ramírez fue una de las partes más importantes de la película. El equipo trabajó duro para enriquecer su historia.

DISCO DE CONTENIDOS EXTRA STEELBOOK:

  • Volvámonos locos: Lea DeLaria se instruye sobre el mundo de los derby de demolición.
  • Minicars: Un vistazo a los más del 1.000 diseños únicos que comprenden el universo de Cars.
  • Generaciones: la historia de Cars 3. El desafío que supuso la nueva imagen de Rayo McQueen para el equipo..
  • Mi primer coche: Una colección de historias narradas por el elenco de actores de “Cars 3”.
  • Legendario: Un repaso a las historias de las leyendas Wendell Scott y Louise Smith, cuya tenacidad y perseverancia les llevaba a la pista de carreras incluso cuando no corrían.
  • Los carteles más rápidos del mundo: Pestañea y te perderás todos los carteles y gráficos que el equipo de Pixar diseñó para hacer el mundo de “Cars 3” lo más creíble posible.
  • Escenas eliminadas: Introducción a las escenas eliminadas de la mano del director Brian Fee.
  • Un anticipo de Cars: Montaje de piezas originales para promocionar "Cars 3."
  • Trailers de Cars 3
  • Desvelamos Cars: Piezas animadas para promocionar a los personajes de “Cars 3”.
  • Descubriendo el set

A continuación podéis ver algunas de las escenas eliminadas que se incluyen como extras. En la que sigue, Sterling llevaba más allá de lo que finalmente se vio en la película su descofianza hacia las posibilidades de recuperación de Rayo McQueen, y directamente estampaba su número de carreras en la joven Cruz Ramirez. Es una escena que habría añadido bastante dramatismo a la película, y sin duda habría marcado la relación entre Rayo y Cruz Ramirez.


Otra de ellas incluía un baile de Cruz Ramirez en la secuencia del entrenamiento en la playa, que por contra habría incluido un elemento cómico.



Ficha técnica:
Título Original: Cars 3
Año: 2017
País: EEUU
Director: Brian Fee
Guión: Brian Fee, Ben Queen, Eyal Podell, Jonathon E. Stewart (historia original)/ Kiel Murray, Bob Peterson, Mike Rich (guión)
Música: Randy Newman
Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures
Presupuesto: 175 millones de dólares

Entradas relacionadas:
Cars 3 (10 de julio 2017)

miércoles, 25 de octubre de 2017

La nueva película de Kenji Kamiyama en DVD y Blu-Ray

La película "Ancien y el Mundo Mágico" de Kenji Kamiyama estará disponible a partir del 8 de noviembre en DVD y Blu-Ray, así como en alquiler y VOD.


Presentada en España en la Sección Oficial Competitiva ANIMA'T del SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya de este año  y estrenada en salas de cine el pasado 20 de octubre, "Ancien y el Mundo Mágico" es la nueva película de animación del director Kenji Kamiyama, quien saltó a la fama gracias al apoyo de su mentor Mamoru Oshii al darle las riendas de la serie "Ghost in the Shell: Stand Alone Complex". Años más tarde, y de la mano de Production IG, logró el reconocimiento internacional con "009 Re: Cyborg", en la que ya demostraba la gran valía que ha confirmado con "Ancien y el Mundo Mágico": grandes personajes femeninos, múltiples realidades, y una mano firme a la hora de mezclar historias fantásticas con punzantes reflexiones sobre la sociedad actual japonesa. Podéis consultar nuestra crítica de la película en el enlace.
Situada en el año 2020 y a sólo tres días para la inauguración de los Juegos Olímpicos de Tokio, la película cuenta la historia de Kokone, una joven estudiante que, además de ayudar a su padre viudo con las tareas de la casa, tiene que esforzarse por mantenerse despierta cada día en clase. En sus sueños siempre se convierte en la joven princesa Ancien del reino mágico de Corazonia, defendido por los fantásticos Motoroides de los ataques del terrible Coloso. Pero muy pronto la linea que separa el sueño de la realidad empezará a difuminarse, más cuando su padre es secuestrado por unos hombres misteriosos y Kokone tenga que embarcarse en una aventura para descubrir el verdadero pasado de su familia.
Tanto la edición en DVD como en Blu-ray incluyen un libreto de 20 páginas con información y bocetos de la película, además de 3 postales a todo color, y ya están disponibles en preventa en la tienda online de Mediatres Estudio, y se pueden conseguir con un 20% de descuento introduciendo el código promocional PVANCIEN.

Información relacionada
Fecha Lanzamiento:
Alquiler, Plataformas Digitales y Venta: 8/11/2017
Animación / 2017 / Japón / 110 min. aprox.
Apta para todos los públicos.

Características técnicas DVD
Idiomas: Castellano 5.1, Catalán 5.1, Japonés 5.1
Subtítulos: Castellano, Catalán
Formato: 1:78:1, PAL.Zona 2, Color
PVP Recomendado: 18€

Características técnicas Blu-ray
Packaging: Estuche con funda o-card
Idiomas: Castellano 5.1 DTS HD, Catalán 5.1 DTS HD, Japonés 5.1 DTS HD
Subtítulos: Castellano, Catalán
Formato: 1080 24p, Zona B, Color
PVP Recomendado: 22,50€


Entradas relacionadas:
Ancien y el Mundo Mágico (19 de octubre 2017)
Entrevista a Kenji Kamiyama (11 de octubre 2017)

Entrevista a Nikotxan

Uno de los asistentes a la última edición del 3DWire fue Carlos Gómez Nicolás, más conocido por muchos como "Nikotxan" y como creador de Cálico Electrónico y recientemente de la serie "Pesame Street". En una de las entrevistas más divertidas del evento, Nikotxan nos habló de su trayectoria y de las series que le han hecho popular.


Fuiste uno de los iniciadores en España de la animación de series en Flash. ¿Cómo llegaste a pensar en la potencialidad que podía tener esta herramienta para crear webseries?
Pues hace como 1500 años yo era diseñador e ilustrador para agencias de publicidad de Barcelona, y un día apareció un colega del estudio que nos enseñó una página web - en un momento en que las páginas web eran como páginas del 'Hola', con texto y unas fotos - en que salían unos rombos moviéndose y cambiando de forma y un tío bailando... y flipamos. Nos explicó que eso era Flash y me vine arriba con ello, porque siempre me había gustado la animación, pero hasta entonces la animación era 3D, y yo era más de dibujar, y la animación tradicional no me encajaba porque se necesitaba mucha gente, y yo era uno solo; sí que uno solo puede envenenarse a tumba abierta y hacer un corto él solo en animación tradicional que le llevará toda la vida, pero yo era más práctico, y Flash era para mí.
Un día después de eso, nos encargaron un trabajo y le propusimos treinta animaciones de una mascota. Y llegamos al estudio y aprendimos Flash, y ví que se me daba más o menos bien. De este modo, aprendí a pegar tiros desde la trinchera. Las cosas de animación que te enseñan en las academias, como las repeticiones y el squash-stretch, y todo eso lo veía claro viendo películas y clips de animación, poniendo el Quicktime frame a frame.. y así empecé. Era la época bastante boom de internet, de hacer intros animadas y esas cosillas, y así empecé a hacer proyectos con Flash e hicimos bastantes cosas.

Así fue como fuiste llegando a Cálico...
Un buen día vi una animación de Puka Club que estaba de puta madre y que estaba realizada en Flash, lo que me indicaba que se podía hacer algo guapo con Flash y hasta se podía hacer una serie. También vi "Happy Tree Friends" y pensé, si esta gente puede hacer una serie, yo también. Entonces recuerdo que antes de llegar a Cálico, una productora de Miami nos encargó una animación de Mia Club y la hice en plan cine negro de detectives, con música jazz, tormentas.. y todo eso, y la hice muy cinematográfica, utilizando Flash, y ya se me metió en la cabeza hacer una serie.
Pero no fue hasta que Manuel Muzas, el primo de mi cuñada, me propuso hacer un banner para su página, que era Electrónica Web. Hice el banner y me comentó también que la gente que le hacía un pedido en la web a veces se perdía, por lo que le propuse también hacerle una mascota que ayudara a la gente a hacer un pedido correctamente; fue así como me inventé a Cálico Jack. Le gustó y pidió "vamos a hacer más cosas", y ya dije "Tate, vamos a hacer una serie". Así fue como la mascota de Electrónica Web se convirtió en un superhéroe y tomó el nombre de Cálico Electrónico, y me propuse hacer capítulos para una serie que explicaba que todos los problemas los arreglaba Electrónica Web. Creé una webserie sin pensar que se llamaba así; entonces la llamaba web cartoon o cartoon web.. E hice un branded content sin saber que era un branded content, al vincular Electrónica Web como un elemento o un personaje de la serie.
Siempre en cada capítulo Cálico Electrónico se enfrentaba a un enemigo y perdía, y entonces acudía a Electrónica Web y allí le daban el producto que necesitaba; entonces solucionaba sus problemas y allí acababa. En un principio iban a ser capítulos de un minuto, pero Cálico me poseyó en todos los sentidos y nos venimos arriba cuando el capítulo tres empezó a funcionar y el capítulo cinco, el de la ladrona, fue un boom. A partir de ahí se creó el fenómeno. El primero de ellos tuvo cinco mil visitas y la serie generó en webs de contenidos tipo Yonkis, El Rellano, etc, multitud de links que venían a la página.

¿Todavía hoy te piden que resucites a Cálico?
Sí, muchos me insisten, pero Cálico de momento se fue a descansar, tras once o doce años. Ya hicimos cuarta y quinta temporada y no funcionó como debía funcionar mínimamente una serie en Youtube. Lo hacíamos más por morriña. Y en el último capítulo de la quinta temporada, un capítulo, además, de nueve minutos que ya hice en buena parte pagándolo yo como algo que les debía a los fans y que me debía a mí mismo y a Cálico, le permití que pudiera despedirse como era debido. Ese fue el último capítulo de Cálico hasta ahora, de momento.
Algo puede que pase con Don Ramon y Perchita porque yo creo que son dos personajes que pueden funcionar hoy en día,  y aunque Cálico ya quedó como la leyenda, también generó varios spin-offs: uno con los niños mutantes - "Teenage Mutant Brother Agents" -, otro con los huérfanos electrónicos, un capítulo de Lobo Hombre que no fue a más... y también "Rumbarola". Cada personaje era un mundo capaz de generar spin-offs y mucho más.


Más recientemente te hemos visto desarrollando proyectos para Átomo Network: "Mad Dinner", "Super Épico" y "Las Crónicas Troll" ¿Cómo surgieron estos proyectos?
Bueno, hace ya dos o tres años. Resulta que José Carlos García de Letona y Fernando de Fuentes - de Ánima - se pusieron en contacto con nosotros porque querían hacer la película de Cálico en un momento en que yo tenía overbooking y estaba colapsado de proyectos, y tampoco lo veía claro porque yo consideraba que si había que hacer una película de Cálico yo debería tener control absoluto del personaje, y ellos se proponían hacerlo allí en México con sus medios y .. no sé qué habría pasado, pero en aquel momento no me pareció viable. Tenía que llevar mis proyectos, tenía que llevar el estudio .. y si me ponía con la película no podría ponerme con nada más.
Entonces nos quedó el contacto y la amistad; y cuando me puse a hacer la cuarta temporada de Cálico me puse en contacto con ellos para sondear si les seguía interesando hacer el largometraje. Éste ya no les interesaba, pero sí que estaban pensando en abrir Átomo Network y necesitaban series para alimentar el canal; y es cuando me propusieron hacer algo y les propuse "Super Épico", que en un principio debía ser una serie con realidad aumentada que al final del capítulo permitiera capturar algo con el móvil que llevara a adquirir bonus o puntos y con ellos permitiera pelear con enemigos.. en una suerte de Pokémon Go!, un año antes de que existiera, pero con luchadores. Finalmente el presupuesto se les fue de las manos y lo que se pudo hacer fue una serie para internet con un solo locutor, que se podía doblar al inglés fácilmente, y personajes de Youtube.. pero personajes de cuando la hice: el caso es que se estrenó al cabo de dos años, y ya entonces existían Steven Universe, Gumball... que eran los que lo petaban. En cambio en aquel momento yo pensé en Lara Croft, Chuck Norris, Sonic.. y recuerdo que algunos los planteé según el estreno de cine, como fue el caso de Drácula, que coincidía con el estreno de "Dracula Untold".
Por su parte, "Mad Dinner" lo hicimos un año o seis meses antes de su lanzamiento. Me dieron los personajes y me dijeron invéntate algo: Yo les propuse inspirarme en mi vida, y concretamente en mi nevera (aún no era vegano, así que tenía de todo) y que girara sobre cosas siempre relacionadas con lo que puede ocurrir en la nevera: que se deshiele, que abras la puerta rápido y se suicide la mayonesa.. A mí me contrataron porque podía darle un tono irreverente a las animaciones y el primer guión que les propuse me lo censuraron: era el Ketchup suicida, y suicidio y niños no cuadraba muy bien.
"Crónicas Troll" era la manera de mezclar la animación con el fenómeno de los Youtubers. Yo había visto alguna serie ya donde el Youtuber era el personaje animado y ponía la voz, como Luzu, realizada por los de Steak Animation, que son unos cracks. Pero yo quería alguna manera para meter al Youtuber en sí dentro de la serie, y fue así como se planteó en las Crónicas Troll. Y funcionó, y quedó abierta por si quieren una segunda temporada.

Pésame Street supone cierto cambio de registro en cuanto incorpora cierto elemento pedagógico en torno a la filosofía vegana y es un proyecto propio.
De concienciación más bien. Y sí, es un proyecto mío totalmente personal que surge de que hace poco más de tres años decidí dejar de consumir productos de origen animal - lo que implica no sólo no comer productos de origen animal, sino también no adquirir pieles, ni ir a un circo donde se utilicen animales, ni a un zoo.. todo lo que sea no colaborar en la explotación animal del planeta. Sabía que debía hacer algo pero necesitaba un año para calmarme, porque es un cambio bastante heavy en la vida de uno; no siendo aún bastante consciente de que el mes anterior todavía consumías carne, ves a la gente de repente comiendo carne y dices que están cometiendo una bestialidad. O por Segovia ves el cadáver del cochinillo ahí como reclamo y te entran escalofríos... lo que me lleva a recordar el dicho que dice que en España la palabra matanza hace que salive la gente.
Así que tardé un año en decidir cómo hacerlo hasta que al final decidí hacer el primer capítulo, "El Toro Torito", cuyo animatic provocó que mi pareja acabara llorando.. ¡y era el animatic! Me di cuenta de que el humor es un camino genial para llegar a la gente y concienciar de cosas que no quieren ver. Todo el mundo quiere reírse, a todo el mundo le gusta el humor, pero nadie quiere ver el vídeo de cómo degüellan a un ternero; y eso sigue ocurriendo, aunque mires para otro lado. Me he concienciado de que con la animación, en primer lugar, puedo llegar a ellos porque entonces sí quieren mirar, y en segundo lugar les haces abrirse y sentir.. y de reír a llorar es un paso. Como yo digo: lo contrario de reír no es llorar, es no sentir. Así que cuando la gente está riendo, como lo vi cuando pasé aquí en Segovia "El Toro Torito" el año pasado, luego puede seguir un silencio sepulcral y hasta una lagrimilla, y el desconcierto de qué ha pasado. La gente me decía "estaba riendo y en veinte segundos estaba llorando ¿cómo has hecho eso?".
Yo ya he visto todo lo que tenía que ver de mataderos y de maltrato y no quiero ver más. Hace poco salió un documental buenísimo llamado "Tauromaquia" que muestra lo que ocurre de verdad, pero la gente no quiere ver eso, no quiere pasar un mal rato. Prefieren ser tontos felices: no quiero saber lo que ocurre, pero prefiero comer mi cochinillo, beber mi leche de vaca y esas cosas... y no me vengas con violencia. "Pésame Street" es una manera de informar; soy consciente de que no puedo convencer a nadie de nada sin que me manden a la mierda, pero me he dado cuenta de que mucha gente, si tiene la información adecuada, que es lo que me pasó a mí, puede tomar sus decisiones de cambiar o no. No soy un 'veguinazi' para nada - aunque lo fui en un principio y me di cuenta de que no sirve para nada - pero puedo hacer que tomes conciencia de las decisiones que adoptas. Y con "Pésame Street" eso está funcionando de manera brutal.
Tampoco quiero que cada capítulo sea reír-llorar; hay capítulos que son sólo de reír u otros que son más ecológicos o más de fábula, pero quiero que todos incorporen información o algo que se quede en la gente y que antes no sabía. La industria de la carne no es cruel, es que no tiene ningún tipo de sentimiento, que es peor todavía que ser cruel, y esa información es la que quiero que llegue a la gente.


¿Trabajas en todos los casos tú los guiones?
Principalmente lo hago yo todo, aunque de vez en cuando tengo colaboraciones. Por ejemplo, Daniel Tejerina me estuvo ayudando con la música, y ya han salido un par de capítulos explicándolo.. También con Keunam, que salía en "Tu Cara me Suena Todavía" haciendo interpretaciones imitando a Shakira, con Korah, con Maydawa - para el último capítulo del gato - y tengo más colaboraciones: ahora voy a hacer el capítulo del azúcar otra vez con Korah y el siguiente será un rap con Pablo Nicasso, que es un Youtuber y tiene un grupo, y por ideas y ganas tengo treinta capítulos en la cabeza por hacer.

¿Y el hecho de ponerlo en Patreon significa querer darle bastante continuidad?
Sí, es la única manera. Yo lo estrené pensando en Youtube, pero me di cuenta que ahí o haces algo semanal o algo más periódico o no funciona; es una red social donde lo único que hay son vídeos. Y me di cuenta de que en Facebook funciona mucho mejor: allí tengo 18000 suscriptores y pico, casi 19000 - mientras que en Youtube tengo 9000 y poco - y los videos han logrado un alcance de un millón de personas y 160.000 visionados, además de que tengo multitud de comentarios, se crea polémica, la gente habla.. y me ha pasado algo que no me pasaba desde Cálico, que es que la gente me escribe para darme las gracias. Es algo que me ha sorprendido, y no todos son veganos.
Y una vez que tuve Facebook asentado me planteé lo de iniciar un Patreon, porque este ya es un camino de largo recorrido; ya me di cuenta de ello cuando hice algún que otro crowdfunding. Es un trabajo, no diario, pero sí de al menos un día a la semana para hablar con la gente de Patreon, crear recompensas, etc. Pero mira, en una semana ya llevo 512 dólares, unos 450 €, y no me esperaba que fuera tan bien en tan poco tiempo, teniendo en cuenta que no son todos familiares míos. Incluso hay patreons que han puesto dinero y ni siquiera querían la recompensa de agradecimiento, sino tan sólo que siga haciéndolo.

¿La serie que has realizado para Retorna - Retorno al Futuro - también entra en este ánimo de concienciación?
Sí, aunque esto fue antes de "Pesame Street"y no se me propuso a raíz de ella. Contactaron conmigo con la idea de hacer algo para volver a instalar la idea de devolver el casco, puesto que está demostrado que es mucho mejor. De la idea de retornar salió "Retorno al Futuro", porque además recordaba que cuando era pequeño ya se hacía esto de devolver los cascos de vidrio y te daban algo a cambio. Sí que es verdad que en principio quería que fuera algo más tipo "Rick and Morty", pero ellos lo querían algo más light, aunque también me dejaron manga ancha.
En principio este año que viene habrá segunda temporada e igual esta vez sí que es más "Rick and Morty". Lo que me interesa en todo caso es también dar información y que cada capítulo tenga su enseñanza en relación al hábito de devolver los cascos, algo que en Valencia creo que ya está implantado prácticamente.

¿Qué hay en cuanto a proyectos de futuro?
Ahora estoy centrado con Pésame y lo otro son curros de servicio que van saliendo o de carácter interno.


Agradecemos a Nikotxan su atención, y felicitamos a esta leyenda de las webseries que hoy en día pone su talento en hacer un esfuerzo de concienciación sobre temas que, como mínimo, merecen un debate. ¡Mucha suerte!

Entradas relacionadas:
La sombra de Nikotxan es alargada (6 de noviembre 2016)

martes, 24 de octubre de 2017

Buenos resultados de MIP Junior y MIPCOM para la animación española

Los mercados de contenidos y entretenimiento MIP Junior y MIPCOM que se han celebrado entre el 14 y el 19 de octubre en Cannes (Francia), han propiciado un gran encuentro de la industria de la televisión en el que no han faltado las compañías españolas, muchas de ellas reunidas bajo el sello Animation from Spain, la marca de ICEX creada para favorecer la internacionalización de empresas españolas dedicadas a la animación. Ánima Kitchent, Baleuko, Ficción Producciones, Imira Entertainment, Motion Pictures, Pausoka Entertainment, Planeta Junior, Peekaboo Animation, Rokyn Animation, TV3, TVE y Zinkia han formado parte de la representación peninsular en Cannes.

La distribuidora y productora Imira Entertainment, nominada este año a los Cartoon Tributes en la categoría de Distribuidor del Año, ha cerrado un acuerdo con Nickelodeon International, del grupo Viacom International Media, para la distribución de la serie coreana "Zelly Go" de Dream Factory Studio en más de 150 países de Europa, Oriente Medio, África, Latinoamérica y Asia. Se trata de una comedia en torno a un grupo de pequeños hombrecillos azules obsesionados con las gominolas y a sus esfuerzos para hacerse con la gran máquina que las contiene. Según el CEO de Imira, Sergi Reitg, la serie encaja perfectamente en los contenidos de la compañía - que alcanzan ya más de 150 títulos - y contiene todos los elementos necesarios para convertirse en un éxito internacional.


Igualmente Imira presentó una nueva producción propia en marcha, "Mondo Yan" (52 x 12'), en torno a las aventuras de tres héroes adolescentes - Xiá, un bravo samurai muy poco preparado para la vida corriente; Abril una guerrera loca por el baile; y Paí un roedor patoso - elegidos para defender el Maravilloso Mundo Yan, que se eleva sobre los edificios de una civilización desaparecida, tras haber roto el equilibrio de la naturaleza. También llevó al encuentro las series "Cam & Leon" (117 x 3' y 39 x 7'), de Giggle Garage, sobre dos camaleones que vivían fantásticamente como mascotas hasta que se perdieron, y ahora deben sobrevivir en mundo abierto; "Badanamu Cadets" (52 x 11'), de Calm Island; y tres series del grupo Toonz Media, al que pertenece: la serie científica "Darwin & Newts" (40 x 11') coproducida con WhiteBait Media; "Smighties" (78x 7'), coproducida con Herotainment; y "Sinbad and the 7 Galaxies" (26 x 11'), coproducida con Huhu Studios.


Por otra parte, Imira también se ha beneficiado de la venta a Netflix de la serie "Bat Pat" (52 x 11') - producida por Imira junto a Atlantyca Ent., Rai, TVE y Mondo TV - para España y Latinoamérica; así como de la adquisición de un paquete de series por parte de Telefónica para Perú y Ecuador, y de otro por parte de la plataforma chilena VTR; la venta a la brasileña Globosat de las series preescolares "Hogie the Globehopper" (52 x 11') de Lil Critter Workshop y "YoYo" (52 x 7') de Showlab; y el acuerdo con Discovery para la película "Bunyan & Babe" de Toonz & Exodus Film Group. Asimismo Imira ha vendido a la alemana Super RTL la segunda temporada de "Lucky Fred" (104 x 12'), que aquélla produce junto a Telegael y Toonz Media Group; a Telecom Italia las tres primeras temporadas de "Larva", del estudio coreano Tuba; y a Ion Media Entertainment, de EEUU, una opción sobre la serie "Sandra, Detective de Cuentos" (52 x 13').

Netflix anunció la adquisición de ‘Cleo & Cuquín’, la serie de animación producida por la española Ánima Kitchent, junto a Televisa, MAI y Selecta Visión. La serie basada en la familia creada por los Estudios Moro - que se hiciera famosa con su célebre canción "Vamos a la cama" - recupera a la Familia Telerín con una imagen renovada y un acompañamiento de nuevos formatos: videoclips musicales, un 'app' que ayudará a los padres a acostar a sus hijos, libros y otros desarrollos para plataformas digitales y redes sociales.
Además, Ánima Kitchent también llegó a acuerdos para ‘PINY, Institute of New York’ (52×11’), la serie basada en las muñecas Pin y Pon, realizada en coproducción con Famosa Animation, que se ha emitido ya en España, Portugal, Francia, Italia y Rusia. ‘PINY’ llega a Reino Unido con ITV Studios Global Entertainment.


Por cierto, el estudio madre de Ánima Kitchent, Ánima Estudios, junto a SLR Productions, Home Plate Ent. y Telegael, aseguraron la distribución internacional, vía Bejuba! Entertainment, de la comedia de animación "Teenage Fairytale Dropouts" (52 x 11'), rebautizada en virtud del acuerdo como "Awesome Magical Tales". La serie se desarrolla en un reino mágico donde un trío de inadaptados amigos adolescentes tratan de abrirse camino en el tramposo mundo de los Fairytale Estates: Jeremías, hijo del gigante de Jack y las Habichuelas Mágicas; Furia, hija de la Hada de los Dientes; y Trafalgar, uno de los varios sobrinos de Merlín.


Por su parte, el estudio barcelonés Kotoc, Planeta Junior y Giochi Preziosi presentaron su nueva serie de animación en 3D en torno a los "Gormiti" (52 x 11'), el popular juguete que lleva ya vendidos más de 500 millones de muñecos desde su lanzamiento en 2005. La serie sigue a cuatro chicos cuyos sueños de convertirse en héroes se hacen realidad cuando encuentran el Templo de los Elementos y se embarcan en la aventura de defender Gorm frente a los esbirros de Obscurio. Con la ayuda de Aoki, que les entrenará, los cuatro chicos dominarán los Brazaletes Elementales, invocarán a los legendarios Gormiti y salvarán su mundo.


Por otro lado, Motion Pictures anunció nuevas ventas de los nuevos episodios de "Pumpkin Reports" a los canales de Nickelodeon del Sur de Europa, a los norteamericanos Starz TV y PRIMO, así como a la plataforma HBO. Motion Pictures también se encuentra en proceso de producción de la serie ‘Mya Go’ con los irlandeses Piranha Bar y la coproducción de RTVE, y llevó la serie a Cannes.
Por parte de Peekaboo Animation, Iván Agenjo presentó "My Little Heroes", seleccionada para una sesión del evento ‘Pitch Your IP’ de MIPJunior. Se trata de una propiedad basada en una colección de biografías ilustradas de personajes célebres (Darwin, Einstein, Marie Curie, Gaudí, etc.) que las muestran narrando su vida desde la infancia hasta la edad adulta, contadas de forma animada y agradable.
Por otra parte, la serie "Yoko" (52 x 11') de Wizart Animation, Somuga y Dibulitoon Studio se ha vendido a Nick Jr. para Italia, a BBC Kids de Canadá, a Sun TV Network, Canal Panda, ETV (Estonia), y las rusas CTC y O!.


Clan emitirá los nuevos episodios de 'Pocoyó', según el acuerdo firmado en el MIPCOM celebrado la pasada semana en la ciudad francesa de Cannes. Se trata de la cuarta temporada, que estrenará próximamente el canal infantil de RTVE. Los nuevos capítulos de "Pocoyó", serie de animación dirigida al público preescolar producida por Zinkia Entertainment, llegarán pronto al canal infantil Clan de RTVE. La productora ha alcanzado un acuerdo con la televisión pública para la emisión de los 26 episodios que conforman la última temporada, la cuarta desde el lanzamiento de la producción en 2005. La cadena se convierte así en la primera televisión en apostar por este contenido.
"Pocoyó" es una serie preescolar llena de oportunidades para jugar y aprender con el pequeño Pocoyó y sus amigos, en un mundo en el que colores, formas y música crean un lenguaje visual muy atractivo para los más pequeños. La serie de animación Pocoyó tiene una esencia didáctica y divertida. La curiosidad de su joven personaje, acompañado de sus inseparables amigos, Nina, Elly, Pato, Loula, Pajaroto, Pulpo, Pajarito y Valentina, entre otros, genera multitud de historias que entusiasman a los pequeños.
RTVE también ha adquirido la segunda temporada de la serie "Jaime Tentáculos" (52 x 11'), de la francesa Samka Productions. Jaime es un príncipe extraterrestre procedente el planeta Blurb, de dónde tuvo que huir escapando de los malvados Vloks, otra especie alienígena que planeaba comérselo. Una vez en la Tierra, tuvo que camuflarse como un niño humano gracias al disfraz que le cosió su madre y buscó refugio en el hogar de los Walsh, donde se hizo amigo del niño Erwin, que pronto descubrió su secreto.


Entre las adquisiciones de TV3 se cuentan la serie "The Sisters" (52 x 11') de Samka Productions y Bamboo Productions, basada en la serie de libros y cómics homónimos que han vendido más de 1,6 millones de copias en cinco años y se han traducido ya a diez idiomas, y la serie preescolar "Kody Kapow" (52 x 11') de Zodiak Kids. "The Sisters" es una comedia en torno a la vida diaria de dos hermanas, de 7 y 13 años, con personalidades bastante temperamentales y opuestas, que deben compartir el mismo techo. Y "Kody Kapow" sigue a un aspirante a superhéroe amante de las artes marciales que se pasa el verano con su familia en un pequeño pueblo de China, aprendiendo viejas lecciones sobre la responsabilidad, la paciencia y la perseverancia.




lunes, 23 de octubre de 2017

El anime del Salón del Manga de Barcelona

El Salón del Manga de Barcelona será una gran ocasión, una vez más, para asistir a la proyección de interesantes propuestas de anime, algunas de las cuales no se han estrenado todavía comercialmente en España. En el auditorio del Palacio de Congresos (Palacio 5) tendrán lugar las proyecciones de largometrajes japoneses, encuentros de destacados autores con sus fans y otros espectáculos, que serán posibles gracias a la colaboración de Crunchyroll, Selecta Visión y Yowu Entertainment. Aparte de una sesión especial de anime de robots centrada en la franquicia Mobile Suit Gundam y otro especial en torno a "Monster Musume", el miércoles 1 de noviembre empezará fuerte con la proyección de las películas "Your Name" (2016), de Makoto Shinkai, y "A Silent Voice" (2016) de Naoko Yamada. La primera consituye el gran éxito del año pasado, que se convirtió en la cuarta película con más recaudación de la historia de Japón y la cuarta película de habla no inglesa con mayor recaudación del mundo, superando los 355 millones de dólares. Y la segunda, todavía no estrenada en cines, está llamada a ser la sucesora de la anterior en cuanto a éxito y por el tipo de película, emotiva al extremo; se trata de un drama de adolescentes que adapta el manga de Yoshitoki Oima, donde Shoko, una chica sorda que de niña sufrió bullying en su escuela, se encuentra con que Shoya, uno de los chicos que más se metió con ella, vuelve en su busca años después arrepentido por lo que hizo y dispuesto a pedirle disculpas.



El Salón celebrará los 100 años de animación japonesa, un evento que se expresará no sólo a través de la exposición que se les dedicará especialmente, sino también a través de las proyecciones en el auditorio. El jueves 2 de noviembre será ocasión, en este sentido, para un repaso de openings y endings de la animación japonesa y para la proyección de la película "Perfect Blue" (1997) del gran Satoshi Kon, que contará con la presencia de Masao Maruyama, fundador del estudio MAPPA. El mismo jueves ofrecerá una mirada a diversas series de anime distribuidas por Selecta Visión (18IF, Drifters, Assassination Class Room, Jojo's Bizarre Adventure: Phantom Blood, Sagrada Reset) y Yowu Entertainment (Adivina como puedas, Divina Juventud, El mágico libro de Zero, Clockwork Planet, Fukumenkei Noise), así como un especial anime de robots centrado esta vez en Patlabor y un debate en torno al mundo de Slayers.
La celebración de los 100 años de animación japonesa continuará el viernes 3 de noviembre con la proyección de "La Tumba de las Luciérnagas" (1988) de Isao Takahata. Asimismo habrá lugar para un avance de "Yokai Watch: La Película" , que se estrenará en salas el 10 de noviembre llevando a los fans de la serie a un viaje temporal en el que descubrirán el origen del reloj Yokai. Junto con el avance se proyectará la película "Gatos. Un Viaje de Vuelta a Casa" (2016), que adapta la historia de gatos callejeros más famosa de Japón, contada a través de la serie de novelas cortas "Rudolf to Ippaiattena" ("Rudolf y Tengounmontón") de Hiroshi Saito. Igualmente, tras un especial robots centrado en Evangelion, se proyectará la película "En Este Rincón del Mundo" (2016) de Sunao Katabuchi, basada en la obra original de Fumiyo Kouno, y que cuenta la historia de Suzu, una muchacha que trata de encontrar la felicidad en los tiempos convulsos de la Segunda Guerra Mundial.



El sábado se reserva un especial dedicado a Mazinger que contará con la presencia de Alfredo Garrido, el cantante del tema principal de la mítica serie "Mazinger Z", que influyó sobre toda una generación desde que se emitió su primer capítulo, un lejano 4 de marzo de 1978, a través del primer canal de TVE. El cantante y letrista bilbaíno Alfredo Garrido García es autor de las letras de las canciones de la serie infantil "Marco" y adaptó e interpretó las canciones de multitud de series infantiles como "Mazinger Z", "Tarzán", "Vickie el Vikingo", "El pequeño Cid", "Pippi Calzaslargas", "La abeja Maya", así como en algunos títulos de Walt Disney. Recibió varios premios en su trayectoria musical, entre los cuales el Premio Caballero Armado como cantante de los temas de apertura y cierre de la serie "Mazinger Z", y en 2016 se metió en un estudio para grabar, a sus 83 años, la letra inédita del tema La Gran Batalla de la serie "Mazinger Z". Desde 2014, acompaña con su presencia, la exposición de Mazinger Z, que ha recorrido las ciudades de Madrid, Murcia, Cádiz, Bilbao y actualmente Barcelona, donde acudirá acompañado de Carlos D. Chardí, cantante y estudioso del fenómeno Mazinger Z en España, que colaboró directamente con Selecta Visión para conseguir los permisos para que se incluyeran los audios en español de RTVE en la edición de DVD y Blu-ray de "Mazinger Z", y actualmente es el mayor conocedor de la historia de la estatua de Mazinger Z oficial que existe en Tarragona, la más antigua y grande del mundo.
Igualmente el sábado será el día del gran estreno de la película de imagen real "Jojo’s Bizarre Adventure: Diamond is unbreakable" (2017) de Takashi Miike, que cuenta con la peculiaridad de que algunas de sus escenas se han rodado en la localidad barcelonesa de Sitges. Y dentro de la celebración de los 100 años de anime se proyectará "Mi Vecino Totoro" (1988) de Hayao Miyazaki.


Por último, el domingo 5 de noviembre estará de nuevo dedicado en gran parte a series japonesas, empezando por avances, fragmentos y episodios de varias series distribuidas por Crunchyroll (Blade Runner Black Out 2022, A centaur’s life, Osomatsu-san, Evil or Live, Black Cover) y un especial dedicado a "Ronja, la Hija del Bandolero", que estarán seguidos por un encuentro con los fans de Masatoshi Chioka y Hiroyuki Sakuraga, director y productor respectivamente de "Dragon Ball Super" y la emisión de esta serie sin censura y con animación corregida. La sección audiovisual del salón llegará a su fin con la proyección de la película "Akira" (1988) de Katsuhiro Otomo y un estreno sorpresa.

Entradas relacionadas:
Gatos. Un Viaje de Vuelta a Casa (27 de septiembre 2017)
En este Rincón del Mundo (1 de julio 2017)
Your Name (14 de octubre 2016)

Entrevista a Daniel Martínez Lara

Daniel Martínez Lara, ganador en 2016 - junto a Rafael Cano - del Goya al Mejor Cortometraje de Animación por "Alike", estuvo invitado a la reciente edición del mercado 3DWire para hablar de Grease Pencil, una herramienta en la que está trabajando desde hace dos años y medio, basada en el software de código abierto Blender, y del nuevo cortometraje que está preparando con el uso de ésta,  que se titulará "Hero".
A continuación podéis leer la entrevista que amablemente nos concedió en Segovia, en la que ahonda en las motivaciones para el uso y el desarrollo de Blender y el papel que ha de jugar "Hero" en todo ello.


A Daniel Martínez Lara siempre le hemos visto en varios frentes, con más proyección desde el éxito reciente de "Alike", pero también a la cabeza de una escuela de animación y ahora con "Hero" y con el desarrollo de la plataforma de software libre Blender. ¿Cómo lo encajas todo?
Todo en realidad, tanto el tema de Blender, como los cortos, como la escuela en que doy clase forma parte de lo mismo, y "Hero" es una mezcla de todo. Las tres cosas que a mí me gusta realmente hacer son la enseñanza, hacer cortos de animación y desarrollar herramientas. Y el corto "Hero" junta las tres cosas, porque no es un fin en sí mismo sino un medio para desarrollar la herramienta. De hecho, forma parte de un proceso que consta de tres fases: la fase de creación de la herramienta, hacer un corto que enseñe las bondades de la herramienta, y la formación mediante tutoriales online acerca del uso de la herramienta.
Blender es la plataforma que mejor me encaja: en primer lugar porque al ser open source me permite un acceso al código para trabajar junto con programadores para ver cómo podemos montar la herramienta. De hecho el Grease Pencil en Blender, que es la herramienta que estamos desarrollando, y que ha de permitir que dentro de un entorno 3D se pueda utilizar una herramienta 2D, empezó siendo una utilidad que era simplemente para hacer anotaciones en pantalla, pero gracias al open source y al acceso de los programadores, se ha podido convertir en una herramienta de storyboard, y mediante los añadidos, en herramienta de arte final. Y como Blender financia proyectos para crear herramientas, nos ha encajado todo perfectamente.
"Hero" se engloba pues dentro de un plan mayor que es desarrollar una herramienta, que ésta funcione y sea útil, y dar una formación para que la gente y los animadores puedan considerarla para sus producciones. Blender encaja perfectamente para todos estos movimientos.

Así pues hay que contemplar el corto más como un medio en el desarrollo de la herramienta.
El corto no es un fin en sí mismo. Sí que es cierto que se va a ver una pieza que empieza y acaba, de unos dos minutos, formato trailer, un poco conclusiva .. que quien la vea va a poder pensar que es chula o que le ha encantado, y eso es un objetivo. Pero hay una visión mayor que es desarrollar una herramienta de futuro, hacer un corto que demuestre sus posibilidades, y dar una formación online gratuita para la gente que esté interesada.

Reconociendo las notables diferencias, existe en la filosofía de fondo de Grease Pencil cierta coincidencia con el concepto de "Klaus", de The SPA Studios, de querer acercar el 2D al entorno 3D ¿no es así?
Sí, salvando las diferencias: en "Klaus" la idea es darle al 2D un enfoque 3D tan potente que te preguntas si es 2D; se trata de ver hasta dónde es posible llevar visualmente el 2D para que digas "qué potente es esto". Y en el caso de "Hero" obedece más a que yo creo que, en el futuro, el 2D se va a hacer en un entorno 3D; es sólo cuestión de tiempo. Otra cosa es quién llegue primero, quién lo haga mejor, qué programa se acabe utilizando.. Pero no hablo sólo del empleo de cámaras, etc, sino también cómo se manejan las líneas, cómo editas y una serie de ventajas: los efectos que puedes hacer en 3D, la combinación de elementos 2D y 3D directamente en el mismo programa sin tener que estar cambiando constantemente de pipeline, creo que realmente marca el futuro de lo que se va a hacer. Sólo es cuestión de si finalmente prevaldrá Blender, Maya, el ToonBoom 2020.. pero creo que es el camino natural.
Claro, al final lo que quiere la gente es ver algo, para ver qué se puede hacer realmente con eso, y de ahí el corto de "Hero".

Una vez esté realizado el corto y desarrollada la herramienta ¿hay que suponer que será de uso constante en todos tus cortos?
Sí por supuesto. Es la herramienta que yo voy a utilizar. Además, siendo Blender, si les gusta cómo está hecha la herramienta la van a incluir en su plataforma. De hecho, esto está financiado por ellos para que todas estas herramientas vayan incluidas gratuitamente en la próxima versión de Blender. Y es la herramienta que yo quiero utilizar; en este sentido es como estar realizando reformas en tu propia casa, básicamente.

De hecho "Alike" también está realizada en Blender. ¿Cuándo empieza tu relación con la plataforma?
Sí, efectivamente. De hecho yo vengo de hace 20 y pico años, en que empecé a utilizar 3D Studio de Ms-Dos, después Max, después Maya y hace diez años que combino Maya, y en los últimos años utilizo Blender para mis producciones, porque al final no es un tema de que sea gratis o no, sino se trata de ver si encaja como herramienta en lo que tú estás haciendo. Porque si no tengo las herramientas como artista que quiero, no voy a utilizar cierto software.

Hay varios proyectos ahora mismo interesantes en Blender que están empujando el desarrollo de la plataforma, como "Agent 327" y otros. ¿Cómo ves el panorama?
Desde hace unos cinco años para acá Blender es como Navidad todos los días, en el sentido de que hay mejoras constantes, y no se sabe cúando parará. Está muy vivo, y la parte buena que tienen es demostrar las posibilidades del software haciendo piezas de animación: tenemos el caso de "Hero", el caso de "Agent 327" o de "Cosmos Laundromat" y de cortos anteriores, que consisten en juntar a un grupo de artistas y programadores para que desarrollen una pieza, para a su vez desarrollar así la herramienta. Porque al final da igual lo que uno diga, si lo que importa es que el espectador dé al play y le guste.

Otro efecto de una herramienta gratuita como Blender es que hacen mucho más accesible la realización de animación a cualquiera que quiera expresarse con ella. Pero a quien quiera expresarse con ella también le hacen falta unas nociones, que es donde entraría vuestra escuela Pepe School, que precisamente está además dando buenos resultados en cuanto a los cortos que surgen de ella, como "Darrel".
La escuela tiene su propia idiosincrasia, porque tiene su parte de escuela y otra de co-working. O sea, abrimos un curso de dos años en el que sólo hay 21 personas que entran en el primer año y al siguiente año, sólo hay 5 alumnos seleccionados de esos 21; y aparte tenemos un área de co-working de ex-alumnos, donde pueden estar desarrollando sus propios proyectos y de donde salen proyectos como "Darrel" o el que este año está en el catálogo de 3DWire, que es de una chica que se llama Carmen, que está con "Roberto". Básicamente se les dan las condiciones y el soporte para que eso ocurra, junto a un feedback sobre el proyecto, pero no está dentro del programa formativo de la escuela, sino como algo aparte. Es la parte más rara de la escuela.
Del mismo modo, "Alike" no es un corto de la escuela. Es un proyecto personal mío y de Rafa Cano en el que utilizamos los recursos de la escuela porque estábamos allí, pero no es un proyecto que podamos ofrecer como un "apúntate y vas a hacer este tipo de corto". Sólo es que la escuela permite que pueda ocurrir eso en su área de co-working.

¿Has notado más presión tras el éxito de "Alike"?
Bueno, no especialmente, porque ya estoy bien como estoy, en el sentido de que muchas veces uno hace un corto como un medio para después llegar a un largo, o para enseñar lo que sabe o como medio para abrirse otras puertas si se gana un Goya, pero en mi caso personal no es una vía que quiera explorar. No tengo esa ambición. Me lo paso mucho mejor con el proyecto "Hero" con todo lo que implica, ya pensando en las tres fases, y lo que vendrá después, que es realmente donde yo he hecho el trabajo para que eso pueda ocurrir, y el hecho de que haya funcionado bien "Alike" está bien, pero no le vamos a sacar provecho en la otra parte: en la de abrir puertas para otro lado. Simplemente porque estoy bien haciendo lo que me gusta.

Así pues, aparte de "Hero" ¿no estás aparte desarrollando otros cortos?
Sí, cortos tengo en mente al menos otros tres más. Porque siempre es lo que me gusta: la narrativa, darle vueltas... Lo que pasa que mientras pueda hacerlo en el entorno en que me gusta hacerlo - financiándomelo yo, con ayuda o sin .. - ya me va bien. Si el objetivo fuera hacer una película me comería unos cuantos sapos para llegar a donde quiero llegar, pero mientras pueda hacerlo a mi manera, por ahí continuaré.

"Hero" cuenta con la peculiaridad de ser el primer proyecto financiado por Blender que se desarrollará sin estar físicamente en el Blender Institute.
Sí, eso está muy bien para no tener que irme allí con mis dos hijos y mi escuela, pero aparte fue una propuesta que partió de ellos. Tom Roosendaal me propuso hacer una open movie desde Barcelona a raíz del trabajo de dos años y medio de antes, pegándonos con la herramienta.

¿El equipo te lo has formado tú?
Sí, porque el tema del 2D no es mi campo madre, yo vengo del 3D. Entonces ha habido que buscar a otras personas, aunque no hace falta mucho: somos dos o tres animadores, una diseñadora y los amigos que quieren colaborar. No hace falta mucha infraestructura; todo es encontrar las personas que sean mejores que tú en los campos que tú no dominas tan bien.
El hombre fuerte es Javier Salvador, que es un antiguo alumno de hace 8 años, que es muy buen diseñador, anima en 2D y 3D, y estaré yo también como animador y Sergi Miranda y la diseñadora María Vela, y en el equipo de programación un programador de Valencia, un argentino, otro de Nueva Zelanda... Entre artistas y programadores, entre 8 y 10 personas.


Agradeciéndole sinceramente a Daniel Martínez Lara la atención hacia nuestro blog, queda nuestro compromiso de seguirle los pasos. Como añadido enlazamos a un par de videos - publicados por Daniel mismo - en los que se hace una introducción al proyecto de "Hero" y se muestra el proceso de storyboarding, y también podéis ver nuevos concepts relativos al diseño de personajes.








Entradas relacionadas:
Daniel Martínez Lara dirige "Hero" (15 de septiembre 2017)

viernes, 20 de octubre de 2017

El Diari de la Florentina

"Mamá, papá.. ¿qué es una musaraña?" Será una pregunta que probablemente lancen a sus padres muchos de los niños y niñas que puedan ver la película "El Diari de la Florentina", con el mismo espíritu inocente, curioso y ávido de saber que caracteriza a nuestros pequeños jóvenes y que comparten con la protagonista de la deliciosa hora de entretenimiento que se les ofrece para su exclusiva fruición. Ese pequeñísimo sorícido que se encuentra en casi todo el mundo y que se asemeja a un ratón pero de ninguna manera es un roedor - a diferencia de los degús, que sí lo son - es una perfecta elección para encarnar a cada uno de nuestros niños y niñas, cuyo pequeño tamaño contrasta con la enormidad de las preguntas, dudas y emociones con las que palpitan sus cabezas y corazones, y que Florentina compartirá con ellos a través de su diario. No es habitual que los espectadores en la franja de 3 a 8 años dispongan en el cine de películas hechas expresamente para ellos, y cuando llega a las salas una propuesta tan fresca y tan bellamente ejecutada como la que nos ocupa, no cabe más que recomendársela.


"El Diari de la Florentina" es una recopilación de episodios de la serie polaca "Pamiętniki Florki", una producción divertida y reflexiva basada a su vez en los libros infantiles "Florka. Z pamiętnika Ryjówki", "Florka. Listy do Józefiny" y "Florka. Listy do babci" escritos por Roksana Jędrzejewska-Wróbel, acerca de una pequeña musaraña de seis años que es muy curiosa con el mundo que le rodea, y que fascinada con sus propias emociones y sentimientos, explora las relaciones que le unen a sus familiares, a sus amigos y a su entorno.
Siguiendo pues una estructura episódica, la película empieza cuando la joven musaraña Florentina se muda con su familia a un pueblecito del bosque y recibe de su padre un diario donde decide escribir todas las pequeñas cosas que le ocurren, para poder recordarlas cuando se haga mayor. Florentina, que aún es muy pequeña, observa el mundo que la rodea con el candor y la sorpresa de una niña, descubriendo las cosas al mismo tiempo que aprende su nombre, y escuchando y comprobando las explicaciones de los mayores con la sombra de duda de quien quiere pensar por sí misma. Llena de curiosidad, explora el entorno al tiempo que va descubriendo quien es ella misma, y lo profundos que son, también, los sentimientos: la admiración, la felicidad, la timidez, el miedo, y también la decepción, la culpabilidad, la responsabilidad, los celos y, finalmente, la alegría de ser hermana mayor.
En el "Diari de la Florentina", el mundo se muestra desde la perspectiva de un niña de unos pocos años con toda su ingenuidad, pero al mismo tiempo con deleite y frescura. A la pequeña musaraña la veremos experimentando la timidez a la hora de presentarse o de hacer nuevos amigos, formar sus primeros complejos a causa de su gran nariz, sentir una mezcla de curiosidad y miedo por su propia sombra, o frustrarse por la atención que recibe su nuevo hermano a pesar de que pronto deseará que pueda acompañarla al bosque; mientras aprende que hay que desayunar bien antes de salir a jugar o saber esperar para que ocurran ciertas cosas. Florentina es una observadora urgente y curiosa de la realidad. En ocasiones, no está del todo convencida de las explicaciones de los adultos, por lo que lo comprueba todo por sí misma y, por supuesto, llega a sus propias conclusiones - no necesariamente correctas, pero siempre muy reveladoras -, y si bien sus padres no carecen de defectos y debilidades, no resta que para ella el hogar familiar siga siendo un refugio de seguridad y de paz. La película aspira pues a hacer que los niños se sientan cómodos y acepten la normalidad de su naturaleza inquisitiva y de la sorpresa de descubrir sentimientos y sensaciones nuevas, a la vez que les ayuda a identificar hábitos mientras se lo pasan bien. Como los propios espectadores, Florentina hace preguntas y expresa sus alegrías, sus miedos y frustraciones abiertamente, mientras va estructurando su propia identidad y personalidad.
Visualmente la película se presenta como el dibujo de un niño, en que el trazo de los colores y los pasteles viste cada uno de los planos y fondos realizados mediante 3D, aunque los personajes que por ellos transitan ofrecen una dimensionalidad plana, como si estuvieran animados mediante cut-out, todo lo cual contribuye a emular esas ilustraciones de cuento que los niños y niñas suelen buscar en sus libros de cama. En su huida de la tradicional estética del 3D, muestra también al público que existen múltiples formas de expresión artística.


Lo mejor: la película se dirige a los niños y niñas con su propio lenguaje y punto de vista para mostrarles la normalidad de experimentar por ellos mismos, preguntar y aprender, y en fin, crecer.
En contra: la estructura episódica se aleja del tradicional formato de una película, donde hay un principio y un final, aunque ello no le reste nada de su valor intrínseco.

"El Caso de Hana y Alice" en cines el 26 de octubre

La película "El caso de Hana y Alice", del director Shunji Iwai, se estrenará en cines el próximo 26 de octubre, en versión original subtitulada en español.


"El caso de Hana y Alice" es el primer largometraje de animación de Shunji Iwai, que comenzó su carrera en 1988 haciendo videoclips y programas para canales de televisión por cable, y llegó al mundo del cine años más tarde. Sus películas "Picnic" y "SwallowtailButterfly" tuvieron un éxito inmediato en taquilla, y fueron seguidas en 1998 por "Historia de Abril". En el 2000, se embarcó en un proyecto para hacer una novela por internet llamada "Todo sobre Lily", en que Iwai escribiría la base de la historia y el resto quedaría en manos de los internautas para que la completasen colaborando entre ellos. En el 2003, su cortometraje "Hana y Alice" se divulgó por internet como un tráiler anunciando el largometraje que se estrenaría al año siguiente. A lo largo de los últimos años, ha producido innumerables documentales como "Friends after 3.11", así como otros cortometrajes de animación.
Once años después del estreno de "Hana y Alice", en 2015, Shunji Iwai decidió recuperar a los personajes para contar una nueva historia sobre ellas, aunque con un pequeño e inesperado giro de guión: esta nueva historia no sería una secuela de la primera película, si no que sería una precuela, y además, se rodaría en animación rotoscópica. El director quería imágenes inéditas para la película fusionando las ventajas del cine de imagen real y de animación, con el objetivo de animar «la interpretación sutil y realista de las actrices»; para ello, Iwai rodó él mismo las secuencias que, más tarde, se reproducirían meticulosamente en animación digital y en rotoscopia. Por supuesto, para las voces de las dos protagonistas volvió a contar con las actrices originales Yu Aoi y Anne Suzuki. Aprovechando el éxito que en ese momento estaba teniendo la versión manga de los personajes, creada por el artista Dowman Sayman, Iwai estrenó "El caso de Hana y Alice" en 2015, la cual fue nominada al premio a Mejor Película en el prestigioso Festival de Animación de Annecy, y ganadora del Premio del Público en el Fantasia IFF de Montreal.



La sinopsis es la siguiente: Tras la separación de sus padres, Alice se muda con su madre a un nuevo pueblo donde tendrá que empezar de cero en el colegio. Al serle asignado el asiento de un antiguo alumno llamado "Yuda", del que se dice fue asesinado el año anterior, los demás alumnos empiezan a meterse con ella y ningunearla. Para descubrir el misterio detrás de la desaparición de "Yuda" tendrá que preguntar a la única persona que sabe qué le ocurrió: una chica que vive encerrada en su casa, cuyo nombre es Hana.


La película se estrenará en las salas Cinesa de las siguientes ciudades:
- BARCELONA: Diagonal Mar, Heron City.
- MADRID: Mendez Alvaro.
- GETAFE: Nassica.
- TERRASSA: Parc Vallés.
Ya podéis comprar las entradas en este enlace.

"VIRTUAL HERO", una serie de Rubius

Movistar+, en colaboración con ZeppelinTV, producirán la serie original "Virtual Hero", basada en los cómics de Rubius - el conocido youtuber -, contando para ello con el Estudio Motion Pictures de Barcelona y Estudio Jaruyi de Corea del Sur. Se tratará de una serie de doce episodios de 22 minutos con un estilo propio inspirado en el anime, que llegará en exclusiva a Movistar+ en 2018.


'Virtual Hero' cuenta las aventuras de Rubius a través de los mundos de juego para liberar a los 100 mejores gamers atrapados en un mundo virtual por Trollmask, el vengativo Master of the Game Worlds, que quiere acabar con todos ellos. En ese viaje no estará solo, la guerrera Sakura, la alocada zombie Zombirella, el espectro ancestral Slimmer y la inteligencia artificial G4t serán sus aliados en la lucha por liberar el mundo virtual del maléfico plan de Trollmask.
Así es como lo cuenta el propio ElRubius:



jueves, 19 de octubre de 2017

Kikoriki. Equipo Invencible

Desde Rusia nos llega esta película de 2011 que plantea una historia exclusivamente dirigida al público infantil en torno a los personajes de la serie de TV "Kikoriki", protagonizada por unos animales de forma redondeada cuyas aventuras se desarrollan en la paradisíaca isla que da título a la producción. Planteada en forma de precuela de la serie, la película acerca a los cines a los conocidos personajes y les da volumen mediante una factura en 3D.


Establecidos en la isla de Kikoriki, sus habitantes viven una vida alejada del mundanal ruido de la ciudad hasta que descubren un aparato de televisión. Los protagonistas se obsesionan rápidamente con un programa protagonizado por Lucien, un superhéroe que defiende su ciudad del malvado Caligari, y convencidos de que el mundo está en peligro, deciden ir a la gran ciudad para ayudar a Lucien a salvar a la humanidad. Sin embargo se les ha olvidado un pequeño detalle: no todo lo que vemos en televisión es siempre cierto... Con las mejores intenciones, los Kikorikis se embarcarán en una aventura  urbana llena de sorpresas y de situaciones entre cómicas y peligrosas, ajenos a que el personaje que interpreta a Lucien tiene otras preocupaciones más mundanas.
Dirigida por Denis Chernov, director de la serie original, la película desarrolla una historia ligera pero divertida que abunda en los valores que transmiten los episodios televisivos: el gran poder de la amistad, el apoyo mutuo y el trabajo en equipo, con los cuales es posible vivir en paz y superar la mayoría de obstáculos.
Por primera vez se presenta a los personajes de la serie con volumen y entornos tridimensionales, algunos de los cuales, como la ciudad donde se enfrentan Lucien y Caligari sorprenden por su detallismo e imaginación. En cualquier caso, los acabados están bastante alejados del nivel de las películas más recientes, y si bien consiguen efectos bastante convincentes con el agua, por ejemplo, denotan limitaciones en iluminación y también en texturas; en este sentido, todos los personajes comparten la misma piel, y hubiera sido un detalle que pudieran mostrar un pelaje más aproximado a la especie que representan. Tampoco contribuye a la mejor expresión de las posibilidades de la animación el hecho de que la película esté protagonizada por seres esféricos con brazos cortos y piernas casi inexistentes, aunque dentro de las restricciones que la forma de los personajes implica, el papel que éstos representan está correctamente ejecutado y es suficiente para hacer pasar un buen rato a los niños y niñas, que son en definitiva los receptores de la película.



Lo mejor: mediante una entretenida aventura la película enseña a los más pequeños la importancia de ayudarse y de contar con amigos.
En contra: una trama algo repetitiva en cuanto a las dificultades a las que harán frente los protagonistas.