jueves, 30 de noviembre de 2017

We're Going on a Bear Hunt

Uno de los nominados a los premios Emile, en las categorías de mejor producción de TV y mejor animación de personajes, fue el mediometraje "We're Going on a Bear Hunt", que pudimos ver en el reciente certamen El Meu Primer Festival.


Dirigida por Joanna Harrison y Robin Shaw, la producción adapta un libro homónimo muy premiado y muy popular en el Reino Unido, escrito por Michael Rosen e ilustrado por Helen Oxenbury, donde cinco niños y su perro salen al campo en busca de un oso al son de una alegre canción y superando todo tipo de obstáculos - en forma de río, barro, espeso bosque y tormenta de nieve -, hasta que finalmente encuentran al oso y salen despavoridos. La historia celebra así la alegría y el inocente envalentonamiento de la infancia, capaz de hacerse tan grande como de diluirse con igual rapidez cuando choca con la realidad. En todo caso, los realizadores de la película quisieron añadir a la trama un nuevo componente que diera mayor profundidad a la historia original, lo que hicieron introduciendo la referencia a la pérdida de un ser querido, el abuelo de la familia. Aunque la adición de este nuevo elemento trágico chirría en alguna ocasión con el espíritu alegre e inocente de la historia original, le aporta al conjunto una nueva dimensión que lo convierte en una invitación a enfrentarse a los miedos y continuar celebrando que la vida continua a pesar de las adversidades - tanto físicas como emocionales - lo que no implica renunciar al sentimiento de pérdida y debe servir igualmente para salir a la caza de buenas experiencias y de los buenos recuerdos, afrontando los problemas: mejor que pasar debajo o por arriba, mejor que soslayarlos, hay que enfrentarse a ellos. Por otro lado la película es también una exhaltación de los valores familiares y del espíritu naturalista - que es al fin y al cabo una celebración de la vida - a través de su retrato detallado de los bucólicos paisajes británicos.
Es significativamente en el apartado visual donde la producción televisiva alcanza su mayor valor: ejecutada en animación digital en 2D sobre fondos detalladamente pintados a mano, la película reproduce perfectamente el tono de las ilustraciones originales a acuarela de Helen Oxenbury, llenando de vida los campos en que se asientan las casas victorianas, con sus ríos, sus lodazales, y más allá sus bosques y playas. No se descuida ningún extremo en la animación de las plantas, insectos y elementos que bullen vitalmente en los caminos que recorren los protagonistas de la historia, animados con un ánimo realista comparable al que admiramos en "La Tortuga Roja" de Michael Dudok de Wit o la lograda "Ethel and Ernest" de Roger Mainwood. Los personajes, por otra parte, están coloreados con el mismo propósito de resultar fieles a las ilustraciones de Oxenbury y de integrarse  perfectamente en los fondos de la película, y en este sentido aparecen también como si estuvieran pintados a la acuarela dando un valor artístico al conjunto realmente atractivo.


Lo mejor: todo bulle de vida a través de una animación que no pasa por alto el más mínimo detalle
En contra: la introducción del elemento trágico puede chirriar con el espíritu alegre de la obra original

miércoles, 29 de noviembre de 2017

Coco

Tras tanta secuela, Pixar nos sirve nuevamente un título original encabezando una película impecablemente ejecutada que constituye una indubable carta de amor a México, y que aun sin ser la mejor película del estudio de los últimos años, entra de lleno en la categoría  de las películas que hay que ver este año inexcusablemente. La última película original de Pixar aborda la cultura mexicana, y concretamente el Día de Muertos, con una historia en pro del respeto y la reconciliación intergeneracional narrativamente compleja, bien estructurada y visualmente rica, que ya está conquistando a medio mundo: la película es ya el largometraje animado más visto en la historia de México y ha hecho historia en China, donde cuadriplicó sus ganancias en dos días.


"Coco" es el nombre de la bisabuela de Miguel Rivera, un chico de 12 años aspirante a músico que lucha contra el sino de convertirse en un zapatero más de la familia y contra la prohibición de música que se ha mantenido en su seno durante generaciones, debido al abandono que sufrió su tatarabuela Imelda de parte de su tatarabuelo, empeñado en seguir el camino de la canción. A escondidas de sus familiares rinde culto al recuerdo de Ernesto de la Cruz, el músico más famoso en la historia de México. Cuando Miguel descubre que el célebre cantante podría ser su tatarabuelo, un percance mágico le lleva a la Tierra de los Muertos, donde entre los esqueletos de los fallecidos y con la ayuda de un pillo llamado Héctor buscará la bendición de su ídolo para que le ayude a volver a la Tierra de los Vivos antes de que sea demasiado tarde.
Seducido por una de las manifestaciones más típicamente representativas de la cultura mexicana, Pixar se propone encontrarle el sentido desde un punto de vista propio al Día de Muertos y acierta al trazar alrededor de esta fiesta una historia donde se ponen en juego las relaciones familiares a lo largo de las sucesivas generaciones y donde la celebración mexicana se revela como una liturgia necesaria para recordar y rehabilitar a nuestros ancestros, asegurándoles la eternidad; y al mismo tiempo se permite enfrentar a su público - al adulto y también al más joven - a una visión de la muerte, amable y macabra a la vez, y le lanza sin aviso a una incuestionable verdad: nuestra familia, nuestros amigos, nuestros descendientes nos recordarán, o dejarán de hacerlo, por lo que hagamos en vida.
En su homenaje a la cultura mexicana, no le faltan a la película, por otra parte, infinidad de referencias y guiños como el papel picado que adorna las calles y que sirve para introducir la historia de la familia Rivera, los coloridos alebrijes, la aparición de Frida Kahlo - encargada de preparar la gala final del Día de Muertos con una performance muy personal - o los cameos de otros personajes populares como Cantinflas, El Santo o Jorge Negrete. Y por supuesto no es casual la elección de la raza a la que pertenece Dante, el cómico perro que acompaña a Miguel al otro mundo: se trata de un xoloitzcuintle, un perro endémico de México cuyo nombre le relaciona con el dios Xólotl, una deidad relacionada con la muerte, y que era considerado como un guía hacia el mundo de los muertos.



Lee Unkrick y Adrián Molina son quienes esta vez conducen la película por las vías de una sólida ejecución que ponen de relieve una vez más los atributos que nadie le niega al saber hacer de Pixar: exhaustividad en la documentación, dominio del lenguaje visual (cada plano habla por sí solo, casi sin necesidad de que se articule palabra alguna), personajes creíbles, la capacidad de discurrir por una narrativa compleja donde no faltan giros y capacidad de sorpresa (aunque en esta película ciertos desenlaces se ven venir), excelente animación y desde luego la habilidad para dejarnos boquiabiertos con un potente despliegue visual, que alcanza su máximo esplendor en la recreación del mundo de los muertos como una metrópolis colorida y abigarrada de casas y barrios que crecen como árboles y hunden sus raíces en la historia del pueblo mexicano y están unidos por tranvías colgantes.
Ahora bien, no se podrá negar que esa concepción del mundo de los muertos se asemeja en el fondo, tanto arquitectónicamente como en colorido, a la de esa otra película reciente inspirada en el Día de Muertos que fue "El Libro de la Vida" de Jorge R. Gutierrez, que sin duda ha resultado ser mucho más original y audaz en cuanto a diseño - no en vano ganó multitud de reconocimientos hacia el arte de Sandra Equihua - que la presente película de Pixar, cuyos personajes cuesta distinguir de los de "Vaiana" de Disney. Y es que en este aspecto, como en algunos otros, "Coco" evidencia cierta tendencia a descansar - también narrativa y emocionalmente - en la comodidad de lugares ya explorados, como ciertos elementos de "Up", "Del Revés" o incluso el corto "Sanjay's Super Team", y más allá los esqueletos de "La Novia Cadáver" de Tim Burton, antes que lanzarse a arriesgar.
En este sentido, todo aparece como obsesivamente correcto y calculadamente medido en esta última película de Pixar que, sin desmerecer su innegable calidad, deja tras su visionado un cierto regusto a desengaño, teniendo en cuenta la inicial trayectoria del estudio y los presupuestos que Pixar maneja en sus películas. Y es que hasta hace un tiempo, probablemente antes de que se notaran los efectos de ser engullidos por la industria de Disney, cada película de los estudios Pixar - incluidos sus cortometrajes - se esperaban con la seguridad de que nos iban a presentar historias con una visión y un sentido de la innovación a los que pocos otros estudios habían logrado aproximarse. En la formulación de tales historias el único tótem a venerar era la creatividad, al servicio de la cual el estudio iba a poner todos los avances tecnológicos con los que era capaz de sorprendernos y, al mismo tiempo, de hacer avanzar el cine de animación. Sin embargo, en el momento en que fueron adquiridos por Disney, sobre Pixar cayó una pesada losa con una inscripción que rezaba "Poderoso caballero es Don Dinero", y a partir de ahí empezamos a ver secuelas de sus títulos más significativos que, a diferencia de aquellas brillantes realizaciones que expandieron el universo y la continuidad de "Toy Story", no estaban únicamente guiadas por la originalidad, sino que ahora perseguían significativamente la explotación comercial y eludían el riesgo. A salvo de esperanzadores destellos aislados como la excelente "Del Revés" - una de las mejores películas del estudio de la presente década - o la arriesgada e injustamente tratada "El Viaje de Arlo", el talento de Pixar se ha visto desde entonces hipotecado por la persecución del aprovechamiento extenuante de sus franquicias y la confortable seguridad de lo que ya funciona frente al vértigo que da el salto al vacío. Algo de ello habría en el burdo y fallido intento de la corporación Disney-Pixar de apropiarse de la fiesta del Día de Muertos mexicana como marca comercial que marcó los primeros días de la producción de "Coco", y que llevó posteriormente al estudio a intentar reconciliarse con la comunidad mexicana incorporando a la realización de la película diversas sensibilidades procedentes del país, pero sin que se haya podido evitar que los estudios del flexo hayan perdido algo en su camino, algo que ha quedado oculto bajo la sombra del elaborado cálculo y que posiblemente - ocupados como están en tanta secuela que va a seguir tras "Coco" - van a tardar tiempo (siempre demasiado tratándose de Pixar) en recuperar: el riesgo que va aparejado con la creatividad. Preocupados por gustar a quienes pagan las entradas y por estar en paz con la comunidad mexicana, muy atenta por derecho propio al respeto de sus tradiciones, en Pixar han preferido la seguridad a arriesgar. Quizás por ello vale la pena repetir una de las moralejas que la presente película deja clara: nuestros descendientes nos recordarán por lo que hagamos en vida.
Por cierto, contrariamente a lo que venía siendo habitual en las proyecciones de largometrajes de Pixar, no ha habido esta vez un cortometraje de la casa antecediendo al largo. Precisamente ha sido siempre en los cortometrajes donde se ha atrevido más a experimentar, innovar y sorprender Pixar... pero en su lugar, los asistentes a las salas de cine deberán aguantar un corto de Disney basado en la franquicia de "Frozen". Parece también sintomático.


Lo mejor: una vez más los animadores de Pixar demuestran lo bien que saben hacerlo y nos brindan secuencias fantásticas, entre las cuales los dedos de Miguel tocan realmente la guitarra en lugar de rasparla, o se permiten dar un aire cómico a todos y cada uno de los movimientos de un perro, mientras demuestran todo lo que es posible hacer con los huesos de un esqueleto.
En contra: a Pixar se le está empezando a agotar el modelo, y quizás debería atreverse - arriesgarse en suma - con otros registros, como la comedia

Cuentos Revueltos

Es evidente que en los tiempos que nos ha tocado vivir, en que la autonomía de la mujer es indiscutible y se reniega de los príncipes azules, los cuentos más clásicos necesitan pasar por el filtro de la modernidad si no quieren verse olvidados. El caso es que ya Roald Dahl, uno de los grandes escritores de historias infantiles del siglo XX, reparó en la necesidad de revisar los célebres cuentos de hadas y creó los "Revolting Rhymes" (1982), una colección de poemas que, bajo el conocido humor negro del escritor, reinterpretaba seis cuentos tradicionales - La Cenicienta, Jack y las Judías Mágicas, Blancanieves y los Siete Enanitos, Ricitos de Oro, La Caperucita Roja y Los Tres Cerditos - actualizándolos y dándoles unos finales bastante distintos de los conocidos. El libro de Roald Dahl inspiraría este especial en 3D creado para la BBC que, dividido en dos partes, aúna cinco de las historias en una trama tan brillantemente urdida como fabulosamente animada, y que aún habiendo sido desarrollado para televisión, empequeñece a muchas de las producciones que han sido creadas para el cine.


Uno de los logros destacados de la adaptación dirigida por Jakob Schuh (El Grúfalo) y Jan Lachauer junto a Bin-Han To es el de haber conseguido de una forma muy ocurrente unir las cinco historias en dos tramas con un universo compartido en que los personajes coinciden e interactúan, respetando en todo momento los versos y los diálogos del escritor galés, y que a su vez están conectadas por un hilo conductor que une las dos partes del especial bajo el protagonismo de un lobo que es el tío de los feroces malvados de la Caperucita y de los tres cerditos. En efecto, en la primera parte del especial, la Caperucita y Blancanieves son dos amigas cuyas vidas corren en paralelo y cuyos destinos están llamados a reencontrarse después de coincidir con uno de los tres cerditos; y en la segunda parte, Jack es un niño enamorado de Cenicienta, aunque con pocas posibilidades de ganarse su corazón mientras su futuro no se encuentre mejor gracias a las judías mágicas y Cenicienta no haya conocido realmente la naturaleza del príncipe. En su papel de narrador de todas las historias se erige como incontestable protagonista el referido lobo, que movido por las ansias de venganza juega un papel determinante con una historia que funciona exquisitamente como nexo de unión y eje vertebrador de los cuentos y sume al espectador en un pegadizo interés que va escalando inexorablemente hasta el desenlace final, cuya moraleja - en el sentido de que siempre otro final, más humano, es posible - no puede estar más en sintonía con el espíritu de los poemas de Roal Dahl.
La relectura humanizada de los cuentos de hadas que hace el afamado escritor cobra, por otra parte, en el especial de animación una nueva dimensión al desarrollarse en buena parte en una ciudad y un tiempo que podrían perfectamente ser los nuestros, y al quedar además enriquecida con detalles de concienciación social que apuntan a temas como el empoderamiento de la mujer, la integración racial (dos de los enanitos del cuento de Blancanieves son de color), la crítica de la especulación y de ciertas prácticas bancarias, o lo que podría interpretarse como una aproximación a las relaciones amorosas no tradicionales.



Visualmente "Cuentos Revueltos" sorprende por lo cuidado de su tratamiento gráfico, mostrando un nivel de diseños, texturas, iluminación y cromatismo que podrían perfectamente tumbar a muchas de las producciones que han tenido el privilegio de acceder directamente a las pantallas de cine. En este apartado destaca en especial la creación de dos niveles de tratamiento visual: uno más realista para las escenas que se articulan en torno al narrador de las historias y el tiempo presente en la ciudad donde aquél se encuentra; y otro más plástico, más de puppet o marioneta, para las secuencias correspondientes a las historias "clásicas", cuyos paisajes se muestran también con un acabado más propio de las ilustraciones de los cuentos.
De hecho, el diseño de los personajes y la planificación de muchas de las escenas transmiten un profundo respeto hacia los dibujos de Quentin Blake, el ilustrador de los poemas de Roald Dahl. El espectador podrá ver planos que se han construido con el ánimo expreso de reproducir sus ilustraciones, como igualmente se han diseñado de forma muy parecida a sus dibujos los protagonistas de las historias, esos personajes tan cambiados respecto de su concepción original: una Blancanieves que no es morena sino rubia, una Caperucita que no es tan inocente, una Cenicienta que no es tan dulce o un cerdito que también es cerdo por sus actos.
Por último, pero no menos importante, resulta exquisita la animación de los personajes, caracterizada por unas actuaciones muy teatrales - muy shakesperianas - que a la vez que traducen magníficamente los sentimientos de cada uno a lo largo de las historias (impagables en este sentido la animación de la madrastra de Blancanieves, una señorona de rasgos y modos muy latinos, o la taimada y amenazante actitud del lobo feroz que hace de narrador de los cuentos), encajan como un guante todas las posibilidades que ofrece la animación en cuanto a exageración, expresionismo y carácter cómico.

Lo mejor: el acierto con que se integran cinco de las historias de Roald Dahl en torno a un eje que mantiene al espectador pendiente de la película hasta el final y con los ojos abiertos como platos.
En contra: uno se queda con ganas de ver cómo hubiera quedado también el cuento de Ricitos de Oro.

martes, 28 de noviembre de 2017

El B-Anime Film Festival listo para la 3ª edición

Los días 2 y 3 de diciembre tendrá lugar en Barcelona la 3ª edición del B-Anime Film Festival, que este año se desarrollará en el Disseny Hub de Barcelona, además de colaborar con la Filmoteca de Catalunya. El certamen tiene como objetivo dar visibilidad a títulos de animé generalmente inéditos en el país o dar una nueva oportunidad a películas que han pasado fugazmente por las pantallas, además de crear un punto de encuentro para todos los seguidores del género.


Entre las películas que se proyectarán en el festival destaca en primer lugar como novedad "Lu Over the Wall" de Masaaki Yuasa, junto a la emotiva "En Este Rincón del Mundo" de Sunao Katabuchi o las películas infantiles "Komaneko: The Curious Cat" y "Komaneko's Christmas" de Tsuneo Gōda; y también podrán verse series actuales - como "Onara Goro" y "Kowabon" - y otras de más recorrido.
El detalle de las películas que se proyectarán es el siguiente:
  • Lupin III - El Castillo de Cagliostro (Rupan sansei Kariosutoro no shiro, 1979), de Hayao Miyazaki.
    Lupin, un elegante y atlético ladrón, y su compañero Jigen viajan al pequeño ducado europeo de Cagliostro. Allí ayudarán a la bella Clarice, que intenta librarse del temible Conde Cagliostro, e intentarán resolver el misterio de un tesoro oculto que data del siglo XV.

  • Roujin Z (Z Rōjin Zetto, 1991) de Hiroyuki Kitakubo.
    En Japón, el Ministerio de Salud debe hacerse cargo de un gran número de ancianos, por lo que desarrolla un asistente cyborg, una especie de camilla automática, para cuidarlos, y el señor Takasawa es el primero en probarla. En realidad, el diseñador del proyecto trabaja para los departamentos y agencias de seguridad de Estados Unidos, y desarrolla este artefacto como prototipo militar.

  • Your Name (Kimi no Na wa, 2016), de Makoto Shinkai
    El drama de la distancia a partir de dos personajes procedentes de dos mundos diferentes y conectados por un acontecimiento mágico: un día, Mitsuha tiene un sueño en el que tiene el cuerpo de un hombre joven de Tokio, y Taki también tiene un sueño parecido y en el que él es una estudiante de secundaria en un pueblo en las montañas donde nunca ha estado. ¿Cuál es el secreto de sus sueños?

  • Komaneko: The Curiou's Cat + Komaneko's Christmas (Komadori Eiga: Komaneko + Komaneko no Christmas, 2009), de Tsuneo Gōda.
    La gatita Koma se pasa los días en su apartamento tratando de hacer películas en stop motion con sus muñecas, pero una mosca le importuna. En la segunda película, Koma ve aproximarse la Navidad, y piensa en cuál podría ser el mejor regalo para hacerle a sus padres. Dos fantásticas piezas de animación en stop motion para los más pequeños.

  • En Este Rincón del Mundo (Kono Sekai no Katasumi ni, 2016) de Sunao Katabuchi
    La historia narra la vida de una familia durante la II Guerra Mundial protagonizada Suzu Urano, una joven esposa que se muda a la ciudad de Kure desde un pequeño pueblo pesquero tras casarse con Shusaku Hojo, un oficial de la marina que le propone matrimonio y al que conoce desde que eran niños. Suzu perservará con gran determinación y valor a través de esa dura época del país.

  • Lu Over the Wall (Yoake Tsugeru Lu no Uta, 2017) de Masaaki Yuasa
    Kai, un chico que vive en un pueblo pesquero, se hace amigo de una sirena a quien le encanta cantar y bailar, pero que levanta temores entre los habitantes del pueblo, convencidos de que las sirenas presagian el desastre.


En cuanto a series habrá lugar para "Drifters", "Haikyuu!", "One Punch Man", "Jojo's Bizarre Adventure: Phantom Blood" y la segunda temporada de "Assassination Classroom", con cuatro horas de proyecciones por sesión, así como "Your Lie in April" y las nuevas "Onara Goro" y "Kowabon".
En la Filmoteca de Cataluña realizarán una sesión de celebración del centenario de la animación japonesa donde proyectarán 14 cortometrajes clásicos. Estos cortos son piezas muy especiales pues son algunas de las primeras animaciones que se produjeron en Japón; la más antigua es de 1917.
El certamen incluye también un amplio programa de actividades paralelas en torno a la cultura japonesa que comprende una conferencia de Antonio Horno en torno a los orígenes de la animación japonesa, demostraciones de Taiko (tambores japoneses), demostraciones y taller de sumi-e (pintura japonesa),  taller de animación tradicional, taller de caligrafía, taller de origami, taller de Darumas (amuleto de la suerte), taller de Shogi (juego de mesa japonés), taller y exhibición de cosplay, concurso de karaoke, concurso de Trivial otaku y sesiones DJ.

Podéis consultar los horarios y detalles en la web del festival.

jueves, 23 de noviembre de 2017

Have a Nice Day

Lo que no pudo proyectarse en el Festival de Animación de Annecy pudo verse con ocasión del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, aunque finalmente la película de Liu Jian consiguió levantar mayor interés por el revuelo causado por la cuestionable retirada que sufrió del cartel del certamen francés debido a presiones procedentes de China y por ser la primera película de animación de aquel país que ha sido seleccionada para competir en la Berlinale que por el valor intrínseco de la cinta.


Nos encontramos con una película coral con influencias muy tarantinianas, en la línea de películas como "Pulp Fiction" o "Jackie Brown", que se construye sobre un drama cargado de humor negro - no siempre comprensible para el espectador occidental - en torno a un conductor que le roba un millón de yuanes chinos a su jefe mafioso para arreglarle a su novia los desperfectos de una mala cirugía plástica, lo que le valdrá estar perseguido por un asesino a sueldo y toda una ristra de personajes que buscan apoderarse como sea de la codiciada fortuna.
El director, Liu Jian, sitúa la acción en barrios marginales, pobres y oscuros que ofrecen una imagen enfermiza de la realidad china - seguramente algo que ha incomodado a las autoridades del país, entregadas a imponer la lectura de un escenario de normalidad -, una realidad que trasciende machaconamente al estar protagonizada la aventura por una galería de personajes igualmente tétricos y decadentes que se enredan en largas conversaciones en torno a la pobreza de sus perspectivas económicas y sociales, sus necesidades de consumo y la extrema necesidad de progresar en otro nivel social, por lo que necesitan extremadamente el botín, aunque esté en manos de un familiar lejano. La acción que se espera de las escenas de violencia y persecuciones de esta propuesta, en principio arriesgada, queda sin embargo ahogada por un ritmo parsimonioso no siempre elegante (como un plano extenuantemente aburrido que muestra la corriente de un río, u otro en que contemplamos a un personaje durmiendo diríase que durante toda la duración de su cabezadita) que alentece la película hasta acabar con ella.
El estilo de la animación, hay que decirlo, contribuye sobremanera al empobrecimiento del ritmo y del interés de la cinta. De hecho, hablar de 'animación' en el caso de "Have a Nice Day" sería mucho decir; sería mucho más acertado presentarlo como un cómic ligeramente animado puesto que los movimientos de los personajes son mínimos. Incluso en los casos en que hay alguna animación no se despliega siempre de forma cuidada, y sorprende por ejemplo ver a un lagarto cruzando las vías de un tren sin ni siquiera levantar las patas para sortear los raíles.
Todo ello convierte a "Have a Nice Day" en una curiosidad pasajera que hace bueno el dicho de "mucho ruido y pocas nueces".



Lo mejor: el tono jocoso de los enredos con los que se plantea una historia de crímenes y mafia.
En contra: un ritmo extremadamente lento que mata el interés que pueda esconder la película.

Así será "Smallfoot"

Warner Bros. ha lanzado el trailer de su próxima película, titulada “Smallfoot”, cuya historia quiere darle la vuelta al mito del Bigfoot cuando un Yeti joven y listo se encuentra con algo que pensaba que no existía – un ser humano. La noticia de este “humano” le trae la fama y la oportunidad de conseguir a la chica de sus sueños. Asimismo, provoca una conmoción en la sencilla comunidad de Yetis al preguntarse qué otras cosas pueden existir más allá de su aldea nevada. Es una historia alegre sobre la amistad, el valor y la alegría del descubrimiento.


El guión está escrito por John Requa y Glenn Ficarra (“Crazy, Stupid, Love”, “Cats & Dogs”) a partir de una idea original del español Sergio Pablos, que se encargó del diseño de personajes y el storyboard desde su estudio en Madrid. “Smallfoot” está dirigida por Karey Kirkpatrick, la directora premiada con el Annie por “Over the Hedge” y nominada a los premios Annie por los guiones de “Chicken Run: evasión en la granja” y “James y el melocotón gigante”, con quien co-dirigirá Jason Reisig, supervisor de animación en “Home”, “Trolls” y “Kung Fu Panda 3”; aunque inicialmente y hasta la pasada primavera iba a estar dirigida por Ryan O'Loughlin (story artist en “Los Croods” y diseñador de personajes en “El Origen de los Guardianes”). Los productores son Bonne Radford (“Jorge el Curioso”, “La Ruta hacia El Dorado”), Glenn Ficarra (“Cigüeñas”, “This is Us,”) y John Requa (“Cigüeñas”, “This is Us”). Los productores ejecutivos son Nicholas Stoller, Phil Lord, Christopher Miller, Jared Stern, Sergio Pablos, y Kirkpatrick. El equipo creativo incluye al diseñador de producción Ronald Kurniawan, al director de arte Devin Crane, al montador Peter Ettinger, y al compositor Heitor Pereira. Y el estudio encargado de la animación será Sony Picures Imageworks.
“Smallfoot” está protagonizada por Channing Tatum (“Batman: La Lego película”, “22 Jump Street”) como el Yeti - Migo -, y James Corden (“Trolls”, “Emoji: la película”) como el humano - Percy. También está protagonizada por Zendaya (“Spider-Man: Homecoming”), Common (“Selma”), LeBron James ( “Space Jam 2”), Gina Rodriguez (“Jane the Virgin”), Danny DeVito (“Lorax, en busca de la trúfula perdida”, nominado al Oscar por “Erin Brockovich”), Yara Shahidi (de la serie “Black-ish”), Ely Henry (de la serie “Justice League Action”), y Jimmy Tatro (“22 Jump Street”).
Está previsto que la película llegue a los cines de España a partir del 21 de septiembre de 2018.









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Un poco de aquí y de allá (XXVII) (15 de junio 2016)

miércoles, 22 de noviembre de 2017

El Bosque de Haquivaqui

El Meu Primer Festival supuso el preestreno del largometraje en stop motion "El Bosque de Haquivaqui" (Dyrene i Hakkebakkeskogen), que ofreció al público infantil una lúcida aventura en que los animales del bosque deciden apartar sus instintos para convivir en paz. La nueva película de Rasmus A. Sivertsen, continuador de la tradición de la animación stop motion noruega encabezada por el genial Ivo Caprino (no en vano firma dos largometrajes basados en el clásico "Flåklypa Gran Prix" del legendario animador), ensalza la importancia del trabajo en equipo y de la coexistencia pacífica entre los diferentes ante el joven espectador al que va dirigida esta sabia fábula en la que prevalecen el buen humor y la alegría de su banda sonora.


Basándose e incluso reproduciendo los diálogos del popular libro "Klatremus Og De Andre Dyrene I Hakkebakkeskogen" (Claus Climbermouse and the other animals in the Huckybucky forest) escrito e ilustrado por Thorbjørn Egner (1912–1990), que a su vez adaptaba un serial radiofónico infantil para el cual el propio Thorbjørn Egner y Christian Hartmann compusieron canciones que hoy son consideradas clásicas en el entretenimiento y la cultura de los niños escandinavos, "El Bosque de Haquivaqui" presenta un mundo habitado por animales que caminan sobre dos piernas, viven en casas y van vestidos, y se asemejan a los seres humanos en gran parte de lo que hacen, dicen y piensan... si no fuera porque algunos de ellos aún conservan algunas costumbres como robar o cazar a sus presas. Hasta que llega el día en que el erizo Horace ataca a la tía-abuela del ratón Morten a medio camino de su casa y ello provoca la aprobación de una ley sobre la paz de los animales, de manera que todo aquél que quiera formar parte de la comunidad del bosque deberá cumplir tres condiciones: ser amigo de los demás, no comerse a nadie y no robar la comida ajena. Aunque todos aceptan cumplir la ley, el pobre zorro Marvin echa de menos la proteína, y pronto se levantarán desconfianzas cuando desaparece el pequeño oso Bruin.
La película es ante todo un divertido cuento dirigido principalmente al público infantil que, aderezado con un buen número de gentiles gags en los que suele salir malparado el sufrido zorro Marvin - y que permitirán al espectador atento hasta aprenderse la receta de unas galletas de jengibre -, plantea casi de forma indirecta la siguiente moraleja:  Si los animales pueden entenderse para vivir pacíficamente incluso aparcando sus instintos más naturales, ¿cómo no podrían ser capaces los humanos de apartar sus diferencias para vivir en armonía? En sus recursos para evitar a los depredadores antes de la nueva ley, y para superar tentaciones después de entrar en vigor aquélla, los personajes les enseñan a los niños y niñas que las soluciones se encuentran aplicando alegría, ingenio, astucia y generosidad. En un recurso inequívocamente expresivo, el largometraje muestra a los humanos como los únicos capaces de alterar y poner en peligro la paz que los animales del bosque han logrado afianzar, lo que a su vez es una llamada para que el ser humano haga lo mismo, mostrando que si aplica la violencia, al final sólo él puede resultar maltrecho. Indudablemente a la trama le faltan grises, y desde un punto de vista adulto hasta se le puede achacar que no plantea alternativas realmente sostenibles a las renuncias que los animales del bosque han de hacer, o por extensión y más propiamente a los problemas que puedan llevar a los humanos a enfrentarse, pero como llamada a hacer un esfuerzo para la concordia y el entendimiento es perfectamente loable, y desde luego es totalmente acertada en su plasmación de que la violencia no lleva a ningún resultado beneficioso.


La animación de los personajes - en cuya construcción han participado los españoles Sonia Iglesias y Óscar Rodríguez, y que han pasado por las manos de los animadores César Díaz Meléndez, Marcos Valín y Carla Pereira, entre otros genios - es deliciosa en su simpatía y gracias a ese toque cartooniano que imprime su actuación, tan poco común en la animación stop motion si no fuera por los largometrajes de la factoría Aardman. Resultan especialmente memorables la sinuosidad de la cola del zorro Marvin, tan acertadamente animada como elemento perturbador de un modo que recuerda la clásica tradición titiritera del Punch, y la divertida secuencia pastelera entre Bobo y el Sr. Liebre.
Resulta grata asimismo la elección por establecer diferentes tamaños de los personajes en lugar de diseñarlos con tamaños semejantes como suele ocurrir en muchas de las películas protagonizadas por animales antropomórficos. Teniendo en cuenta la mayor dificultad que ello implica a la hora de animarlos, es de celebrar por cuanto abre el número de posibilidades expresivas de cada personaje, cada uno según su propio tamaño.
Más pobre resulta en cambio la integración con los fondos, que más que como un entorno en el que los protagonistas interactúan y se mueven, aparece a menudo como un decorado inamovible: que los personajes corran por el bosque sin levantar la más mínima nube de polvo o que puedan encaramarse a las ramas de los árboles sin que éstas se comben por su peso no pasa inadvertido, a pesar de las limitaciones presupuestarias que puedan existir, sobre todo cuando uno piensa en cómo Aardman ha solucionado históricamente la creación física de los efectos especiales o en la recreación digital que de los mismos hace Laika, o incluso en la genial manera en que el mismo Ivo Caprino animaba en "Flåklypa Gran Prix" los cabellos que Teodor Felgen combaba con sus dedos al pasarse la mano por la cabeza o se entretenía en hacer efectivo el peso que 'Il Tempo Gigante' ejercía al pasar sobre un puente. En cualquier caso los fondos son coloridos y atractivos y sin duda resultarán de agrado a los niños, y por otro lado resulta innegable el trabajo de creación de ítems y el minucioso cuidado con que se los anima, esta vez sí, en los hogares y negocios de los animales del bosque.
Hay que hacer mención finalmente a las composiciones musicales, que Rasmus A. Sivertsen incorpora convirtiendo la película en una comedia coral, como ya hiciera en "Dos colegas al rescate", y que contribuyen a acentuar el caracter extremadamente amable y alegre de la cinta.


Lo mejor: el espíritu alegre y positivo con que se plantea una alegoría en favor de la concordia entre los seres humanos.
En contra: la estricta fidelidad a un cuento de mediados del siglo pasado puede lastrar a la película con una carga de inocencia poco coincidente con los tiempos que corren.

Pablo Castrillo nos habla de "Dragonkeeper"

Pablo Castrillo, uno de los guionistas de la película "Dragonkeeper" - que adapta el primero de los libros de la celebrada serie de Carole Wilkinson en la mayor coproducción entre España y China -, estuvo en la última edición del Mercado 3DWire, donde compartió detalles del estado en que se encuentra el proyecto y mostró imágenes del arte conceptual y las animáticas desarrolladas para el mismo.


"Dragonkeeper" es una coproducción de Dragoia Media, Movistar Plus, Atresmedia Cine y China Film Animation (dependiente de China Film Group) donde se plantea un reto de multiculturalidad evidente: la escritora de la novela es australiana, los promotores originales del proyecto son españoles,  el universo de la ficción es chino y los socios son también chinos. El guionista destacó la importancia de la colaboración con China, porque el potencial de crecimiento del mercado de China es espectacular. Según Pablo Castrillo: "Es verdad que el crecimiento se ha ralentizado un poco en 2016, pero también ha habido consecuencias positivas de esa ralentización: entre otras, una mayor apertura hacia los estrenos extranjeros, que han visto aumentada su cuota. Y para 'Dragonkeeper', la gran ventaja de trabajar en coproducción con China es que se va a tratar de un estreno nacional tanto aquí como allí, por lo que la película no estará sujeta a la cuota de estrenos extranjeros". En todo caso, ello ha supuesto un workflow complejo al no existir una presencia física constante:  el equipo lleva trabajando desde el principio, cuando se comenzó hace unos años, constantemente a través de Skype y aplicaciones de la nube, e Ignacio Ferreras, el director de la película, está en otra parte del mundo, mientras que los productores están en Madrid.
El escritor define la historia como "un viaje épico de una niña que inicia su andadura como esclava en una fortaleza del imperio chino, y acaba viajando a través del mismo para ayudar a un dragón a llevar a cabo una causa noble, siendo perseguidos por la guardia imperial y algunos antagonistas más siniestros". Pablo Castrillo añadió que"uno de los factores que me enamoró de la novela original fue el crecimiento de la protagonista: es un personaje joven que alcanza una madurez, un grado de conexión emocional, muy poderosos".


¿Qué fue lo que le llamó la atención de la novela a Manuel Cristóbal para conservar los derechos sobre ella durante tantos años y llevarla al cine?
Lo hemos hablado con él muchas veces. Sé que le emocionaba el personaje protagonista: Ping es realmente un personaje enternecedor por cómo descubre el mundo. Ella empieza su historia siendo una esclava en una remota fortaleza del imperio chino y, por primera vez, al iniciar el viaje de la película, abandona ese lugar donde ha nacido y esa mirada inocente de cómo va descubriendo el mundo era muy cautivadora ya en la novela. Por otra parte me consta también que a Manuel le gustaba mucho la relación entre el dragón y la niña: es una relación que tiene un punto de padre-hija, tiene un punto de maestro y aprendiz, y sobre todo son dos seres que tienen una visión del mundo diferente. Y cómo van aprendiendo a trabajar juntos, aprendiendo a compenetrarse, y logran, conforme avanza la película unirse más y más, me parece a mí que en la novela, y espero también que en la película, alcanza un impacto emocional muy atractivo.

Por el tema, por la relación que se plantea y por la ubicación donde se desarrolla podría recordar de algún modo a películas de Miyazaki o del anime japonés que contemplan este tipo de historias; y sin embargo se observan desde un punto de vista occidental ¿cómo se efectúa este traslado de la mirada occidental a la tradición oriental?
Bueno, en realidad es un punto de vista chino, y por ello hemos querido realizar la película con China: para que no sea fruto de que unos occidentales han querido hacer una película imprimiendo su visión a una historia que es china. Y en eso nuestra colaboración con nuestros socios de China Film Animation ha sido crucial, porque ellos contribuyen a ese punto de vista y a ese entendimiento de su propia cultura y mitología que es fundamental para que la película funcione y para que tenga una visión no estereotipada de esos elementos de la cultura china. Entiendo que se pueda establecer una relación con el cine de Miyazaki, pero con Japón tiene poco que ver porque la cultura china y la japonesa, que para nosotros pueden caer bajo el paraguas oriental, son muy diferentes y tienen visiones muy distintas de muchos asuntos.
Carole Wilkinson, aun siendo occidental, tiene un gran amor por la cultura china, la ha estudiado mucho. Hemos compartido algunas de las referencias de su fase de documentación (libros sobre mitología, la cultura y el folklore chinos..), y ella misma narra la historia desde una perspectiva interna a la cultura china en la medida en que eso puede hacerse no siendo chino. Eso, complementado después con las aportaciones de nuestros socios de China Film Animation hace que la visión no sea un cliché en ningún caso, y que no sea una visión estereotipada de la cultura china sino una historia narrada desde dentro mismo de la cultura china.
En cualquier caso es una película genuinamente china que al mismo tiempo tiene que funcionar muy bien para el mercado internacional, y ahí estará el foco de nuestro esfuerzo en términos de la multiculturalidad del proyecto. Hemos querido insistir en una visión absolutamente universal, internacional, lo que ha llevado a integrar algunos esquemas narrativos más propios de la tradición occidental junto a los más propios de la tradición china, tensando un poquito la cuerda para que sea posible llegar a una coincidencia en la que cada decisión que se tome funcione tanto para la audiencia china como para la audiencia del resto del mundo.

¿Cómo habéis buscado expresamente la universalidad de la película para que no sea sólo para el público chino?
Yo creo que a través de los personajes y de nuestra relación emocional con ellos, la de los creadores de la película pero también de la audiencia en general. Me parece que ese es un lenguaje que es absolutamente universal: sufrir con un personaje, sentirse aliviado con un personaje.. y me parece que ahí es donde, sin idiomas concretos, se habla un lenguaje universal. Yo espero y deseo, y estoy bastante seguro de que cuando la película termine y lleguemos a "The End" en cualquier sala de cine, me da igual en Beijing que en Madrid, la sensación interna de la audiencia será la misma: la sensación de haberse sentido inspirado, de haber disfrutado, de haberse hasta cierto punto enamorado de un personaje y de haber deseado lo mismo que él con la misma intensidad durante toda la película. Eso será lo que hará que la película sea universal.
La película tiene una vocación de internacionalidad evidente: el idioma original del guión es el inglés, y trabajamos siempre con traducciones al chino, pero queremos que funcione en China sin que deje de ser atractiva para cualquier otro lugar.

Vuestro equipo de guionistas está formado por hasta cinco personas: el director Ignacio Ferreras, tú mismo, Rosanna Cecchini, Carole Wilkinson y Xiamping Wang. ¿Cómo os habéis organizado?
Hay una adaptación inicial muy temprana de la película que, en el momento en que entra la visión de Ignacio y Rosanna, cobra una nueva identidad: la película madura y crece como proyecto. Evidentemente todo eso teniendo siempre en cuenta a Carole porque ella escribió la novela y hasta cierto punto es imposible pretender escribir una historia sobre su novela sin contar con ella. Y finalmente la contribución de Xiamping Wang es fundamental también en la medida en que aporta esa visión china a un proyecto que tiene que ser en buena medida chino.
El guión ha ido creciendo como por capas: después de la adaptación inicial, antes de que el proyecto entrara en desarrollo propiamente hablando, más bien es como si la visión de Ignacio, con Rosanna muy de cerca, fuera el pilar central de la adaptación, y en torno a eso contribuye como por capas la visión de los demás. La mía propia, pero también la de Carole y la de Xiamping Wang.
La organización ya ha sido más caótica. En distintas fases ha habido distintas formas de trabajar: obviamente ha habido mucho e-mail y mucho Skype, también muchos viajes a China, reuniones en Madrid... Las fases iban variando.

En su exposición ante el público de 3DWire, Pablo apuntó al hecho de que Ignacio Ferreras y Rosanna Cecchini han sido una parte fundamental del desarrollo del guión, lo que explicaba según su teoría personal de que en animación (quizás también en otras producciones, pero sí más intensamente en animación) la visión del director es absolutamente crucial para darle unidad al proyecto , porque es el ojo o la mente del director la que irá unificando todas esas palabras que los guionistas inicialmente ponen en negro sobre blanco. Según explicó el guionista: "Al ser el material de origen una novela infantil-juvenil cabía la posibilidad de mantenerse en ese mismo nivel de discurso, pero nosotros lo que queríamos hacer era elevarlo un poquito para hacerla un poco más madura". Y añadía: "La novela es fantástica sin ninguna duda, pero está un poco enfocada para niños, y nosotros queríamos universalizarla un poco para convertir la producción en una película familiar de verdad y no en una película para niños que pueden soportar los padres, que es lo que puede pasar en otras ocasiones.  El personaje sufre, aunque ese elemento se contrarresta también con situaciones de alivio cómico, porque es una película familiar".
También apuntó a que, conforme se avanzaba escribiendo el guión, siempre fue muy importante el input de la autora de la novela, Carole Wilkinson, que aportó también sus ideas y sus inspiraciones. Según Pablo: "Aquí se produce siempre un fenómeno habitual que es que el autor o autora de la novela aspira a proteger la novela, mientras que en las adaptaciones a la pantalla, parte del proceso implica destrozar la novela. Ello crea un proceso de tensión y distensión, alternativamente, al final del cual hemos llegado a una versión del guión actual, que podría ser la final, que consigue mantener el espíritu interno original de la novela y su impacto y al mismo tiempo adaptarla a una estructura narrativa que funcione en la pantalla".
Según el invitado de 3DWire, la realización de la animática supuso un diálogo entre la palabra escrita y la imagen que permitió lanzar ideas sobre el guión, comentar secuencias que funcionaban y otras que no, y llegar a alguna situación en que se le proponía alguna línea o modificación de guión a Ignacio, sobre la que ha menudo Ignacio no se pronunciaba hasta que lo pudiera ver dibujado. "Ignacio es una persona que escribe dibujando en todas las fases del proceso y ha habido muchas veces en que el guión se ha escrito 'al revés': del dibujo a la palabra, en vez de la palabra al dibujo. Ese feedback entre el dibujo y la palabra ha permitido ir creando una narrativa cada vez más sólida", según Pablo.

El desarrollo visual inicial de la película lo llevó a cabo Sergio Pablos desde The SPA Studios. ¿De qué modo te ha condicionado o influenciado el arte conceptual e ir conociendo a los personajes?
En este caso, aunque no sé si es así siempre, me parece que el desarrollo visual de los personajes encarnó a la perfección lo que estaba escrito en la novela y en las sucesivas versiones del guión. Dicho de otra manera, cuando aparecieron los primeros diseños de personajes para mí no fueron ninguna sorpresa: fueron más o menos, por no decir exactamente, lo que todos llevábamos viendo en nuestras mentes desde hacía bastante tiempo.

Según Pablo Castrillo, desde The SPA Studios fueron muy generosos con ellos a lo largo de esa etapa inicial, y les ayudaron verdaderamente a poner en marcha el proyecto, puesto que a la hora de enseñarlo y conseguir socios es muy importante la identidad visual.

En tu background profesional has trabajado sobre todo en películas de imagen real, trabajando en productoras como The Combine (Matar al mensajero, El Fundador) y Kurtzman & Orci (Sleepy Hollow, Now You See Me). ¿Cómo ha sido tu incursión en el cine de animación?
Sí, pero de todos modos yo he trabajado en cortometrajes y en desarrollo de películas de imagen real fundamentalmente, porque largometrajes producidos o escritos por mí en imagen real no hay ninguno. Yo argumento que al menos en la fase inicial de adaptación nada cambia, porque en ese momento se puede escribir una historia independientemente de para qué medio, entendiendo que es un lenguaje visual que luego podrá ser imagen real o animación, y entendiendo también que es un lenguaje dramático, que da igual que sea para imagen real o para animación. Ahora, conforme el proyecto crece y se va desarrollando visualmente y el director empieza a dibujar la película... entonces ya sí la escritura empieza a variar porque tiene que ser fiel a esa imagen y a esa visión. Pero en la fase más inicial se trata simplemente de contar una historia.
En las fases más avanzadas lo más importante en mi opinión es conseguir unificar el lenguaje que está escrito en palabras en la página con la visión del director, y sinceramente creo que lo hemos conseguido porque hemos trabajado codo con codo.
Llega un momento en un proyecto de una película en el que todas las personas que trabajan en él, desde el productor hasta el director, el guionista, quien sea.. están ahí para servir al proyecto y para conseguir que el proyecto sea el fruto de aquella visión que se ha unificado después de mucho hablar sobre ella, mucho trabajar y mucho pensar.


Agradecemos a Pablo Castrillo su buena predisposición para la entrevista y, por supuesto, nos manifestamos ansiosos de ver el resultado de su trabajo y del de todo el equipo de la película en "Dragonkeeper".

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Los escándalos sexuales llevan a John Lasseter a dejar Disney-Pixar temporalmente

Según ha avanzado Hollywood Reporter, el co-fundador de Pixar John Lasseter se apartará durante al menos 6 meses de su puesto directivo en Walt Disney Animation Studios y Pixar debido al escándalo surgido a raíz de conductas moralmente reprobables hacia las mujeres que trabajaban en los estudios, que se habrían producido al menos durante 20 años. En efecto, no faltan voces entre las trabajadoras y trabajadores de los estudios que denuncian que durante  ese largo período de tiempo a menudo ha habido actitudes y rumores que alertaban de un ambiente tóxico y sexista hacia las mujeres. A ello habrían contribuido actitudes que incluían comentarios incómodos, abrazos demasiado intensos, besos en los labios o tocamientos en la espalda o las piernas de las trabajadoras jóvenes, que incluso habrían popularizado una maniobra para evitarlo llamada "the Lasseter". La noticia se inscribe en la ola de escándalos que está asolando Hollywood y que empezó con las acusaciones de abuso sexual y acoso por parte de Harvey Weinstein y que también han ensombrecido la trayectoria de otras celebridades como Charlie Rose, Kevin Spacey, Louis C.K. o Roy Price, de Amazon.


El posicionamiento de John Lasseter se ha oficializado con una carta especialmente dirigida a sus trabajadores que se transcribe traducida a continuación:
Siempre he querido que nuestros estudios de animación sean lugares donde los creadores puedan explorar su visión con el apoyo y colaboración de otros animadores y narradores con talento. Este tipo de cultura creativa conlleva mantener una vigilancia constante. Está construido sobre la confianza y el respeto, y se hace frágil si algún miembro del equipo no se siente valorado. Como líder, mi responsabilidad es asegurar que ello no ocurra; y ahora creo que no he hecho suficiente al respecto.
Recientemente he mantenido un número de conversaciones difíciles que han sido muy dolorosas para mí. Nunca es fácil enfrentarte a tus equivocaciones, pero es la única manera de aprender de ellas. Como resultado, he pensado mucho sobre el líder que soy hoy en comparación con el mentor, abogado y líder que quiero ser. Se me ha trasladado que he hecho que algunos de vosotro(a)s sintáis que os he faltado al respeto o os he hecho sentir incómodo(a)s. Nunca fue mi intención. Colectivamente, significáis mi mundo, y me disculpo profundamente si os he decepcionado. Especialmente me quiero disculpar con cualquiera que haya estado al otro lado de un abrazo que no deseaba o de cualquier gesto que creyó que se pasaba de la raya en cualquier modo, manera o forma. Independientemente de lo benigno de mi intención, cualquiera tiene el derecho a establecer sus límites y a que se le respeten.
En mis conversaciones con Disney, hemos coincidido en nuestro compromiso de tratar siempre las preocupaciones que podáis tener con la seriedad que merecen, y de solucionarlas de la manera apropiada. También compartimos el deseo de reforzar la cultura vibrante, respetuosa, que ha estado en los cimientos del éxito de nuestros estudios desde el principio. Y estamos de acuerdo en que el primer paso en esa dirección es que me aparte durante un tiempo para reflexionar sobre cómo avanzar a partir de ahora. Por muy duro que sea para mí apartarme de un trabajo que me apasiona y de un equipo que admiro profundamente, no sólo como artistas sino como personas, sé que es lo mejor para todos ahora mismo. Tengo la esperanza de que un retiro sabático de seis meses me dará la oportunidad de empezar a cuidarme mejor, recargar energías e inspiración, y finalmente volver con la visión y la perspectiva que necesito para ser el líder que merecéis.
Estoy inmensamente orgulloso de este equipo, y sé que seguiréis sorprendiendo al mundo en mi ausencia. Os deseo unas felices fiestas y estoy ansioso por que volvamos a trabajar juntos de nuevo el año que viene.
John
Inicialmente se había especulado con que el hecho de que la actriz y escritora  Rashida Jones se hubiera apartado, junto a su socio Will McCormack, del equipo de guionistas de "Toy Story 4" respondía también a provocaciones de tipo sexual por parte de Lasseter. Sin embargo, la misma actriz lo ha desmentido recientemente, argumentando que su apartamiento responde más bien a diferencias creativas pero también a diferencias de filosofía en torno a una cultura de Pixar que no valoraría a las mujeres ni a la gente de color. En este sentido ha hecho pública una declaración a The New York Times que diría lo siguiente:
Sentimos que se nos ha colocado en una posición en la que tenemos que expresarnos por nosotros mismos. La velocidad de vértigo a la que los periodistas han puesto nombre al siguiente perpetrador hacen irresponsables algunos reportajes y, de hecho, los convierten en contraproducentes para la gente que quiere contar su historia. A este respecto, The Hollywood Reporter no habla por nosotros. No dejamos Pixar a causa de aproximaciones no deseadas. Esto es falso. Dicho esto, nos alegra ver a gente hablando acerca de comportamientos que les hicieron sentir incómodas. Nos separamos a causa de diferencias creativas y, lo que es más importante, filosóficas.
Hay mucho talento en Pixar y continuamos siendo enormes fans de sus películas. Sin embargo, hay también una cultura donde las mujeres y la gente de color no tienen una voz creativa igual, como se demuestra por la demografía de sus directores [sic]: de 20 películas en la historia de la compañía, sólo una fue co-dirigida por una mujer y sólo una fue dirigida por una persona de color. Animamos a  Pixar a ser líderes en potenciar, contratar y promover a narradores y líderes más diversos o que sean mujeres. Esperamos poder animar a todos aquello(a)s que sintieron que sus voces no eran escuchadas en el pasado a sentirse poderoso(a)s.
Se desconoce cuál será el futuro de John Lasseter en los estudios pasados estos seis meses en que estará retirado. Probablemente se tenga en cuenta la dimensión que adquiera el escándalo y la forma en que pueda afectar al rendimiento de las películas de Disney y Pixar. Ya hay rumores que apuntan a que Pete Docter (Monstruos S.A., Up, Del Revés) podría sustituir a Lasseter como director creativo, aunque no está definido si será durante esos seis meses o para siempre. En cualquier caso, Disney parece estar de momento poco dispuesto a desprenderse definitivamente de John Lasseter, y hasta ahora ha trasladado su posición en el siguiente sentido: “Estamos comprometidos en mantener un ambiente en el que todos los trabajadore(a)s sean respetado(a)s y con fuerzas de llevar a cabo su trabajo de la mejor forma. Apreciamos el candor de John y su sincera disculpa y apoyamos totalmente su retiro sabático.”

lunes, 20 de noviembre de 2017

Animayo vuelve a Madrid

Tras su reciente paso por Los Angeles, Animayo presentará su edición itinerante en Caixa Forum Madrid entre los próximos 24 y 25 de noviembre, con su especial dedicado a la mujer en la industria de la animación, los efectos visuales y los videojuegos.


El evento dirigido y producido por Damián Perea aspira a homenajear a los grandes talentos femeninos de la industria y a manifestar el interés de su trabajo, siendo Animayo el primer festival de cine del mundo que en su reciente edición cambió toda su programación para dar voz a artistas mujeres, a lo largo y ancho del planeta, y reivindicar el derecho a su espacio y a la relevancia de su trabajo, poniendo de manifiesto su papel y contribuyendo a la reflexión sobre su aportación a la industria, su especial sensibilidad, su forma de entender el cine, sus valores y su talento creativo. Por eso, el programa acogerá a invitadas que con su trabajo han participado, cada una en su ámbito, en títulos tan importantes como: "La Leyenda de los Guardianes", "The Witcher", "Los Juegos del Hambre", "Predator", "Avatar", "Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo", "Amusement Park", "Commandos","Planet 51", "El Ministerio del tiempo", "Harry Potter” o "Pocoyó", entre otros muchos. Entre ellas se contará con Laura Raya, Doctora en Realidad Virtual y Directora del Experto en Desarrollo para Realidad Virtual y Aumentada de U-tad; Mercedes Rey Cuadrado, Directora de relaciones institucionales y alianzas estratégicas de U-tad; Natalia Montes, Expert art director, graphic designer y stoyboard artist de User T38; la directora de animación e ilustradora checa Galina Miklinova; la consultora y directora de producción Belli Ramírez; Olga Szablewicz-Pisuk, Visual Effects Supervisor ee Platige Image; la senior CG Artist Céline Velasco; y Cristina Arnáiz, responsable de Desarrollo de software y herramientas para artistas 3D en U-tad.
Animayo Madrid contempla un total de siete master classes de ponentes internacionales, dos proyecciones del “Palmarés Oficial”, un estreno nacional de largometraje de animación, un especial de animación checa y tres talleres formativos.
Las master classes serán las siguientes:
  • Realidad Virtual como impulso social, impartida por Laura Raya
  • Videojuegos, animación y educación: 25 años dedicados a la industria digital. De Planet 51 a Commandos, impartida por Mercedes Rey Cuadrado, que de una manera amena y didáctica, hará un recorrido por toda su trayectoria profesional.
  • El diseño de carteles y cabeceras para cine y televisión, por Natalia Montes
  • La nueva animación checa - Cómo adaptar libros de ilustración infantil para el cine de animación: "Los Zampacalcetines", impartida por Galina Miklinova
  • Cómo elaborar un plan de producción para Pocoyó, Planet 51 o cualquier otro proyecto de animación, por Belli Ramírez
  • Proyectos tecnológicamente avanzados: Recorrido por las mejores cinemáticas de videojuegos de Platige, impartida por Olga Szablewicz-Pisuk
  • A road trip around the globe of VFX and animation, por Céline Velasco. Céline es experta en texturas y sombreado, y durante la master class dará un repaso a su carrera cinematográfica, llena de títulos ampliamente reconocidos por el público en general: “Amusement Park", “The Lego Movie", "El gran Gatsby", “Los Juegos del Hambre", "Predator", "Avatar", "Viaje al Centro de la Tierra", "Destino Final", "Dragonball Evolution", "Orphan" y "Assassin’s Creed Lineage".
En cuanto a los talleres, la misma Céline Velasco impartirá también un taller sobre "Fundamentos de Materiales con Arnold y Maya" donde se aprenderá a dar texturas a los modelos 3D con parte de los softwares 3D más utilizados en VFX y Animación. Igualmente habrá un taller de creación de tools para artistas 3D, que consistirá en una introducción a la programación de scripts y al uso de la funcionalidad de Autodesk 3ds Max en forma de código. Finalmente, también habrá lugar para un taller impartido por Galina Miklinova y dirigido a padres e hijos, para para crear su propio Muppet con forma de Zampacalcetín.
Finalmente, en el apartado de las proyecciones, los asistentes tendrán la oportunidad de ver el estreno nacional de la película "Los Zampacalcetines", dirigida por Galina Miklinova, una de las películas más esperadas de los últimos años en la República Checa. Los Zampacalcetines son unas pequeñas criaturas que se alimentan únicamente de calcetines pero cuidado, solo uno de cada par, tal y como manda el código de estas criaturas, el número ideal de calcetines es uno, no dos. El protagonista, Hihlíka, se debate entre el amor a su familia y el temor a salir de su mundo.


Por otra parte, se hará un repaso a una de las grandes figuras de la animación artística de la Europa del Este tras la 2ª Guerra Mundial, al ofrecerse parte de la filmografía de Jiri Brdečká, presentada por su hija, Tereza Brdečková, que desvelará los secretos y características que hicieron de su padre uno de los directores, guionistas y animadores más importantes de la época dorada de la animación artística europea. Esta proyección se enmarca dentro del «Especial de Cine Checo» que Animayo realiza junto al Centro Checo de Madrid.
Asimismo, habrá dos proyecciones del palmarés oficial Animayo correspondiente a este año, donde ‘Cosmos Laundromat’ se alzó con el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público recayó en ‘La muñeca que eligió conducir’, una obra que aboga por el fin de la división sexual en las jugueterías. Otro ejemplo fue la obra ‘My Life I don’t want’, que habla de la desigualdad de la mujer en un país subdesarrollado, en técnica de dibujo 2D y sin diálogo para no distraer al espectador. La naturaleza y el medioambiente también están presentes entre los ganadores de esta edición, con trabajos como ‘L’horizon de Bene’, un cortometraje en stop motion francés que intenta concienciar al espectador de la necesidad de cuidar la fauna selvática, con un mensaje claro y conciso; o el cortometraje ‘Mor’, en el que la anciana madre tierra ayuda a niños a salir del bosque. La originalidad se destapa con obras como ‘The Rope’ que muestra como algo tan banal como la sal se puede convertir en una danza y una oda al amor; o un muñeco de plastilina que es el último espía en la obra ‘Roger’; o unos conejos que se convierten en soldados de la I Guerra Mundial gracias al 3D y el ordenador en ‘Poilus’.

Podéis comprar las entradas y consultar toda la información del evento en la web del festival: www.animayo.com

Primer teaser trailer de Los Increíbles 2

Ya está disponible el primer tráiler de “Los Increíbles 2” de Disney•Pixar.


No habíamos visto hasta ahora ningún avance de la nueva película a pesar de que fue en marzo de 2014 cuando Disney confirmó que se iba a trabajar en una secuela de la popular película de Brad Bird, que significaba el regreso de su creador como director y como guionista. Brad Bird ya se había mostrado abierto a abordar una secuela en 2007, y en mayo del 2013 ya confirmaba su interés en llevarla a cabo, basándose en su amor por los personajes y afirmando que tenía ya muchos elementos para hacer una nueva película.
En "Los Increíbles 2" de Disney•Pixar, regresa la familia de superhéroes pero esta vez, la protagonista es Helen. Bob se queda en casa con Violet y Dash y se ve obligado a convertirse en un héroe de la vida "normal". Es una transición difícil para todos, y lo será más aun cuando la familia se dé cuenta de los superpoderes del bebé Jack-Jack. Además, aparece un nuevo villano que trama una conspiración brillante y peligrosa. La familia y Frozone deben encontrar la forma de volver a trabajar juntos, algo bastante complicado a pesar de que todos son Increíbles.
Dirigida por Brad Bird ("El gigante de hierro", "Los Increíbles") y producida por John Walker ("Los Increíbles") y Nicole Grindle (cortometraje de "Sanjay's Super Team", productora asociada de "Toy Story 3"), "Los Increíbles 2" llegará a nuestro país el 27 de junio de 2018, tras su estreno en EEUU el 15 de junio.

viernes, 17 de noviembre de 2017

El Malvado Zorro Feroz

"El Malvado Zorro Feroz" de Benjamin Renner y Patrick Imbert se alza como otra pieza imprescindible del cine de animación, que demuestra que sus realizadores, además de saber manejar a la perfección los resortes del humor y de las emociones, respetan como nadie el valor artístico exclusivamente propio de los dibujos animados frente a otras expresiones cinematográficas, algo que nunca debería perderse de vista. La película pudo verse en preestreno en El Meu Primer Festival, donde recibió el cálido y alegre reconocimiento del público más joven.


Basada en el cómic homónimo de Benjamin Renner, la película - cuyo título original es "Le Grand Méchant Renard. Et autres contes..." - presenta tres fábulas, a cuál más hilarante, que se desarrollan en torno a una granja en la campiña. En la primera de ellas, un trío formado por un sensato cerdo y un conejo y un pato que compiten en irresponsabilidad e incompetencia - en una genial traslación del Pierrot y los Augustos -, deben hacer la entrega de un bebé del que se ha desentendido la cigüeña que debía llevarlo a su hogar, y pasarán por todo tipo de enredos que pondrán en peligro el buen término de su misión. En la segunda, un zorro roba los huevos de una gallina para comerse a los polluelos cuando crezcan, sin esperarse que cuando nazcan le tomarán por su mamá y acabará cogiéndoles cariño, mientras las gallinas preparan un ejército para darle su merecido. Y en la tercera historia, el trío formado por el cerdo, el pato y el conejo vuelve a escena para protagonizar una escena navideña en que el pato cree haber matado a Papá Noel y decide asumir su responsabilidad repartiendo por su cuenta los regalos para que ningún niño se quede sin ellos, arrastrando en su empresa a sus dos compañeros de viaje.


Ternura y risas sin igual distinguen a cada una de las historias de la película, cuyos protagonistas invaden con mucha simpatía la cuarta dimensión al dirigirse al espectador como intérpretes de una obra de teatro que se está representando tras un enorme telón carmesí, en lo que constituye un inteligente recurso para unir un episodio con el siguiente y ganarse más, si cabe, el corazón y la atención del público.
Recuperando el mismo estilo gráfico de "Ernest et Céléstine" los personajes y los fondos adquieren la amable tonalidad de unos senzillos trazos de lápiz y colores a la acuarela, que ponen de manifiesto el especial cuidado artístico puesto en la realización del largometraje. Ni más ni menos que alrededor de 900 fondos fueron dibujados uno a uno, a veces en digital y otras veces directamente de forma manual, para la película bajo la supervisión de la pareja de artistas Zyk y Zaza, que ya trabajaran en la producción de 2012 y que estuvieron esta vez en El Meu Primer Festival para mostrar su trabajo.
El slapstick y la acertada animación de los personajes, que en su sencillez son capaces de expresar toda la potencialidad de las escenas, subrayan el carácter irremisiblemente cómico de esta película que hará las delicias tanto de los pequeños como de los mayores. En la animación de cada uno de los pobladores de la granja hay un guiño innegable a aquellos dibujos de los Looney Tunes que antaño nos alegraban frente al televisor, desde Bugs Bunny al Coyote, pasando por el gallo Claudio, el pato Lucas o el cerdito Porky.

Lo mejor: el innegable trabajo artístico puesto al servicio de unos gags hilarantes
En contra: la estructura episódica le otorga cierta irregularidad, marcada por el carácter algo más flojo de "Una Navidad Perfecta" frente a las dos anteriores

jueves, 16 de noviembre de 2017

La Isla de los Monstruos

Ánima Estudios, una de las compañías de animación más grandes de Latinoamérica, no tiene pese a ello la experiencia que acompaña a los grandes estudios de Hollywood que proyectan su sombra desde el norte, como Pixar, Dreamworks y similares, y ni mucho menos maneja los mismos presupuestos para sus películas. Sin embargo encabeza un notable esfuerzo por crear una industria de la animación en México y, lo que es también importante, por hacer que sea exportable al resto del mundo. Nos llega de este modo su largometraje más reciente, "Isla Calaca", que aquí se estrena bajo el título "La Isla de los Monstruos": una aventura con corazón dirigida a los más jóvenes que resulta entretenida y llena de colorido, si bien adolece aún de limitaciones que es seguro que la animación mexicana irá superando, aunque hasta que llegue ese momento tendrá difícil competir con las demás ofertas que ofrece el mercado cinematográfico.


Dirigida por Leopoldo Aguilar, a partir de un guión de Billy Frolick y Alicia Núñez Puerto, la película gira en torno a  Lucas, un joven en plena adolescencia que, si no fuera suficiente con tener que aguantar el bullying en la escuela y tratar de gustar a sus compañeras, queda horrorizado cuando se transforma en un monstruo delante de los niños más populares del colegio. Cuando su sobreprotector padre le confiesa que ninguno de los dos son realmente seres humanos, Lucas huye de su casa en busca de sus verdaderas raíces la Isla de los Monstruos, donde deberá enfrentarse al malvado Norcutt y aprenderá que ser un monstruo no es tan monstruoso como parece sino que significa ser miembro de un nuevo grupo, al que puede llamar con orgullo su familia.
Retomando el argumentario de los limitados recursos con que cuenta la animación mexicana, y en particular Ánima Estudios, en relación con los grandes estudios de EE.UU., sería recomendable que las producciones del país suplieran la escasez presupuestaria del mismo modo en que trata de sobresalir la animación europea: a través de historias sólidas y bien construidas que aporten algo nuevo o mediante la originalidad y la excelencia visual, e idealmente aunando ambos factores. En el caso de "La Isla de los Monstruos" resulta atractiva la idea de partir de los complejos, inseguridades y dificultades de aceptación de uno mismo propias de la adolescencia para establecer la metáfora de la transformación en monstruo, y sin embargo ese concepto acaba derivando en una aventura tendente al simplismo, en todo caso entretenida y bienintencionada, pero falta de gracia y de buen humor y sobre todo de la originalidad que deberían distinguirla del montón o de otras propuestas similares presentadas con mayor acierto. En su afán por conseguir llegar a cuantos más mercados del mundo mejor, la película ha sido despojada de cualquier elemento que pudiera hacerla identificable con sus orígenes geográficos, a pesar de que probablemente aceptando y haciendo valer ciertos elementos de la tradición y la cultura mexicanas hubiera resultado más interesante.
Gráficamente "La Isla de los Monstruos" también expresa ciertas debilidades en cuanto a medios que se hacen manifiestas en una correcta animación afeada por una excesiva rigidez cuya máxima expresión se encuentra por ejemplo en los cabellos de los personajes, así como también en los efectos visuales e igualmente en las texturas y la iluminación de muchas de las escenas, donde el barullo de colores parece haberse definido sin una intencionalidad precisa. Sin embargo sí se aprecia el esfuerzo de trabajar una galería de personajes variada, cuyos monstruos no son los típicos que todos conocemos, y están construidos con un ánimo positivamente creativo. Finalmente, es una lástima que esa misma creatividad no haya acabado extendiéndose a las posibilidades de un mundo habitado por monstruos, que resulta intangible y apenas aparece diseñado con unos pocos detalles arquitectónicos.



Lo mejor: una película con corazón que pone en valor la idea de familia y plantea una aventura en torno a la aceptación de uno mismo donde lo importante no es la apariencia.
En contra: la falta de humor y de originalidad la convierten en una película de monstruos sin garra.